Visuelle Inspiration.

Aktionen und Veranstaltungen im Themenbereich meines Blogs habe ich immer gerne unterstützt, sei es zu Design und Typografie oder eben auch zu Fotografie. Stefan Neuweger von photowalkingmunich.de hat mich gebeten auf die Veranstaltung »Fotomarathon München 2012« zu verweisen, was ich natürlich gerne mache. Anbei ein Auszug aus der Beschreibung, die er mir geschickt hat:

1. Münchener Fotomarathon, 21. Juli 2012

Ein Fotomarathon ist eine fotografische Herausforderung, bei dem jeder Fotobegeisterte, unabhängig von Ausrüstung und Erfahrung, teilnehmen kann und in einem bestimmten Zeitraum mehrere Themen zu einer Serie umzusetzen hat. Dabei geht es um eine Kombination aus Geschwindigkeit, Ausdauer, Kreativität und vor allem Spaß.

Der Fotomarathon in München wird so gestaltet, dass die Teilnehmer in acht Stunden zwölf Themen fotografisch in Szene setzen müssen und hierbei eine Serie mit Bezug zu München erschaffen. Das Oberthema und die zwölf Unterthemen werden erst am Veranstaltungstag bekanntgegeben.

Nach einem Zeitraum von etwa vier Wochen, findet dann im Rahmen einer Abendveranstaltung die Prämierung der besten zehn, durch eine Jury ausgewählten Serien, statt. Im Anschluss werden in einer Ausstellung und auch über die Webseite die Ergebnisse der besten Teilnehmer für eine bestimmte Zeit der Öffentlichkeit präsentiert.

Links:

• Web: www.fotomarathonmuenchen.de
• Facebook: facebook.com/fotomarathonmuenchen
• Twitter: twitter.com/#!/fotomarathonMUC

Nun könnte man einwenden »Fotografier halt von vornherein besser, dann musst du auch nicht zwei Drittel deiner Aufnahmen automatisch oder manuell nachbessern!« Wer aber glaubt die Entwicklung von Digitalbildern wäre an der Kamera abgeschlossen, verkennt die Möglichkeiten der Digitalfotografie. Natürlich kann man: Wenn man für das Speichern der Bilder JPEG als Dateiformat wählt. Aber JPEG ist für mich irgendwie wie Sofortbilder. Mancheiner mag Polaroids reizend finden – ich meine das Wertungsfrei; mir persönlich gefallen auch viele Polaroid Aufnahmen ebenso, wie mir Lomographien gefallen können, oder Resultate die mit den zahlreichen Apps aus dem iPhone oder anderen Smart Phones zu erzielen sind. Es reizt mich aber nicht, mich selbst damit zu befassen.

JPEGs werden ebenso wie Sofortbilder in der Kamera automatisch entwickelt. Man hat als Gestalter nicht mehr viel Möglichkeiten auf das Resultat einzugreifen. Mit Raw habe ich diese Möglichkeit. Aber ebenso entscheidend wie für die Entwicklung eines analogen Fotos das Labor ist (das gilt ja eigentlich auch für Digitalbilder), ebenso ist für die Entwicklung einer Raw-Datei die Entwicklungsumgebung wichtig. Ob man ein Foto beim einen Labor oder beim anderen entwickeln lässt, führt zu unterschiedlichen Resultaten führen.

Manche Labore liefern generell lausige Resultate. Andere Labore liefern Ergebnisse, für die sich der eine Fotograf begeistern kann, der andere aber nicht. Letzterer zieht ein weiteres Labor vor, das wieder dem Fotografen davor nicht gefällt. Es ist also oft auch subjektiv.

Genau so verhält es sich auch mit Raw-Dateien. Lightroom entwickelt Bilder anders als Aperture, beide anders als DxO Optics, alle wieder anders als das neue After Shot und nicht zuletzt liefern diese wieder andere Resultate als die Raw-Entwicklungs-Tools der Kamerahersteller. Ich habe mit Capture One Pro mein Entwicklungslabor gefunden, mit dem ich endlich rundum zufrieden bin, wenn man einmal davon absieht, dass dem Werkzeug im Moment sinnvolle Retusche-Tools noch fehlen. Aber ich hoffe auf eine Weiterentwicklung, die der Qualität der aktuellen Version gerecht wird und solche Werkzeuge in Zukunft zur Verfügung stellt. Wenn dann noch ein RGB-Kanalmixer dazu käme, die Möglichkeiten die Deckkraft der Ebenen für selektive Anpassungen, die selektiven Anpassungen so wie in Aperture auch auf das ganze Bild anzuwenden, und die Werkzeuge für die selektive Bearbeitung generell verbessert würden, dann wäre das fast schon zu schön um wahr zu sein.

Wie Heise meldet hat Corel Bibble übernommen und stellt sein erstes Tool zur Raw-Entwicklung mit dem Namen AfterShot vor. Das Programm ist neben Windows auch für Mac und Linux erhältlich und kostet 90 Euro. Umstiegswillige Nutzer von Bibble 5, Lightroom oder Aperture können es für 70 Euro haben (irgendwie finde ich solche Angebote ja ein bisschen unmoralisch).

Hier geht es zu Corel und AfterShot: Corel AfterShot Pro – photo management software.

Am Anfang war Aperture

Mein erster Raw-Entwickler war Apple Aperture. Das in der Beta-Phase befindliche Lightroom lockte aber bereits und es zeichnete sich noch vor der offiziellen Version ab, dass das Programm ein Erfolg werden würde. Immerhin kam es von Adobe und die hatten mit Photoshop Erfahrung in Bildbearbeitung wie kaum jemand sonst. Also habe ich in großen Erwartungen den Zug gewechselt und meine junge Bibliothek auf Lightroom umgestellt.

Meine Lightroom-Phase

Glücklich geworden bin ich damit nicht. Die Oberfläche des Programm ist furchtbar klobig, platzverschwenderisch gestaltet und absolut strikt. Gut. Man kann in die Kopfleiste sein eigenes Logo einpflanzen und verschiedene Schnörkel für den Abschluss der Palettenleisten definieren. Professionell finde ich diesen Umfang an Individualisierbarkeit allerdings nicht. Der Rest lässt sich kaum an die Anforderungen des Anwenders anpassen.

Dann dieses seltsame Konzept mit den fünf Räumen. Auch so eine Idee die Adobe dem Benutzer unabänderlich aufs Auge drückt. Zu allem Überfluss verknüpft das Programm mit demselben Shortcut unterschiedliche Befehle, je nach Raum, in dem ich mich gerade befinde. Zumindest in früheren Versionen war das so.

Und wenn herum nörgeln an Shortcuts sind: In InDesign, Illustrator und Photoshop rufe ich mit cmd+K die Voreinstellungen auf. Weshalb ist das in Lightroom ein anderer Kürzel?

Ihr merkt schon: Ich mag Lightroom nicht!

Zurück zu Aperture

Nach einigen Monaten unglücklicher Ehe mit Lightroom bin ich reumütig zu Aperture zurück und wenn ihr mich fragt: Es ist das bessere Programm für die Raw-Entwicklung. Zwar wird immer wieder die Kompetenz Lightrooms beim Entrauschen gelobt, aber wenn das nicht besser ist als in Adobe Camera Raw – und ich gehe davon aus es ist 1:1 die selbe Engine – dann berauscht mich das auch nicht.

Wo Aperture im Verhältnis zu Lightroom definitiv glänzt ist die Wiederherstellung von unterbelichteten und überbelichteten Bereichen – ich habe diesbezüglich einmal einen Artikel veröffentlicht.

Natürlich arbeitet das Gros der professionellen Welt mit Lightroom und ich halte die Kollegen bei Gott nicht für Nackerpatzerln. Am Ende ist es immer auch etwas subjektiv was man gut findet und was nicht. Unterm Strich findet man Licht und Schatten bei Lightroom und bei Aperture.

Lightroom vs. Aperture

Aperture wird zuweilen ein etwas zähes Ansprechverhalten nachgesagt und tatsächlich: Wer keinen Turbo im Rechner hat muss mangelnde Power mit Geduld ausgleichen. Auch die Stabilität könnte besser sein. Allerdings verfiel ich bei meinen Lightroom-Tests, die ich über die Jahren immer wieder gemacht habe, auch nicht gerade in einen Geschwindigkeitsrausch.

Was mich wundert ist, was Adobe am heutigen Tag an Neuerungen für Lightroom 4 ankündigt: Ein neues Buchmodul (sieht aus wie das, was ich von Aperture schon lange kenne); Direkte Integration von Maps (habe ich seit Aperture 3 und brauche ich so oft wie etwas anderes: Faces – nämlich exakt gar nicht).

Was ich allerdings sehr wohl brauche ist Softproofing. Ich kann mich nicht erinnern, dass ich das in Aperture einmal nicht hatte. In Lightroom soll es das mit 4 jetzt auch geben. Wie um Himmels Willen! Konnte die professionelle Welt in Lightroom bislang auf den Bildschirm-Proof verzichten? Ist mir rätselhaft.

Aber wäre bei Aperture alles so, wie ich es mir vorstellte, hätte ich mich nie nach einer Alternative umsehen müssen.

Geschwindigkeit und Stabilität habe ich bereits als problematisch angesprochen. Dann verliert Aperture Bilder in der Datenbank. Ich nehme an, das passiert bei Abstürzen. Die Bilder vegetieren dann irgendwo auf der Festplatte rum. Ob die Bilder in der Aperture-Datenbank liegen oder als Verknüpfungen in separaten Ordnern ist dabei Irrelevant. Wenn Sie in Aperture nicht mehr aufscheinen sind sie so gut wie nicht mehr existent, auch wenn sie noch irgendwo auf der Festplatte Speicherplatz verspeisen.

Ein Vorteil von Aperture war für mich unter anderem die Integration in das Gesamtsystem Apple, bestehend aus meinen Macs, iPhone, iPad und mobileMe. Aber die Alben von mobileMe sollen nach der Einführung von iCloud sterben. iCloud ist mir noch immer suspekt. Und Fotostream, das Bilder annähernd in Echtzeit auf allen Geräten eines Anwenders verteilt, hat bei mir mehr Unordnung als Nutzen gestiftet.

Das schlimmste ist bei Aperture allerdings, dass man keine Ahnung hat, was Apple weiter damit vor hat. Lightroom-User sehen durch die neue Beta, dass an ihrem Programm was weiter geht. Aber Apple macht ja aus allem ein Staatsgeheimnis. Das wäre nicht so schlimm, wenn man von einer professionellen Weiterentwicklung ausgehen könnte. Leider ist bei mir der Verdacht gekeimt, Apple mache aus dem Profi-Werkzeug langfristig ein Aufsteiger-iPhoto für Hobbyfotografen und lässt den professionellen Anspruch fallen.

Was nun?

Frustriert habe ich vor Weihnachten wieder einmal ein Auge auf das aktuelle Angebot an in Frage kommenden Werkzeugen geworfen. Zunächst einmal natürlich wieder der Blick auf Lightroom. Allerdings brauchte ich nicht lange um sicher zu sein, dass damit für mich noch nicht einmal eine Vernunftehe möglich ist.

DxO Optics

Durch einen Tweet von Zoomyboy bin ich wieder auf DxO Optics Pro aufmerksam geworden. Und – wow! – was das Programm an Schärfe in ein Bild rein zaubern kann hat mich echt umgehauen. Weniger begeistern kann die Geschwindigkeit. Auf meinem Rechner waren die paar Tests mit der Software eine zähe Tortur. Mein MacBook ist nicht mehr das jüngste, aber wenn ich die Leistung mit Aperture vergleiche, dann erscheint das Apple-Programm plötzlich wie ein Ferrari.

Die Geschwindigkeit ist allerdings nicht alleinige KO-Kriterium für das Programm aus Frankreich. Darüber hinaus erscheint mir der Funktionsumfang recht überschaubar und vor allem die Individualisierbarkeit der Oberfläche zu begrenzt. Zum Beispiel habe ich keinen Dialog gefunden um Shortcuts zu individualisieren.

Wer jedoch ein Programm sucht, das Objektiv-Fehler und Verzerrungen kompetent aus Bildern heraus rechnen kann und rattenscharfe Ergebnisse erzielt, der sollte vielleicht zumindest als Zweitprogramm einen Blick auf DxO Optics werfen.

Bibble

Weiters habe ich mir auch Bibble wieder einmal angesehen. Auch hier spricht mich allerdings die Oberfläche nicht wirklich an und auch hier hatte ich den Eindruck, dass Anpassungen an individuelle Arbeitsweisen nur sehr eingeschränkt möglich sind.

Capture One Pro

Capture One Pro dürfte wohl so etwas wie der Mercedes unter den Raw-Entwicklern sein – zumindest was den Preis angeht. 300 Euro muss hinblättern, wer die Pro-Version kaufen möchte. DxO, Bibble und vor allem Aperture sind absolute Schnäppchen dagegen. Allerdings bekommt man für dieses Geld auch eine ganze Menge Professionalität.

Capture One stammt von Phase One. Phase One ist ein dänischer Hersteller von Mittelformat-Kamerasystemen und bietet soweit ich weiß die Kameras mit der höchsten Sensorauflösung an – aktuell bis zu 65 Megapixel. Capture One scheint der professionalität dieser High-End-Geräte nicht nach zu stehen.

Nach etwa drei Wochen der Arbeit mit Capture One Pro kann ich mich vor Begeisterung kaum halten. Ich hätte es nicht für möglich gehalten, dass eine um so vieles bessere Raw-Entwicklung möglich ist. Die Resultate heben sich um Welten von dem ab, was ich mit Aperture oder Adobe Camera Raw aus meinen Bildern raus hole.

Ebenso überzeugend wie die Resultate sind, ist auch die Performance mit der das Programm zur Sache geht. Man arbeitet quasi in Echtzeit. Wartezeiten im Arbeits-Workflow gibt es kaum. Lediglich beim Exportieren von Bildern oder während des Imports lässt man dem Programm besser seine Ruhe. Allerdings sind diese Vorgänge bedeutend schneller abgeschlossen, als ich es von Aperture kenne. Viele Aktionen, wie zum Beispiel das Kopieren und Einsetzen von Entwicklungseinstellungen geht auch über dutzende Bilder hinweg so schnell, dass man sich zunächst fragt, ob das Programm jetzt überhaupt etwas gemacht hat.

Dabei scheint Capture One äußerst Ressourcenschonend mit den Recheneinheiten meines Macs umzugehen. Während Aperture die Lüfter des Laptops immer wieder einmal zum Großeinsatz aufruft, kann ich mich nicht erinnern sie schon einmal wegen Capture One groß in Aufregung gehört zu haben.

Ein weiterer Punkt der mich aus den Socken haut, ist die Benutzerfreundlichkeit und Flexibilität der Oberfläche. Der Benutzer kann jedes Detail exakt so einrichten, wie er es haben möchte. Der Funktionsumfang ist immens. Trotzdem bleibt das Programm wie gesagt intuitiv sehr zugänglich und einfach zu bedienen. Ich habe mir etwa eine Stunde lang Schulungsvideos angeschaut und nach ganz kurzer Einarbeitungszeit fühlt sich das Programm an als würde ich seit Jahren damit arbeiten.

Doch nicht nur die Oberfläche lässt sich beliebig konfigurieren. Für beinahe jedes Detail lassen sich Shortcuts konfigurieren. Ich kann Belichtung, Kontrast, Helligkeit, Sättigung, Weißableich und Färbung über Tastatur steuern. Performance und Effizienz der Oberfläche geben der Sortierung und Ausarbeitung von Bildern eine mir bislang unbekannte Dynamik.

Der Umgang mit Farbmanagement ist ein Traum. Man richtet ein Ausgabeprofil ein, definiert das Farbprofil dafür und mit einem Klick hat man den entsprechenden Softproof am Bildschirm vor Augen. Automatisch passen sich Farbwerte an den Farbraum des Zielprofils an. Im Grunde ein Detail. Aber eines von vielen, dass das Arbeiten mit Capture One zum flüssigen Vergnügen macht. Mich ärgert nur, dass ich jetzt erst damit arbeite.

Was ich weiters an Capture One schätze ist, dass es nicht wie Lightroom und Aperture auf einer Datenbank basiert. Vielmehr greift man auf beliebige Verzeichnisse auf angeschlossenen Festplatten zu. Also eher so wie der Finder am Mac, der Explorer unter Windows oder Bridge. Dateileichen auf Grund von Fehlern in der Datenbank sind somit ausgeschlossen. Die Entwicklungseinstellungen werden schlicht als XML-Datei in einem Ordner im Verzeichnis der Bilder abgelegt. Clever, die Dänen!

Wo Licht ist, ist aber auch Schatten – das soll nicht verschwiegen werden. Lightroom-Benutzer können – im Gegensatz zu Aperture-Anwendern – Objektivfehler aus Bildern heraus rechnen lassen. Capture One Pro kann das zwar auch. Allerdings nur für ausgesuchte Objektive von Mittelformatkameras. Der Anwender kann zwar manuell Fehler wie Verzerrungen und Chromatische Aberation beseitigen, doch der Luxus, das auf Basis unter Laborbedingungen entwickelten Werten automatisch ausführen zu lassen fehlt.

Aperture hat tolle Retusche Werkzeuge. Capture One hat zwar auch ein Flecken-Entfernungswerkzeug, doch im Verhältnis zur Professionalität des restlichen Programms ist das doch von eher peinlicher Qualität und Funktionalität.

Capture One beherrscht auch selektive Bildbearbeitung mit Pinseln. Das Konzept diese Arbeiten über Ebenen zu verwalten ist eine für erfahrene Photoshoper gut nachvollziehbare und leicht zu verwaltende Idee. Doch das Pinselwerkzeug bietet wenig Einstellungsmöglichkeiten, der Radierer radiert gleich einmal alles aus und die Ebenen lassen sich nicht in Ihrer Deckkraft reduzieren, was einiges Potenzial zur kreativen Bildentwicklung mit sich bringen würde.

Was ich von Aperture vermisse ist ein Regler für Lebendigkeit (in Lightroom sollte das wohl Dynamik heißen). Außerdem fehlt mir auch ein Kanalmixer.

Trotz dieser Schönheitsfehler hat mich Capture One Pro bislang völlig überzeugt und ich glaube meine Begeisterung wurde im vorangegangen Text offensichtlich. Wer nicht zu 100% glücklich ist mit seinem Raw-Entwicklungswerkzeug, oder einfach einmal über den Tellerrand hinaus schauen möchte, dem kann ich nur empfehlen die Demoversion des Programms bei Phase One herunter zu laden und einmal auf Herz und Nieren zu testen. Vielleicht versteht ihr meine Begeisterung dann.

Der will-haben-Faktor für diese Kamera ist bei mir am oberen Anschlag. Ich bin schon gespannt auf erste Testberichte. Wenn die Kamera hält was sie verspricht und der Preis tatsächlich, wie meine erste Recherche ergeben hat, bei etwa 1300 Euro inklusive Normal-Objektiv liegen wird, dann ist das Teil so gut wie gekauft. Der Preis sollte für die Kamera bei etwa $1700 liegen, die Objektive sollen in einem Bereich von etwa $600 auf den Markt kommen.

Fuji Guys – Fujifilm X-Pro1 – Hands-on Preview (1/2) – YouTube.

Zwar sind im Moment nur drei Objektive angekündigt, aber diese scheinen dafür ebenso vom Feinsten zu sein. Alle drei sind Festbrennweiten. Eines davon, mit 35mm Brennweite und Lichtstärke ƒ1.4, ist bereits auf meiner Wunschliste gelandet. Positioniert Fuji den Preis des X-Pro 1 Bodys nicht zu hoch, wird diese Kamera mit höchster Wahrscheinlichkeit in meine Fototasche. Kann es kaum erwarten mehr zu erfahren und eine in die Hände zu nehmen.

Weitere Grüchte zur X-Pro 1 hier: Two new images of the Fuji X-Pro 1 camera | Photo Rumors.

Es gibt keine unbearbeiteten Digitalbilder!

Unbearbeitet wäre das Bild so, wie es der Bildsensor der Digitalkamera gesehen hat. Der sieht aber keine bunten Farben, sondern lediglich winzige Punkte (Pixel) in unterschiedlich hellen Nuancen von Rot, Grün und Blau. Das rohe Datenmaterial kann der Normalanwender normalerweise nicht betrachten. Selbst wenn er es könnte, wäre es wahrscheinlich so naturgetreu wie ein analoges Negativ.

Damit das Bild das Motiv einigermaßen so abbildet, wie es der Fotograf gesehen hat, muss das Rohmaterial des Sensors erst interpretiert werden, wobei die Kamerahersteller ein bisschen schummeln.

Ein Beispiel | Nehmen wir an, wir haben einen Bildsensor mit 1200 Pixel in der Breite à 800 Pixel in der Höhe. Das wären dann 960.000 Pixel – knapp ein Megapixel.

Auf dem Sensor sind ein Viertel davon (240.000) für rot empfindlich, ein Viertel für blau und die Hälfte (480.000) für grün. Keiner der Pixel sieht Mischfarben wie Orange, Violett oder Braun. Die Farben eines einzelnen Pixel des fertigen Bildes müssen jeweils aus zwei grünen, einem roten und einem blauen Sensorpixeln zusammen berechnet werden.

Genau genommen dürfte demnach ein Bildsensor mit 960.000 Pixeln nur 240.000 Pixel im fertigen Digitalbild ausspucken. Aber eine reale Kamera mit 960.000 Pixel spuckt im fertigen Bild auch 960.000 Pixel aus.

Durch Interpolation zu hoher Auflösung | Erreicht wird das durch sogenannte Interpolation. Das bedeutet, dass die Software der Kamera für jedes bunte Pixel (das sie aus zwei grünen, einem roten und einem blauen Sensorpixel berechnet), drei weitere Pixel dazu erfindet.

Was da in der Kamera abläuft ist tatsächlich etwas komplexer als hier beschreiben, aber es sollte reichen, das Grundkonzept zu verstehen. In der Praxis sollte es uns auch egal sein, solange das Resultat unseren Anspruch an Schärfe erfüllt. Wichtig ist nur: Was wir am Ende am Computer zu sehen bekommen, ist nicht das, was der Bildsensor gesehen hat, sondern das Resultat hoch komplizierter Berechnungen.

Der Trick mit der Pixelschieberei ist aber nicht das einzige was die Software der Kamera an einer Aufnahme baselt. Wenn ich im JPEG-Format fotografiere, dann wird das Programm Rauschen reduzieren, Kanten schärfen, Tonwerte korrigieren, Farbsättigung puschen, eventuell Schatten aufhellen und Lichter reduzieren, und was auch immer die Maketingabteilung des Kameraherstellers die technische Entwicklung vorgegeben hat.

Von unbearbeitet kann man bei Digitalbildern also nicht wirklich sprechen. Es mag zwar nicht durch den Fotografen bearbeitet worden sein; so lange der Fotograf die Kamera nur in die Hand nimmt und abdrückt, geschieht die Bildbearbeitung im engeren Sinn durch die Software des Apparats. Die Entwicklung basiert aber auf Richtlinien und Programmabläufen, die die Software-Ingenieure des Kameraherstellers definiert haben. Also ist es im weiteren Sinn der Ingenieur in Japan, der die meisten Bilder entwickelt hat, die viele Fotografen als unbearbeitet präsentieren.

Natürlich kann der Fotograf bei den meisten Kameras auch leicht in die Bildbearbeitung eingreifen. So bieten zum Beispiel viele Modelle die Möglichkeit die Intensität der Farben zu bestimmen, in dem man eine spezielle Einstellung für ‘Vivid’ bzw. ›Lebendig‹, für Hauttöne oder Sonnenuntergänge wählt. Je nach Einstellung wird die Software der Kamera das JPEG anders entwickeln. Das ist nichts anderes als Bildbearbeitung.

Auch Raw-Bildern werden entwickelt | Auch wer im Raw-Format fotografiert kommt um die Bearbeitung der Bilddaten nicht herum. Nur geschieht die Entwicklung nicht mehr wie beim JPEG in der Kamera, sondern im Raw-Converter – ob der nun iPhoto, Aperture, Lightroom, Adobe Camera Raw, Bible, LightZone, DXO Optics, Capture One, Nikon Capture oder wie auch immer heißt. Der Unterschied ist nur, dass jetzt der Ingenieur, der die Entwicklung bestimmt, nicht mehr unbedingt in Japan sitzen muss, sondern in den USA oder vielleicht auch in Deutschland.

Raw-Converter entwickeln Raw-Bildern nach vordefinierten Rezepten – nicht anders, als bei der Software die JPEGs in der Kamera entwickeln. Auch hier gehören wieder Beeinflussung der Farbsättigung, Gradation, Tonwertvereilung, Rauschunterdrückung, usw. zum Standard.

Was ein Raw-Converter ausspucken ist am Ende immer Resultat des Rezepts, das die Software-Programmierer als optimal erachtet haben, um in möglichst vielen Fällen Resultate zu erzielen, mit denen möglichst viele Anwender möglichst glücklich sind. Da es aber auch Geschmacksache ist, wie entwickelt ein Bild ein gut entwickeltes Bild ist, werden die gleichen Rohdaten in unterschiedlichen Raw-Convertern unterschiedliche Resultate liefern.

So habe ich in meiner Zeit beim Wechsel von Adobe Photoshop Lightroom zu Apple Aperture den Eindruck gewonnen, dass Aperture Grastöne in den Bildern einer Nikon D80 schöner entwickelt, während Lightroom in den Schatten von Hauttönen eindeutig schönere Töne erzeugt. Das muss aber noch nicht einmal heißen, dass dieses Verhalten bei Gras- und Hauttönen bei den beiden Programmen auch auf die Bilder anderer Kameras zutrifft. Schließlich brauchen die Programmierer von Lightroom, Aperture und Co für jede neue Kamera ein neues Entwicklungsrezept.

Unbearbeitete Bilder gibt es also nicht. Die Frage, die sich für den Fotografen stellt, ist lediglich: Wer soll die Fäden in Händen halten: Der Ingenieur in Japan, oder ich, der Fotograf? Will ich das Resultat bestimmen, oder eine Software-Routine?

Einst war ich ein erklärter Available-Light-Fan und stand Blitzen skeptisch gegenüber. Aber ich denke, das ist normal, wenn man von etwas keine Ahnung hat. Dann habe ich The Hot Shoe Diarys von Joe MacNally gelesen und habe begonnen mich für das Thema zu begeistern. Ich habe verstanden, dass Systemblitze ganz Anderes leisten können, wenn man sie von der Kamera entfernt.

Da Nikon ein hervorragendes Wireless Lighting System in ihren Kameras eingebaut hat und man damit die Systemblitze, die man im Raum oder im Freien verteilt aufgestellt hat, bequem über das Kameramenü einstellen kann, ohne jeden Blitz zu Fuß zu besuchen, macht die Arbeit damit besonders viel Spaß. Außerdem sind Systemblitze ja klein und leicht und man kann sie ganz bequem überall hin mitnehmen. Dabei steckt in dem System mittlerweile so viel Intelligenz und es lässt sich so einfach anwenden, dass man auch als Anfänger sehr rasch zu beeindruckenden Ergebnissen kommt.

Je mehr man von der Sache versteht und sich vorstellen kann, was da abläuft, desto mehr lassen sich die Ergebnisse natürlich bewusst kreativ gestalten. Und wenn am Schluss nicht nur zufällig und dank Elektronik tolle Ergebnisse herauskommen, sondern weil man ganz bewusst Akzente gesetzt und die Lichtsituation systematisch geformt hat, wächst der Spaß noch mehr.

Im Moment habe ich etwas freie Zeit gewonnen und nutze sie unter anderem dazu mein Wissen über entfesseltes Blitzen zu erweitern. Dabei bin ich auch auf das eBook »Nikon SB-900 Praxisguide« von Patrick Ludolph von neunzehn72.de gestoßen.

Für 7 Euro kann man das PDF bestellen und man erhält unmittelbar eine E-Mail mit einem Link um es herunter zu laden. Es ist sehr simpel gestaltet – eine Silbentrennung würde dem Blocksatz gut bekommen – macht aber was es soll: Es bietet einen guten Einblick in die Arbeit, nicht nur mit dem SB-900, sondern generell mit Systemblitzen und entfesselten Blitzen. Anders gesagt: Obwohl absolut auf Nikon und den SB-900 zugeschnitten, kann wohl jeder, der bei Blitzen noch zu den Ein- und Aufsteigern gehört, von dem kleinen PDF-Buch etwas lernen. Umso mehr natürlich, wenn man eine Nikon Kamera und Nikon Blitze hat, mit denen man das gleich ausprobieren kann.

Patrick schreibt sehr klar verständlich und bringt die Dinge gut auf den Punkt. Obwohl ich mich bereits etwas mit der Thematik befasst habe, hatte ich doch den einen und anderen Aha!-Effekt und konnte ein paar gute Tipps mitnehmen.

Hat sie gemacht. Dort hat ihr die freundliche Verkäuferin erzählt, dass man Porträts mit Blende ƒ8 oder kleinerer Blendenöffnung schießt. Häh? Schon mal was von freistellen gehört?

Wieso sie dann lichtstarke Objektive für viel Geld verkaufen, hat meine Freundin die Fachhändlerin gefragt. Ach, das brauche man bloß für Makros. Häh? Offenblende für Makros? Damit man auch ja kein Käferauge von vorne bis hinten scharf abbilden kann, oder was? Und außerdem reden wir hier nicht von Makro-Objektiven, sondern zum Beispiel vom Nikon 50mm ƒ1.4. Makro ist damit ziemlich Essig, liebe Fachfrau!

Und überhaupt: Über die optimale Blende zu sprechen, ohne Distanz und Brennweite zu berücksichtigen ist etwas abenteuerlich.

War die gute Freundin heute wieder samt Nikon D90 und 50mm 1.4 bei mir und wir haben getestet. Als Vergleichsmodelle hatte ich meine D700 und eine D5000 sowie verschiedene Objektive dabei. Am Ende ist der Eindruck entstanden, dass besagte Nikon D90 einen sauberen Backfokus aufweist.

Freundin fährt also wieder zum Händler. Diesmal wird nichts von wegen Blende ƒ8 und Makro-Märchen erzählt, sondern die Kamera wird gleich eingepackt und an Nikon gesendet. Dort macht sie jetzt also einmal mindestens zwei Wochen Urlaub. Die Kamera, nicht die Freundin. Am Ende gibt es kostenpflichtig ein Angebot was eine Reparatur kosten würde. Der Fachhändler selbst war so freundlich, ebenfalls kostenpflichtig, eine Leihkamera übers Wochenende (für einen geplanten Workshop) zur Verfügung zu stellen.

Wer braucht bei so einem Service eigentlich einen Fachhandel?

Nikons neues Kamera-System kommt unter anderem mit einer Funktion auf den Markt, die sich bewegter Schnappschuss nennt. Dabei wird zu einem Bild eine kurze Filmsequenz in Zeitlupe aufgenommen. Ansehen kann man sich das in einer Galerie auf der Seite von Nikon, schön kitschig aufgemacht mit noch viel kitschigerer Musik.

Im ersten Moment sieht das etwas nach nutzloser Spielerei aus. Aber dann muss ich an Harry Potter denken. Die bewegten Bilder in dessen magischem Wunderland haben absolut seinen Reiz. Und als nächstes fallen mir Videographien ein, wie Film ist Gefühl und Splittscreen, oder die Bilder von Jamie Beck und Kevin Burg oder dieses Fundstück hier.

Die Bewegung vermag den Bildern unheimliches Leben und Gefühl ein zu hauchen – ihnen eine ganz neue Dimension zu verleihen. So wie den Bildern bei Harry Potter. Auch ohne kitschige Musik.

Mir fehlt da nur mehr die Software, die in der Lage ist aus einem Schnappschuss einen Loop zu machen. Der in einem Foto ewig Haare wehen lässt. In der Zeit digitaler Bilderrahmen, Smartphones und von Tablett Computern scheint mir der Gedanke gar nicht so abwegig. Nikons bewegter Schnappschuss mag der erste Schritt auf einem neuen, spannenden Weg sein.

Diesmal habe ich meine Favoriten bei 500px durchforstet und Bilder von Kameras zusammengestellt, die mehr oder weniger deutlich unter 1000 Euro liegen. Dabei sind Aufsteiger-Kameras, wie die Nikon D90 und Canon 550D. Bilder von Kameras die sich bereits an Semi-Profis richten, wie die Nikon D7000 und Canon 60D etc. habe ich schon nicht mehr aufgenommen. Mit von der Partie sind absolute Einsteiger-DSLRs, die für deutlich unter 500 Euro zu haben sind. Sogar ein Bild einer Kompaktkamera aus dem Jahr 2004 mit 4 Megapixel ist dabei.

Wie viel Kamera braucht man also? Als Freizeit- und Hobby-Fotograf.

Mann wahrscheinlich viel. Wir lassen uns ja leicht verführen. Von Technik. Und wir verlieren den Glauben nicht, dass es doch auf die Größe ankommt. Aber, liebe weibliche Leser, ihr solltet euch nicht von der vermeintlichen technischen Kompetenz männlicher Kollegen beeinflussen lassen. Gute Fotografie lebt nach wie vor zu 45% von guten Ideen und Motiven und zu 45% von kreativer Bildgestaltung (nebenbei bemerkt: Ich habe ein Buch über »Kreativ fotografieren« geschrieben ) Die restlichen 10% ist vor allem für professionelle Auftragsfotografen wichtig, und für Leute, die vor allem an Technik und Pixel-Zählerei interessiert sind.

Bitte nicht falsch verstehen: Professionellere Kameras machen Spaß und eine gute Ausrüstung kann genauso Freude bereiten, wie luxuriöse Uhren, Kleider, Schuhe oder Autos. Aber man sollte nicht aus den Augen verlieren, dass billige Uhren die Zeit genauso anzeigen, preiswerte Kleider wärmen und billige Schuhen die Sohlen schützen und man keinen Bentley braucht, um von A nach B zu kommen.

Manch einer scheint Wünsche nach Kameras zu hegen, die gar kein Können mehr vom Fotografen verlangen. Kameras, die es erlauben die Schärfentiefe nachträglich am Computer zu bestimmen, und neueste Entwicklungen, die die ästhetische Qualität in Bildern erkennen und beeinflussen sollen, erscheinen als Heilsversprechen.

Wie langweilig! Wo bitte wäre denn der Spaß an der Fotografie, wenn es keine Herausforderung mehr wäre, tolle Bilder zu erstellen.

Aber einerlei: Ich glaube ohnehin nicht daran, dass sich in den nächsten Jahren viel tun wird. Ich glaube nicht, dass Kameras, die es erlauben die Schärfentiefe und den Schärfepunkt von Bildern im Nachhinein am Computer zu bestimmen, den Qualitätsanspruch ambitionierter Fotografen erfüllen werden.

Ich glaube auch nicht, dass ein Ästhetikprogramm die Qualität von Aufnahmen wesentlich verbessern kann. Jedenfalls nicht, so lange man das Programm in die Kamera einbaut. Man müsste es in das Hirn des Dilettanten integrieren, damit es funktioniert. Denn wenn der Licht nicht versteht, und bei unmöglicher Lichtsituation die Kamera auf ein Motiv hält, und sich nicht bewegt, um die Perspektive kreativ zu gestalten, kann sich die Kamera noch so viel Mühe geben – das Ergebnis wird dasselbe bleiben: Garbage in, Garbage out.

Die einzige Möglichkeit tolle Bilder aus den Händen von Leuten, die gar keine Ahnung von Fotografie haben, zu bekommen, wäre, wenn die Kamera einfach ein anderes Motiv ausgibt, als das, worauf der Fotograf zielt. Oder per Google eine Aufnahme aus dem Internet sucht, die dasselbe Motiv zeigt, aber von jemandem aufgenommen wurde, der das fotografische Handwerk versteht.

Das wäre doch noch ein Geschäftsmodell: Eine Kamera, die aus dem Internet tolle Aufnahmen von Motiven sucht und ausgibt, auf die man das Gerät gerade richtet. Und der Fotograf erhält ein paar Cent Tantiemen für jede Aufnahme die ein Tourist in Salzburg, Paris oder Florenz herunterlädt.

Aber ich schweife etwas zu weit ab.

Aber, werden ein paar (wohl männliche Leser) einwerfen: Es gibt ja diese Entwicklungen. Gerade kam eine Kamera auf den Markt, die es erlaubt Schärfepunkt und Schärfentiefe im Nachhinein zu bestimmen. Und Xerox arbeite an einem Programm, das in der Lage ist die ästhetische Qualität von Aufnahmen zu bestimmen. Adobe soll an einer Software arbeiten, die aus verwackelten Bildern gestochen scharfe macht.

Nun, ich habe in den letzten Jahren als Bildbearbeiter und Fotograf genug Heilsversprechen gesehen, die bei weitem nicht gehalten haben, was sie bei der Präsentation versprachen. So erfüllen zum Beispiel in Photoshop weder »Inhaltsbewahrendes Skalieren«, noch »Inhaltsensitives Löschen«, noch »Bereichsreperatur-Pinsel-«, »Reparatur-Pinsel-« und »Ausbessern-Werkzeug« die Anforderungen professioneller Bildbearbeitung. Nur wenn es mal schnell gehen muss und nicht so genau ist, sind die Ergebnisse in der Regel akzeptabel.

Und egal welche Software was für einen Algorithmus zum Entfernen und reduzieren von Rauschen verwendet – am Ende ist immer auch die Schärfe reduziert.

Meine Erfahrung mit diesen Technologien ist die: Sieht man das Ganze in einer Präsentation auf Leinwand oder YouTube, dann ist das »boah« und »wow« und »…«. Aber in der Praxis am heimischen Bildschirm in der tatsächliche-Pixel-Ansicht kommt man schnell wieder auf dem Boden der Wirklichkeit an.

Welcher ambitionierte Fotograf nutzt an seiner Kamera schon Smile-Detection? Manuelle Belichtungseinstellung funktioniert noch immer am sichersten, wenn es nicht gerade auf Zehntel-Sekunden ankommt. In vielen Situationen ist auch das manuelle Scharfstellen noch immer nicht durch Auto Fokus zu ersetzen. Und ich nehme an, dass mehr ambitionierte Fotografen die simple mittenbetonte Messung zur Ermittlung der Belichtung einsetzen, als die hochkomplexe Mehrfeldmessung.

Kreativität, Können und Erfahrung können durch Technik und Software nicht ersetzt werden. Weder durch die teuerste, noch durch die neueste. Zwar bringen viele Innovationen in manchen Situationen einen Hauch mehr Luxus und Effizienz in der Anwendung. Viel mehr steckt aber nicht dahinter.

© Nikon

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© Nikon

= 810mm Brennweite

Dazu ohne Spiegel, also erschütterungsfrei, auslösen und Filme in HD-Qualität aufnehmen. Und das alles bei extrem schneller Fokussier und Auslösegeschwindigkeit. Bekommt man da als Ornithologe und Wildtier-Fotograf keine feuchten Träume?

Oder:

© Nikon

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© Nikon

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© Nikon

=

Makro-Kamera-Objektivkombination mit 162mm (KB) Brennweite und durch den kleinen Bildsensor relativ hohe Schärfentiefe, was bei Makros durchaus als Vorteil zu betrachten ist.

SnapSeed from actualidad7 on Vimeo.

Wer gerne Bilder am iPad (oder iPhone) bearbeitet sollte unbedingt einen Blick auf die App Snappseed von Nik Software werfen. Das Programm kann man durchaus als ein bisschen revolutionär bezeichnen. Mit einen Preis von € 3,99 geht es darüber hinaus als absolut preiswert durch.

© Nikon

Wenn ich mir Reaktionen über Nikons neues Kamerasystem mit dem schlichten Namen 1 ansehe, dann scheinen die meisten Beobachter überrascht zu sein und die wenigsten davon positiv.

Nikons neues System baut auf einen Sensor, der mit 13,2×8,8mm deutlich kleiner ist, als das übliche Format für Amateur-Spiegelreflexkameras, 16×24mm (mit dem auch die Systemkameras von Sony und Samsung ausgestattet sind), und das im Profi-Bereich übliche Kleinbildformat (Vollformat), mit 24×36mm. Allerdings ist das Format auf der anderen Seite doch deutlich größer als die größten Bildsensoren, die derzeit in Kompaktkameras verbaut werden – ca. 7,3×5,7mm.

Nun ist natürlich ein kleinerer Sensor technisch und bildgestalterisch ein unbestreitbarer Nachteil. Zum einen verschlechtert sich das Rauschverhalten bei schwachem Umgebungslicht und entsprechend erhöhten ISO-Werten. Viel dramatischer wiegt aber, dass das Spiel mit geringer Schärfentiefe nur eingeschränkt möglich ist, was jedoch wertvoll wertvoll wäre um die Aufmerksamkeit auf ein bestimmtes Objekt zu lenken. Wer daran jedoch seine gesamte Kritik am Nikon 1 System aufhängt, denkt zu kurz.

Wer von einer Kamera einen großen Sensor erwartet, muss eine große Kamera in Kauf nehmen. Zwar hat das Nachteile beim Transport, aber ambitionierte Fotografen wissen, dass die Vorteile einer großen, griffigen und satt in der Hand liegenden Kamera für komfortables Fotografieren ohnehin unverzichtbar ist.

Klar ist es möglich Kameragehäuse heute auch mit größeren Sensoren sehr kompakt zu gestalten. Doch von der Größe des Sensors hängt auch die Größe des Objektivs ab und dessen Volumen lässt sich nicht so leicht schrumpfen. Was aber soll ein winziges Kameragehäuse bringen, wenn das Objektiv groß ist?

© Samsung

Das Ziel aktueller Systemkameras ist vor allem Geräte mit Wechselobjektiven im kleinen Volumen anbieten zu können. Wer eine Kamera mit einem großen Sensor, und dafür angemessene Objektiv nutzen will, ist mit den aktuellen Spiegelreflexmodellen besser bedient. Man muss auch nicht über Cabrios mosern, nur weil man die Vorteile von Kombis schätzt.

Nikons Entscheidung, das neue System mit einem verhältnismäßig kleinen Bildsensor auszustatten, ergibt durchaus einen vernünftigen Sinn, wenn man ein paar Jahre in die Zukunft denkt.

In den letzten Monaten sind immer mehr Kameras mit elektronischen Suchern auf den Markt gekommen. Die aktuellen Modelle haben gegenüber optischen Suchern noch Nachteile. Aber sie haben auch bereits Vorteile. Es wird wohl nur eine Frage der Zeit sein, bis die Nachteile durch technische Weiterentwicklung ausgemerzt werden können. Schon wird diskutiert, dass elektronische Sucher in nicht allzu ferner Zukunft die optischen Sucher verdrängen könnten. Das heißt also aus mit Spiegelreflex.

Eine Kamera mit elektronischem Sucher ohne Spiegel ist eine Systemkamera. Wenn also Nikon in einigen Jahren seine semiprofessionellen und professionellen Modelle nur mehr mit elektronischem Sucher ausstatten sollte, dann wäre jede Nikon eine Systemkamera. Das heißt die aktuellen Nikon DX- und FX-Spiegelreflexkameras würden sich linear und fließend zu DX- und FX-Spiegelreflexkameras entwickeln. Welchen Sinn würde es für Nikon (und den Anwender) dann machen, parallel ein zweites System zu fahren, mit den mittelgroßen DX- oder großen FX-Sensoren?

Vor diesem Blick in eine durchaus wahrscheinliche Zukunft beginnt das neue Nikon 1 System plötzlich einen klaren Sinn zu ergeben. Wer einen großen Sensor für seine Arbeit wünscht und braucht, wird weiterhin auf Nikon FX-Modelle setzen können und kann alle Objektive der letzten fünfzig Jahre nutzen. Wer mit etwas weniger auskommt, kann die DX-Reihe mit kleineren Bildsensoren und preiswerteren Objektiven nutzen, kann ebenso alle Objektive seit den 1950er Jahren ansetzen und auch die hochwertigen und teuren FX-Objektive verwenden.

Für jene, die vor allem eine kleine Kamera, zum komfortablen mitnehmen, suchen gibt es nun das neue CX-System der Nikon 1. Zwar kann der Fotograf auch hier mittels Adapter DX- und FX- und alle Objektive der letzen fünfzig Jahre nutzen, aber – he! – das ist eigentlich nur eine mögliche Option, nicht der wirkliche Zweck der Kamera. Der Zweck der Nikon 1 ist es vor allem klein zu sein und diesen Zweck erfüllt das neue System perfekt. So wie ein Cabrio seinen Zweck erfüllt. Wer Ladefläche mit Dach sucht, muss sich halt bei den Kombis umsehen.

© Panasonic

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Seit Juli habe ich nun die Panasonic Lumix G3 in Besitz und im Einsatz. Ich habe mich sogar getraut sie als alleine Kamera mit auf meine dreiwöchige Urlaubsreise mit dem Cabrio durch Österreich zu nehmen, was ich keinen Moment bereut habe. In sofern war die Kamera für mich ein guter Zuwachs, auch wenn ich im Weiteren einiges zu bekritteln habe.

Die G3 sieht auf Bildern größer aus als sie tatsächlich ist. Sie ist sogar sehr kompakt und gar nicht so viel größer als zum Beispiel oder die Nikon P7000. Um Unterschied zu diesen beiden Modellen hat man aber einen um ein vielfaches größeren Bildsensor, einen Sucher, der mehr als ein Placebo darstellt und die Möglichkeit Objektive zu wechseln. Für viele ist wohl letzteres ein Grund sich für die G3 zu entscheiden. Für mich gar nicht so unbedingt, obwohl es natürlich alles andere als ein Nachteil ist.

Trotz ihrer Kompaktheit ist die G3 überraschend schwer, was eine absolut positive Eigenschaft für eine Kamera ist, weil sie so gut und satt in der Hand liegt, sich gut stabilisieren lässt und sich darüber hinaus wertig anfühlt.

Nimmt man die G3 zur Hand macht sie einen sehr soliden Eindruck und man empfindet ein metalleneres Gehäuse, als man bei genauerer Analyse tatsächlich entdeckt. Einiges an der Kamera ist Plastik und nicht alles macht einen so soliden Eindruck. So frage ich mich zum Beispiel wie lange es wohl dauern wird, bis ich den Schalter zum Einschalten der Kamera wohl abbreche.

Die Knöpfe machen einen recht billigen Eindruck, sind zum Teil kaum zu ertasten und damit nur schwer blind anzuwenden, liegen schlecht positioniert oder zu dicht aufeinander und ich würde mir wünschen die Taste zum Starten der Video-Aufnahme und die iA-Taste (›intelligent Auto‹) per Menü mit anderen Funktionen versehen zu können. Sollte ja eigentlich für die Programmierer kein Problem darstellen. Diese beiden Tasten liegen günstiger und sind besser zu ertasten, als die beiden Fn-Tasten, die man frei mit Funktionen belegen kann.

Etwas fummelig ist auch das Einstellrad am Rücken und es macht auch einen etwas billigen Eindruck. In der Praxis lässt es sich aber relativ gut, wenn auch nicht perfekt, bedienen. Genial finde ich daran, dass man dieses Rad nicht nur Drehen, sondern auch Drücken kann, und so zwischen Blendeneinstellung und Belichtungskorrektur, im Belichtungsmodus Blendenvorwahl, und zwischen Blende und Zeit, im manuellen Modus, wählen kann. Auf diese Art lässt sich die G3 für mich so bedienen, wie meine Profi-Kamera Nikon D700 mit zwei Einstellrädern.

Gold wert ist natürlich das Klappdisplay. Besonders bei einer kompakten Kamera wüte ich nur ungern auf diese Option verzichten. Schließlich gehört der Blickwinkel als Teil der Bildperspektive, neben Schärfe, Belichtung und Komposition, zu den wichtigsten Gestaltungsparametern.

Lustig und interessant ist die Option die Kamera mit Touch zu steuern. Die Kamera hat nämlich ein berührungsempfindliches Display, wie man es von Handys her kennt, auch wenn es etwas weniger sensibel ist, an was man sich zuerst gewöhnen muss, was in der Praxis aber wohl auch gut ist. So kann man zum Beispiel die Kamera so einstellen, dass mit einem Fingertipp auf das Display auf diesen Punkt scharf gestellt und gleich ausgelöst wird. Ich könnte nicht behaupten, dass das die Art zu fotografieren revolutionieren würde. Es scheint mir nicht wirklich einen großen Vorteil zu klassischen Art zu fokussieren und auszulösen zu haben. Vielleicht in manchen Situationen, aber nicht generell. Um was es die Fotografie aber auf jeden Fall bereichert ist den Spaß, den es macht Bilder auf diese Art aufzunehmen. Es erweitert einfach die spielerischen Varianten die eine Kamera bietet. Und Spaß sollte immer etwas zentrales an der Fotografie sein.

Schön wäre, wenn die Kamera automatisch zwischen Display und Sucher wechseln würde, wenn man sich mit dem Auge dem Sucher nähert. Tatsächlich muss man vorher manuell umschalten.

Der Sucher selbst, mein erster elektronischer Sucher, erweist sich in der Praxis als sehr gut brauchbar. Er ist groß genug und natürlich auch hell genug, da ja ein Bildschirm im Sucher steckt und der immer mit Licht arbeitet. Jedenfalls so lange Licht vor dem Objektiv ist. Wenn es bereits relativ dunkel ist, dann sieht man durch diesen elektronischen Sucher nur mehr Schwarz. Bei einem analogen Sucher könnte man denselben in derselben Situationen noch problemlos nutzen.

Beim Funktionsumfang gibt es an der G3 kaum etwas zu bemängeln. Die Kamera bietet fast schon zu viel Einstellungen, was man individualisieren kann. Vielleicht wäre hier weniger fast ein bisschen mehr gewesen.

Mit dem mitgelieferten 14–42mm Objektiv hatte ich wenig keine Freude. Zwar werden ihm im Verhältnis zum Preis recht gute optische Eigenschaften nachgesagt, aber es fühlt sich an, als wäre es aus einem Kinderüberraschungsei geschlüpft. Und so billig sich das Plastik anfühlt, so billig hört es sich auch an, wenn die Plastikteile aneinander schaben, wenn man am Zoomring dreht. Das passt einfach nicht zum eher wertigen Eindruck, den das Gehäuse insgesamt doch macht. Hier fühlen sich zum Beispiel die neuen Nikon 1 Modelle und deren Objektive um Welten besser an.

Generell scheinen mir die aktuellen Evil Systemkameras (Elecrtonic Viewfinder, Interchangable Lens – Elektronischer Sucher und Wechselobjektiv) einen gravierenden Ansatzfehler zu haben. Der Sinn dieser Modelle ist ja vor allem auch, dass sie deutlich kleiner sein sollen, als Spiegelreflexkameras. Und so gut wie alle Modelle, von Sony, Olympus, Samsung oder eben auch Panasonic sind das auch – die meisten noch deutlich kleiner als die G3. Das soll den Vorteil haben, dass man die Kamera immer dabei haben kann. Auf die Kameras mag das ja zutreffen. Aber gilt das noch, wenn auch Objektive mit dabei sind?

© Sony

Das ist mit dem 14–42mm Objektiv zur G3 nicht anders. Auch wenn es grässlich leicht ist, so trägt es doch ordentlich vor der Kamera auf und macht aus der kompakten Systemkamera ein Gerät, das nicht mehr so kompakt in einer Tasche untergebracht werden kann.

Wer also eine G3 (oder eine andere Kamera von Panasonic oder Olympus) ins Auge fasst, sollte sich überlegen ob er deren Standardobjektiv tatsächlich im Set mit der Kamera kaufen soll, oder ob es nicht vernünftiger wäre das Kameragehäuse alleine zu kaufen und ein angemessenes Objektiv gesondert dazu. Wer auf Zoom nicht verzichten will, sollte sich einmal das innovative Panasonic Lumix G X Varia PZ 14–42mm ansehen.

© Panasonic

Dieses Objektiv kopiert im Grunde das Prinzip von Objektiven, wie sie in Kompaktkameras üblich sind und die sich komplett in das Kompaktkamera Gehäuse versenken lassen. Durch dieses Prinzip wird das Objektiv im Ruhezustand extrem flach und so wird das Konzept der kompakten Evil-Systemkameras erst richtig schlüssig. Zum Zooomen dient dann kein Ring mehr, sondern der Schalter, der am Objektiv zu sehen ist. Man zoomt also auch, wie bei einer Kompaktkamera.

Für meine G3 habe ich mich für ein Festbrennweiten-Objektiv entschieden und zwar für das H020E Pancake mit Lichtstärke ƒ1.7.

© Panasonic

Es fühlt sich an, wie sich ein Objektiv anfühlen soll und liefert eine ausgezeichnete Abbildungsqualität. Der Straßenpreis von ca. 350 Euro geht dafür absolut in Ordnung. Durch die hohe Lichtstärke lässt es sich richtig schön mit Schärfentiefe spielen und es ist möglich Motive vor dem Hintergrund freizustellen. Die Lichtstärke hilft auch dem Autofokus beim Scharfstellen.

Wie alle bisherigen Systemkameras ohne Sucher glänzt auch die G3 nicht unbedingt durch blitzartiges Fokussieren, wenn die Lichtverhältnisse nachlassen. Genau genommen ist an sehr trüben Tagen selbst mit dem Lichtstarken 1.7er Objektiv ein Scharfstellen auf bewegte Objekte kaum möglich. Mit einem weniger Lichtstarken Objektiv fällt der Kamera das Fokussieren natürlich noch schwerer.

Das Pancake 1.7 von Panasonic ist auf jeden Fall eine Empfehlung für alle, die mit einer Micro FourThirds Kamera fotografieren.

Von meinen Nikon-Objektiven bin es gewohnt praktisch immer eine Streulichtblende im Lieferumfang zu finden. Die wenigen Ausnahmen haben das Glas der Frontlinse so tief im Objektivgehäuse versenkt, dass man gut darauf verzichten kann.

Das Lumix Pancake kommt leider ohne Streulichtblende daher und Panasonich bietet auch keine an. Schade, denn ich schätze Streulichtblenden vor allem als Schutz für die Frontlinse. Besser als jeder UV-Filter und ohne dessen möglicherweise negativer Auswirkung auf die Abbildungsqualität.

Ich habe mir deshalb die Streulichtblende von Enjoyyourcamera bei Amazon besorgt. 17 gut investierte Euro, denn ohne wäre das Objektiv mittlerweile sicher über den Jordan. Während einer Wanderung stolperte ich mit der Kamera über einen Draht, den ein heimtückischer Bauer knapp über den Weg gespannt hatte und trotz meiner Bemühung den Fall so zu gestalten, dass ich mir die Knochen breche und nicht die Kamera sich das Gehäuse, fiel die G3 mit der Front nach unten auf den Schotterweg. Ohne die stabile Streulichtblende aus Aluminium wäre die vorstehende Frontlinse garantiert zu Bruch gegangen.

Ebenfalls von Enjoyyourcamera stammt die Handschlaufe, die ich mir zur Kamera besorgt habe. Für mich die komfortablere Möglichkeit eine kompakte Kamera mit mir herumzutragen, als eine Schlinge um den Hals. Die Kamera versehentlich fallen zu lassen, wird durch die Schlaufe unmöglich.

Bild: Amazon

Fazit | Die Lumix G3 ist eine Empfehlung für alle, die viel Fotografieren und eine kompakte Kamera mit sehr guter Abbildungsleistung, ordentlicher Verarbeitung, vernünftiger Objektiv-Auswahl und vielfältigen Einstelloptionen suchen. Es macht Spaß mit ihr zu fotografieren, doch sie krankt noch etwas an einer Schwäche, die spiegellose Systemkameras bisher hatten: Sie fokussiert deutlich langsamer als eine Spiegelreflexkamera. Diese Schwäche teilt sie mit Kompaktkameras, die die Schärfe in der Regel auf dieselbe Art ermitteln, wie Systemkameras. Doch die kreativen Möglichkeiten und die mögliche Bildqualität sind bei der G3 deutlich besser, als bei Kompaktkameras.

Ob Nikon mit seinen neuen Nikon 1 Kameras das Problem der langsameren Fokussierung bei spiegellosen Kameras gelöst hat, wird sich zeigen. Es wird ihr jedenfalls nachgesagt. Doch Nikon hat für das neue System kleinere Bildsensoren gewählt und hat damit Schwächen bei den Möglichkeiten die Schärfentiefe zu reduzieren. Hier haben FourThirds-Kamras Vorteile.

Man wird sehen, was die Zukunft bringt und es ist durchaus möglich, dass ich mittelfristig die G3 durch ein aktuelleres Modell ersetze. Bislang jedoch ist die G3 für mich die optimale immer-dabei-Kamera und ich sehe noch kein Modell auf den Markt, das meine Anforderungen und Wünsche besser erfüllen würde.

Lasst euch nicht kirre machen, liebe Leute! Wer mit einer Einsteiger-Spiegelreflexkamera keine guten Bilder herbringt, bei dem fehlt es einfach noch am fotografischen Know-how und der Erfahrung. Die Investition in eine teurere Kamera wird diese Lücke nicht füllen. Man bekommt dann mit dem professionelleren Modell in erster Linie mehr Funktionen mit denen man sich nicht auskennt.

Um das zu unterstreichen habe ich einmal meine Favoriten bei Flickr durchforstet und Bilder, die mit Kameras unter 1000 Euro aufgenommen wurden, herausgepickt. Auch Einsteigerkameras unter 500 Euro sind vertreten und sogar Handy-Aufnahmen sind dabei. Es wären noch deutlich mehr und auch bessere Bilder in dieser Klasse dabei gewesen. Aber manche verraten ihre Ausrüstung nicht und viele erlauben es einfach nicht, dass man ihre Bilder teilt.

Das Bild macht der Fotograf, nicht die Kamera. Gute Fotos basieren zu 45% auf guten Motiven, für die es kreative Ideen und erfahrene Augen braucht. 45% der Qualität bemerkenswerter Aufnahmen ist die gestalterische und technische Umsetzung, auf Basis von Kreativität, Wissen und Erfahrung des Fotografen. Vielleicht 10% macht die Qualität der fotografischen Ausrüstung aus.

Natürlich nutzen Profifotografen nur das beste Equipment, weil Ihre Kunden Top-Qualität bis in die letzten 10% hinein verlangen. Um mit der Konkurrenz mithalten zu können, kann sich der Berufsfotograf diesbezüglich keine Kompromisse leisten. Doch der erfahrende Profi holt aus jeder billig-Knippse beeindruckendere Bilder heraus, als der unerfahrene Laie aus einer High-end-Kamera.

Link zum Artikel »Einfache Kamera, tolle Bilder« in meinem Parallel-Blog.

Ein Blick ins Buch

Ein Jahr habe ich am Konzept für »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt«, und dem ›Vier Schritte zum Bild‹-Konzept dahinter, gearbeitet. Nun ist das Buch, das daraus entstanden ist, in den Druck gegangen. Ich hoffe, dass es noch vor Ende des Monats im Online und bei euch um die Ecke verfügbar sein wird.

Kurzbeschreibung

»Um Fotografie verständlich erklären zu können, habe ich mich als erstes gefragt: ›Was ist das Ziel von Fotografie? Bilden Brennweite, Blende, ISO oder Belichtungszeit die Ziellinie? Oder geht es nicht vielmehr darum mit Perspektive, Schärfe, Belichtung und Komposition ein kreatives Bild zu gestalten?‹«

Vor dem Hintergrund dieser vier gestalterischen Grundparameter – Perspektive, Schärfe, Belichtung und Komposition – erklärt dieses Buch, was Brennweite, Blende, Empfindlichkeit, ­Komposition und vieles mehr bedeutet und wie man die Einstellungen dafür praktisch nutzen kann, um Bilder kreativ zu gestalten.

Markus Wäger
»Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt«
Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011;
240 Seiten, in Farbe, Hardcover;
ISBN: 9783842373938;
Link zu Amazon
Link zu Books on Demand
Ladenpreis: 44,90 (D);
Auch als E-Book erhältlich: Amazon Kindle Edition
iTunes E-Book
Ladenpreis E-Book: 35,99 (D).

Demo-Kapitel: Perspektive

Für alle die neugierig sind, gibt es hier das Kapitel »Perspektive« zum testen, schmökern und lesen.

Download: »Kreativ Fotografieren«; Seite 38–79, Kapitel »Perspektive«, 6,9MB.

Ein Blick ins Buch

Fotografieren: Was und womit?

Fragt mich jemand »Was soll ich für eine Kamera kaufen?« kann ich nur antworten »Was willst du fotografieren?«

Im ersten Kapitel von »Kreativ fotografieren« befasse ich mich mit ein paar zentralen, fotografischen Genres um anschließend die wichtigsten Kameratypen samt wesentlichen Vorzügen und Nachteilen zu skizzieren.

Erster Schritt: Perspektive

Der erste Schritt zur kreativen Gestaltung von Fotografien führt über die Perspektive. In diesem Kapitel erkläre ich, welchen Einfluss Blickwinkel, Distanz und Brennweite auf die perspektivische Wirkung haben.

Zweiter Schritt: Schärfe

Der zweite zentrale Parameter um Bilder kreativ zu gestalten ist die Schärfe – vor allem die Schärfentiefe. Doch nicht nur diese wird in diesem Kapitel bleichtet, sondern Alles vom schärfsten Punkt, über Autofokus-Systeme bis hin zur Bewegungsunschärfe.

Dritter Schritt: Belichtung

Weniger Spielraum für gestalterische Kreativität, aber nicht minder wichtig als Schärfe und Perspektive: Die Belichtung. In diesem Kapitel beginne ich mit den Grundlagen, was Farbe, Sättigung, Helligkeit und Tonwertumfang ist, wie man das Zonensystem verstehen kann, weshalb Kameras immer von Durchschnittlichen Lichtsituationen ausgehen und wann der Fotograf die Kamera korrigieren muss. Ich beschreibe vor allem auch was das Histogramm ist und wie man es interpretieren muss um Belichtungskorrekturen durchzuführen.

Vierter Schritt: Komposition

Gestaltung ist ein riesiges Gebiet. Ich weiß das. Ich habe ein riesiges Buch darüber geschrieben. In diesem Kapitel halte ich mich kurz und und konzentriere mich auf grundlegende Anregungen, worauf man bei der Gestaltung und Komposition achten sollte. Hier geht es mehr um Sensibilisierung, als um das Vermitteln von Theorie und Techniken.

Entwicklung in der digitalen Dunkelkammer

Die Entwicklung digitaler Negative am Computer ist die Übersetzung der analogen Dunkelkammer ins digitale Zeitalter. In diesem Kaptiel beschreibe ich die Vorteile, die es hat, im Raw-Format zu fotografieren und was man mehr aus Bildern herausholen kann.

Inhaltsverzeichnis

1. Kreativ fotografieren : Der Weg zum Buch
2. Fotografieren : Was und womit?
• Vier Schritte zum Bild
• Der fünfte Schritt
• Kernelemente der Fotografie
• Welche Kamera ist die richtige?
• Fotografische Themenbereiche
• Kameratypen und -konzepte
3. Erster Schritt: Perspektive
• Fluchtpunkt und fliehende Linien
• Architektur und Perspektive
• Alles aus Augenhöhe fotografieren
• Brennweite
• Bildsensor, Kleinbildformat und Formatfaktor
• Brennweite, Fluchtpunkt und Bilddynamik
• Normalobjektiv
• Teleobjektiv
• Tele und Weitwinkel – die beiden Extreme
• Weitwinkel
4. Zweiter Schritt: Schärfe
• Autofokus, Fokussieren und Schärfepunkt
• Schärfentiefe
• Blende
• Blende und Schärfentiefe
• Blendenwerte und Blendenreihe
• Schärfentiefe kreativ gestalten
• Offenblende
• Fokussierung
• Fokussieren und neukomponieren
• Einzel- und kontinuierlicher Autofokus
• AF-Messfeldsteuerung
• Serienbild-Funktion
• AF über Sondertaste speichern
• Auslöse- oder Schärfepriorität
• Mit AF-Unterstützung manuell fokussieren
• Schärfentiefe ausreichend berechnen
• Einfrieren und Bewegungsunschärfe
• Bokeh
5. Dritter Schritt: Belichtung
• Was ist eine optimale Belichtung?
• Grundlegende Eigenschaften von Licht und Farbe
• Tonwert und Schwarzweiß
• Das Zonensystem
• Licht- und Blendenwert
• Das Histogramm
• Ohne Verwackeln fotografieren
• Belichtungszeit
• ISO-Empfindlichkeit des Bildsensors
• Bildrauschen
• Belichtungsmessung und Messmethoden
• Belichtungsmodi
• Bildkontrolle und Belichtungskorrektur
• Belichtungsmesswert speichern
• Bildstabilisierung
• Farbtemperatur und Weißabgleich
• Blitzen mit System
6. Vierter Schritt: Komposition
• Gestaltung ist wichtiger als Technik
• Eine Frage des Formats
• Drittel-Regel oder Goldener Schnitt
• Symmetrisch oder asymmetrisch?
• Inhalt und Rahmen in Beziehung
• Was soll weg und was darf dran bleiben?
• Vier Schritte zum Bild
7. Entwicklung in der digitalen Dunkelkammer
• Digitale Ausarbeitung: Ausgleich für mangelndes Können?
• Jpeg oder Raw?
• Software für die digitale Dunkelkammer
• Grundlagen der Bildbearbeitung

Unverhofft kommt oft. Noch am Freitag sah ich keine Kamera die meine Bedürfnisse an eine kompakte Kamera mit mittelgroßem Sensor (FourThirds oder APS-C) abdecken würden. Zwar zeigen die beiden angekündigten Modelle Pen E-P3 und E-PL3 von Olympus beide interessante Features, so das Klappdisplay der E-PL3 und das offensichtlich hervorragende Touchdisplay der E-P3. Leider heißt es entweder, oder. Außerdem kommen die Modelle frühestens im Herbst auf den Markt. Und ich hätte gerne für meine nächste Cabrio-Tour eine Alternative zur D700.

Was für eine zufällige Überraschung, als ich die G2 in einem Schaufenster sah. Die Kamera ist viel kleiner, als ich es von den Bildern her gedacht hätte. Tatsächlich kleiner als manche Bridge- oder Superzoom-Kamera. Sie liegt in Format und Gewicht im Bereich der Bereich der von mir ins Auge gefassten Fuji X100 und etwas über der kommenden Olympus E-P3. Die Begleiterscheinungen meiner ersten Begegnung mit der Kamera waren nicht so erfreulich (mehr dazu hier), aber die kurze Begegnung mit der Kamera hatte Neugier und Begeisterung geweckt. Also habe ich versucht über YouTube und DPreview herauszufinden, was im ›Fachgeschäft‹ an Beratung nicht angeboten wurde.

Alle Reviews und Berichte haben meinen Eindruck verdichtet, dass die Lumix G-Serie so ziemlich genau abdeckt, was ich mir für eine immer-dabei-Kamera vorstelle. Allerdings ist es jetzt am Ende nicht die G2, sondern die G3 geworden. Ich sollte im Laufe der Woche die Kamera geliefert bekommen und hoffe, dass ich die Zeit finde später meine Erfahrungen hier im Blog zu berichten.

G’scheiter Brocken, die Nikon D700; Bild: © Nikon GmbH

Kompaktkameras und das Schärfentiefe-Problem

Zuletzt hatte ich gehofft in der Powershot S95 beziehungsweise Powershot G12 die Antwort auf meine Bedürfnisse gefunden zu haben. Die zwei Kleinen von Canon sind klasse Kompaktkameras, deren Qualität kaum etwas zu bemängeln gibt, so lange man berücksichtigt, dass sie nur etwa die Hälfte einer Einsteiger-DSLR mit Objektiv kosten. Wäre da nicht der kleine Sensor!

Das Problem ist weniger das Rauschen, wie wohl Viele vermuten würden, sondern vielmehr der kaum vorhandene Spielraum bei der Schärfentiefe. Blendenvorwahl hin und manuelle Einstellung her. Wenn ich bei 50mm Brennweite, Blende ƒ2.8 und 6m Entfernung bereits eine Schärfentiefe von 1,5m habe, dann lässt sich damit kaum mehr etwas Freistellen oder kreativ mit der Schärfentiefe gestalten. Zum Vergleich: Die Nikon D700 hat mit denselben Einstellungen eine Schärfentiefe von 26cm. (Sollte das jetzt ein spanisches Dorf sein, dann verschafft vielleicht mein Artikel über Sensorformate uns Schärfentiefe mehr Klarheit.)

Was meine immer-dabei-Kamera können soll

Wonach ich konkret suche? Nach einer Kamera für unterwegs mit Eignung zur Street Photography. Das heißt: Klein, leicht, unauffällig und leise. Allerdings mit all den Einstellmöglichkeiten, die man von einer Profi-DSLR gewohnt ist. Bei meiner D700 heißt das zwei Einstellräder, um Blende und Zeit beim Fotografieren im manuellen Modus rasch justieren zu können. Außerdem schätze ich eine AF-On-Taste. Je mehr Einstellungen über Hardware-Knöpfe vorgenommen werden können, desto besser. Menügeführte Einstellungen scheinen mir immer ein Klotz am Bein zu sein.

Dann bin ich es gewöhnt mit meinen DSLRs über den Sucher zu fotografieren. Die Vorstellung, eine Kamera mit mehr oder weniger ausgestreckten Armen vor meinen Kopf zu halten, gefällt mir absolut nicht. Das hat vor allem damit zu tun, dass ich mir kaum eine Kamerahaltung vorstellen kann, bei der es schwieriger ist die Kamera ruhig zu halten. Wenn schon über Display fotografieren, dann ziehe ich es vor die Kamera vor meine Brust oder meinen Bauch zu halten, wie es mit einem Klappdisplay möglich ist. Überhaupt habe ich mit der Powershot G12 die Qualitäten eines Klappdisplays wieder sehr zu schätzen gelernt – es macht ungewöhnliche Perspektiven einfach einfacher.

Street Photography Enthusiasten werden jetzt anmerken, dass ich mir doch eine Leica M9 kaufen soll, wenn ich eine kompakte, professionelle Kamera mit großem Sensor und Sucher suche. Aber ehrlich: 5000 Euro für eine Zweitkamera will ich mir einfach leisten.

Kompakte mit großem Sensor und fixem Objektiv

Was am Markt bisher so gut wie nicht vorhanden ist, sind Kompaktkameras mit mit Sensoren in einem Format, wie sie in Spiegelreflexkameras verbaut werden. Zwei der wenigen Ausnahmen sind die Fuji X100 und die DP-Serie von Sigma. Leider sind die Geräte hier zu Lande schwer für Tests in die Finger zu bekommen. Ich muss aber auch gestehen, dass ich mich mit beiden Konzepten nicht so ganz anfreunden kann, auch die Geräte sicherlich hervorragenden Qualitäten haben.

	Fuji Finepix X100; Bild: © Fuji Deutschland
	Sigma DP2X; Bild: © Sigma Deutschland

Systemkameras

Interessant sind natürlich die sogenannten Systemkameras. Das sind Kameras, bei denen man die Objektive wechseln kann, die aber nicht über einen optischen Sucher verfügen, wie eine Spiegelreflexkamera. Solche Systeme werden heute im Wesentlichen von Olympus, Panasonic, Sony und Samsung angeboten.

Panasonics G-Modelle

Bei Panasonic findet man derzeit drei Modelle im besonders kompakten Micro FourThirds-Standard. Die G3 ist die Größte im Trio und erinnert im Design an eine SLR. Sie hat auch tatsächlich einen Sucher, der allerdings nicht optisch funktioniert, sondern über ein hochaufgelöstes, elektronisches Display im Inneren. Alternativ kann man allerdings auch über ein Klappdisplay fotografieren, das als Besonderheit Touch-Funktion bietet. Es kann also wie ein Smartphone mit dem Finger am Display bedient werden.

Ich kann mir durchaus vorstellen, dass sich eine Kamera über ein Touchdisplay trotz menügeführter Bedienung effizient einstellen lässt. Im Gegensatz zu Menüs, durch die man sich über Info-, Funktions-, Set-, Menü-, Kipp- und Drehtasten quälen muss. Leider ist die G3 nicht wirklich wesentlich kompakter als meine kleine DSLR.

Als Alternative bietet Panasonic die Lumix GF2 und die noch kleinere GF3 an. Allerdings haben beide weder einen Sucher, noch ein Klappdisplay und sind über ein paar Steuerungstasten menügeführt zu bedienen. Ohne Touch-Display!

Panasonic Lumix GF2; Bild: © Panasonic Deutschland

Was mit beim Stöbern im Angebot von Panasonic aufgefallen ist: Auf der Panasonic-Homepage merkt man, dass man bei einem Anbieter von Unterhaltungselektronik ist, der auch Kameras im Programm hat. Im Gegensatz zu den Websites von Olympus, Sigma und Nikon, wo man spürt, dass Kamerablut durch die Kabel fließt, fühlt man sich speziell bei Panasonic als Fotograf nicht ganz ernst genommen. So ist es mir zum Beispiel bei einem Objektiv nicht gelungen herauszufinden, was für eine Naheinstellgrenze es hat. Auch nicht nach Herunterladen des Datenblattes. Ähnliches empfindet man übrigens auch, wenn man Sony besucht. Auch hier ist Fotografie ein Thema von vielen.

Sonys NEX-System

Sony hat vor einiger Zeit mit der NEX-Reihe eigene Systemkameras auf den Markt gebracht und sehr erfolgreich eingeführt. Leider ist das Angebot an Objektiven für dieses System noch mehr als überschaubar. Die einzige für mich infrage kommende Brennweite stellt ein 16mm Objektiv (24mm KB) dar. Allerdings haut mich eine Lichtstärke von ƒ2.8 wirklich nicht aus den Socken.

Sony NEX 5; Bild: © Sony Europe Limited

Andererseits hat Sonys NEX den Vorteil mit einem Klappdisplay ausgestattet zu sein. Deshalb wollte ich ein solches Gerät schon einmal in die Hand nehmen, bevor ich es als für mich ungeeignet abhake. Allerdings haben meine Versuche die Kamera zu bedienen mein Vorurteil bestätigt, dass menügeführte Kamerabedienung für einen ambitionierten Fotografen keine Lösung ist.

Ich habe versucht der Kamera Einstellungen beizubringen, wie ich sie von einer DSLR her gewohnt bin. Leider bin ich kläglich gescheitert. Natürlich habe ich dazu kein Handbuch in die Hand genommen. Erschließt sich die Bedienung einer Kamera nicht von selbst, sollte man eher die Finger von ihr lassen. Jedenfalls, wenn man schon einige Kameras bedient hat. Als Einsteiger kommt man wohl nicht drumherum, einmal ein Handbuch zu lesen. Aber erfahrenden Fotografen sollte sich die Bedienung einer Kamera intuitiv erschließen. Es ist wie mit einem Auto: Es darf nicht so gestaltet sein, dass jemand der Autofahren kann, nicht damit fahren kann. Licht, Blinker, Scheibenwischer, Gas, Bremse, Warnblinker – alles muss sich an gewohnten Plätzen befinden und klar zu finden sein.

Dass ich eine Nikon bedienen kann ist klar. Schließlich fotografiere ich lange genug mit Nikon und ein Buch über eine Nikon zu schreiben hat auch geholfen. Doch auch mit den kompakten S95 und G12 von Canon bin ich sofort und ohne Blick ins Handbuch klargekommen. Die Menüführung der NEX5 hingegen hat sich mir nicht intuitiv erschlossen. Ich vermute einmal, dass Sony die NEX-Kameras dermaßen darauf getrimmt hat, Laien rasches Point-and-Shoot-Fotografieren zu ermöglichen, dass alles, was der erfahrene Fotograf sucht, aus dem Weg geräumt wurde. Diesen Eindruck hatte ich übrigens auch bei der Lumix GF2.

Samsungs NX100

So wie Panasonic, hat auch Samsung Systemkameras in SLR- und Kompaktkamera-Design im Programm. Die kompakte Variante heißt NX100 und ist mit durchaus interessanten Features ausgestattet, wie dem iFunction-Button. Man drückt eine Taste am Objektiv und kann dann verschiedene Einstellungen über einen Ring am Objektiv verändern. Das klingt sehr interessant und verlockend. Ob es sich in der Praxis bewährt ist natürlich eine andere Frage. Leider ist auch hier die Auswahl an Objektiven überschaubar und deren Lichtstärken hauen einen verwöhnten Nikon-Fotografen auch nicht um.

Olympus’ Pen-Modelle

Frischen Wind bringen nun die vor wenigen Tagen vorgestellten neuen Modelle der Olympus Pen-Serie. Die Olympus Pen-Reihe ist seit mehreren Jahren auf dem Markt. Die Pens lassen sich so bedienen, wie man es als routinierter Fotograf von einer Kamera erwartet. Bisher hat mich allerdings gestört, dass es weder eine Pen mit Sucher gab – außer einem teuren elektronischen Sucher zum Aufstecken, noch eine mit Klappdisplay.

Mit der Pen E-PL3 hat Olympus nun eine Kamera vorgestellt, die das bewährte FourThirds-System nutzt, eine Klappdisplay hat und insgesamt durchaus vielversprechend zu werden scheint.

Mir gefällt an der E-PL3 vor allem das schlichte und schicke Design, das auf Retro verzichtet und äußerst unauffällig daher kommen dürfte. Das Problem von NEX und NX100, ein zu knappes Objektiv-Angebot zu bieten, kann man dem FourThirds-Standard nicht nachsagen. Schließlich passen auch Panasonic-Objektive auf die Olympus FourThirds-Kameras und sogar Sigma bietet bereits Objektive mit FourThirds-Anschluss. Besonders interessant für Street Photography Ambitionierte: Das ebenfalls neu vorgestellte 12mm (24mm KB) ƒ2.0 mit manueller Fokussierung und Schärfentiefeskala.

Schade allerdings, dass die E-PL3 – anders als die E-P3 – keine zwei Einstellräder und auch kein TouchDisplay bietet. Da kommen mir wieder Bedenken bezüglich einer raschen und effizienten Bedienung. Allerdings kann ich es nicht erwarten die Geräte in die Hand zu bekommen und auszuprobieren, wie die Bedienung funktioniert und wie sie sich anfühlen.

Und was machen Nikon und Canon? Derzeit ist nichts von kompakten Systemkameras aus den Häusern der beiden Platzhirschen zu hören. Manche haben den Eindruck hier würden die Marktführer den Trend verschlafen. Ich kann mir allerdings auch vorstellen, dass sie ihre Konzepte einfach besonders gut durchdacht entwickeln um Lösungen auf den Markt zu bringen, wie man sie von ihnen erwartet und mit denen auch professionelle Fotografen zufrieden sind.

Vor einigen Jahren gab es diese Store Viewer, auf die man Fotos von SD- oder CF-Karten laden konnte. Ein sicheres Backup für unterwegs. Die besseren Geräte dieser Klasse waren mit Display ausgestattet, hatten 30GB und mehr und kamen soweit ich mich erinnere meist von Epson. Allerdings lagen die Teile meist jenseits von 500 Euro und ich konnte mich nie zu dieser Investition durchringen. Statt dessen habe ich mich als Notlösung mit meinem iPad rum geplagt. Über den langsamen iPod-Kamera-Connector von Apple dauerte die Übertragung zwar manchmal bis zu einer Stunde und anschließend mussten sowohl Kamera-Akku als auch iPod wieder geladen werden. Aber für ein bis zwei Mal Urlaub im Jahr war diese Notlösung für mich ausreichend.

Heute gibt es Storage Viewer mit 500GB und wohl auch darüber hinaus, allerdings sind dann nach wie vor etwa 500 Euro dafür fällig.

Ich habe mir in der Zwischenzeit ein iPad zugelegt. Das hat zwar nur 32GB in meiner Ausführung und für fleißige Fotografierer kann das schnell einmal eng werden. Allerdings bietet es ein großes, brillantes Display und erlaubt somit ein gutes, schnelles und sicheres vor- und aussortieren von Bildern auf Reisen.

Mit dem Camera-Connector-Kit für iPod von Apple geht das jetzt auch echt flux. Eine 4GB-Karte ist innert weniger Minuten auf das iPad übertragen und auch RAW-Dateien lassen sich dann auch gleich schon in Apples Fotoalbum-App ›Fotos‹ betrachten.

Was jetzt fehlt ist nur noch eine App, die mit Aperture zusammenspielt und das Etikettieren, Bewerten und Verschlagworten der Aufnahmen auf dem iPad erlaubt, noch bevor die Bilder auf den Computer übertragen werden. Von der Möglichkeit der Grundlegenden RAW-Bearbeitung auf dem iPad wollen wir anschließend sprechen.

Außerdem habe ich bereits vor einigen Tagen damit begonnen Bilder auf Flickr und hier im Blog zu posten, anhand derer ich beschreibe, wie das ›Vier Schritte zum Bild‹-Konzept angewendet wurde um zu den gezeigten Ergebnissen zu kommen.

Weiters werde ich Objektiv-, Ausrüstungs- und Anwendungstipps aus den beiden Büchern nach und nach im Blog publizieren. So haben dann alle, die sich dafür interessieren etwas davon und ich bringe vielleicht wieder etwas mehr Traffic ins Blog.

Die erste Frage, die ich mir stelle, bevor ich mich entscheide über Etwas zu schreiben, lautet: Interessiert mich das Thema?
Es muss mich fesseln und begeistern. Würde ich ein Produkt schön schreiben, das mich nicht überzeugt, dann wäre das nicht im Sinne des Lesers. Ebenso wenig würde ich dem Leser einen Dienst erweisen, indem ich ein Produkt zerpflücke, für das ich mich nicht erwärmen kann. In der Regel hat er das Produkt ja bereits gekauft, wenn er sich für eines meiner Bücher entscheidet.

Bei der Spiegelreflexkamera Nikon D7000 und den kompakten Schwestern Canon Powershot G12 und S95 fiel mir die Sache mit der Begeisterung nicht schwer. Ich fotografiere seit analoger Zeit mit Spiegelreflexkameras von Nikon und hatte bereits Kompakte von Canon.

Canon und Nikon? Kann man sich für beide begeistern?

Natürlich! Alle Hersteller kochen mit Wasser und weniger gute Geräte mag jeder Hersteller im Sortiment haben. Doch unterm Strich ist es am Ende mehr eine Frage des persönlichen Geschmacks, als dem Vorsprung eines bestimmten Herstellers, die für die Entscheidung für eine Marke oder die andere ausschlaggebend sein sollte. Fragt mich jemand, welche SLR ich kaufen würde: Eine Nikon. Ich habe mich bewusst dafür entschieden. Fragt mich einer im Moment, welche Kompakte ich nehmen würde: Canon G12 und S95 kann ich uneingeschränkt empfehlen. Aber: Das Beste ist immer zu einem Händler zu gehen, Geräte verschiedener Hersteller in die Hände zu nehmen und vor allem auf den Bauch zu hören. Mit welcher Kamera fühle ich mich wohl? Ich mit Nikon SLR und – als kompakte Alternative dazu – Canon S95. Ein Anderer ist bei Canon daheim, der Zweite bei Sony, der Dritte bei Pentax, Samsung, Olympus, Panasonic, Leica, … Das Bild zählt, nicht die Kamera!

Wie erkläre ich Fotografie?

Als ich im letzten Jahrtausend zu Fotografieren begann, wollte ich natürlich mehr über die Grundlagen der Fotografie wissen. Wie Viele begann meine fotografische Laufbahn mit einer Kompak­tkamera und Urlaubs- und Freizeitbildern. Als ich dann angefangen habe als Grafikdesigner zu arbeiten wuchs auch mein Interesse an der richtigen Fotografie. Meine ersten Erfahrungen mit Spiegelreflex konnte ich mit der analogen Minolta meines Vaters machen. Bald schon wollte ich aber eine eigene Kamera und bin bei Nikon gelandet – und geblieben.

Die erste eigenen Kamera war eine Nikon F-65 mit einem Tamron-Obektiv. Schon beim Kauf ließ ich mir im Fotogeschäft ein Buch über das Modell mit einpacken. Allerdings war ich von dem Werk enttäuscht, da es sich im Grunde genommen um eine etwas lockerer geschriebene Variante eines Kamerahandbuches handelte, die sich auf die Funktionen des Apparats beschränkte, und wenig Hinweise gab, wie man das konkret in der Praxis einsetzt. Dabei waren die Nikon-Handbücher schon damals recht gut. Im Wissen wie man mit der F-65 foto­grafiert hat es mich kaum weiter gebracht.

Also habe ich mich nach Büchern zu den allgemeinen Grund­lagen der Fotografie umgesehen. Unter anderem bin dich dabei dann auf ›Das große Buch der Fotografie – Schritt für Schritt zum gelungen Bild‹ von John Freeman gestoßen. Das Buch hat mir gut gefallen und die Basis für mein heutiges Wissen über Fotografie gebildet. Aber habe ich damit fotografieren gelernt? Nicht wirklich. Der allgemeine Charakter des Buches hat dazu geführt, dass alles mögliche beleuchtet wurde, was mit Fotografie in Zusammenhang steht – so auch Dinge wie Mittel- und Großformatkameras. Darüber, wie ich mit meiner Nikon F-65 gute Bilder mache, habe ich wenig konkretes erfahren.

Dann kam die digitale Fotografie und mit ihr eine Schwemme an Büchern über Fotografie. Das erste Buch, das mich wirklich einen entscheidenden Schritt weiter gebracht hat, war ›Das digitale Fotografie Buch‹ von Scott Kelby. Ich kann es noch immer uneingeschränkt jedem empfehlen, der mit Hilfe prägnanter, praxistauglicher Tipps in der Fotografie vorankommen will, wobei ich diese Empfehlung auf den ersten Band beschränke.

Doch abgesehen davon, dass ich bei Kelby viele nützliche Tricks erfuhr, könnte ich nicht sagen, dass ich damit wirklich fotografieren gelernt habe. Kelbys Konzept ein Fotobuch für die Praxis zu schreiben – nach dem Motto »Du willst das und das? Dann mach das so und so!« – ist großartig, bedingt aber auch, dass er bewusst auf theoretische Hintergründe verzichtet. Wer verstehen will weshalb Kelby das und das so und so macht, muss woanders recherchieren.

Ein sehr gutes Werk für diese Recherche ist ›Der große ­Humboldt Fotolehrgang‹ von Tom! Striewisch. Für dieses Buch gilt, was auch für Kelbys Buch gilt: Un­eingeschränkte Empfehlung! Striewisch versteht nicht nur die Materie, er versteht es auch sie so zu erklären, dass es auch ambitionierte Einsteiger gut verstehen (noch eine Gemeinsamkeit mit Kelby).

Aber hat es mir das Fotografieren beigebracht? Ich würde es mit Pink Floyd zum Ausdruck bringen: »It was another brick in the wall«.

Freemans Grundlagen, Kelbys Praxistipps, Striewisch’ theoretische Erläuterungen und meine eigenen Erfahrungen haben mir gemeinsam geholfen, mein Bild der Fotografie vollständig zu bekommen.

Der letzte Initialzünder in meinem Puzzle war ›Hot Shoe Diaries – groß inszenieren mit kleinen Blitzen‹ von Joe McNally. Auch er versteht es, die komplexen Themen der Fotografie einfach und prägnant auf den Punkt zu bringen. Dieses Buch hat meine ablehnende Haltung gegenüber Systemblitzen und Blitzen außerhalb des Studios eliminiert und mich zu einem Blitz-Fan gemacht.

Nachdem ich das Buch über Nikons Profikamera D700 geschrieben hatte und es von den Lesern mit viel Wohlwollen und lobendem Feedback angenommen wurde, kamen zunehmend Anfragen nach Fotografie-Schulungen auf mich zu. Um einen Workshop über die Grundlagen der Fotografie abhalten zu können – mit dem Ziel, dass die Teilnehmer Fotografie anschließend besser verstehen – habe ich mich hin gesetzt und mir überlegt, wie man Fotografie erklären müsste, dass es für Einsteiger und Amateure ein ganz­heitliches Bild ergibt.

Als Erstes habe ich mich an meinen eigenen Werdegang als Autodidakt erinnert. Aus dieser Erfahrung heraus habe ich die didaktischen Konzepte, die ich kennen gelernt hatte, über einmal zu vergessen versucht und mich gefragt: Wie lernt man als Einsteiger und Amateur Fotografie?

Normalerweise lernt man in Workshops und Lehrbüchern über Fotografie die theoretischen und technischen Grundlagen und was sie bewirken. In Praxisbüchern und -Workshops wird zwar sehr wohl vermittelt, wie man in bestimmten Situationen vorgehen sollte, doch die Grundlagen von Theorie und Praxis werden dabei vorausgesetzt.

Aber fotografiert man tatsächlich so? Fragt man sich tat­sächlich: Ich habe hier Blende 8 – was könnte ich damit fotografieren?

Nein! Man hat ein Motiv vor Augen und überlegt sich: Wie kann ich es am besten in Szene setzen? Aus welcher Perspektive und mit welchem Blickwinkel kommt es am besten zur Geltung. Brauche ich viel oder wenig Schärfentiefe? Wie ermittle ich die optimale Belichtung? Und ein oft vergessenes Thema: Wie ­komponiere ich die Aufteilung innerhalb des Bildausschnitts? Drittelregel und Goldener Schnitt sind nicht die Antwort auf alle Fragen.

Basierend auf diesen Überlegungen habe ich ein Konzept entwickelt, wo alle theoretischen und technischen Aspekte bei Umgang und Handling der Kamera vier Schritten zugeordnet werden und das ich in meiner ›Fotoschule OnLine‹ veröffentliche. Der Leser soll nicht nur wissen, was Blende und Brennweite bewirken, sondern auch weshalb er sie in welchen Situationen einsetzen kann. Dabei geht es mir nicht um ein akademisches Lehrkonzept für Profis, sondern darum dem Ein- und Aufsteiger fotografisches Wissen greifbar, bildlich, praxistauglich und unterhaltsam zu vermitteln. Der gelernte Fotograf mag mit meinen Werken wenig Freude haben, denn dazu gehe ich zu oft zu unorthodoxe Wege um Inhalte zu vermitteln. Aber ich hoffe, dass ambitionierte Amateure und Hobbyfotografen umso mehr davon profitieren.

Projekt abgeblasen

In den letzten Wochen habe ich auf Basis der beschriebenen Überlegungen ein Buch über die beiden Kompaktschwestern Canon Powershot G12 und S95 und eines über die Nikon D7000 geschrieben. Nun hat der Verlag die Veröffentlichung abgeblasen. Aber soll ich die beiden Werke wirklich im Papierkorb meines Computers beseitigen?

Ich würde es bedauern, würden die Beiden ungelesen in der Versenkung verschwinden. Davon bin ich zu sehr vom didaktischen Aufbau überzeugt und von der Art, wie das Buch die Inhalte vermittelt. Wer das Buch über die D700 gelesen hat, hat eine Vorstellung in welche Richtung es geht, allerdings glaube ich den Aufbau deutlich verbessert und das Thema durch das neue Konzept viel besser auf den Punkt gebracht zu haben.

Doch wie vertreibt man ein Buch ohne Verlag. Sicher, es gibt Print on Demand, mit dem man als Autor sein Buch selbst verlegen kann. Aber hat dieser Vertriebsweg wirklich Aussicht auf den geringsten Erfolg? Würde ich mehr als zehn, zwanzig oder hunder Bücher verkaufen können?

Bei meinen ersten Recherchen bin ich auf einen Preis von etwa 40 Euro für 200 Seiten Farbe gekommen. Das liegt zwar etwa in der Preisregion der Mitbewerber, aber dort bekommt man für das Geld etwa 400 Seiten, teilweise im sehr hochwertigen Offsetdruck und vor allem mit einem professionelle Lektorat. Ich bilde mir zwar ein schreiben zu können, aber Grammatik und Orthografie sind bei mir nicht unbedingt auf höchstem Niveau. Der Käufer und Leser würde für sein Geld also weniger Papier und mehr Schreibfehler bekommen. Würdet ihr eines der Bücher trotzdem kaufen?

Was jetzt?

Ich glaube, dass mir zwei tolle Bücher gelungen sind. Es sind keine Kamerabücher im herkömmlichen Sinn – das war mein Buch über die D700 auch schon nicht. Nicht die Technik und die Menüpunkte der Kameras stehen im Mittelpunkt, sondern die Frage wie man mit ihnen fotografiert. Wie muss ich die Technik einsetzen um bessere Bilder zu machen.

Nun soll das auf Halde gehen. Aber ich habe eigentlich keine Lust drei Monate und dreihundert Stunden Arbeit auf den Papierkorb meines Computers zu ziehen. Schon gar nicht, weil ich das Ergebnis gut gelungen finde. Also denke ich über alternative Publikationswege nach.

Print on Demand? Eine App? Oder ein eBook? Ich werde mich in den nächsten Tagen schlau machen. Für sachdienliche Hinweise und Tipps bin ich überaus dankbar.

Am liebsten würde ich die Bücher als Donation-Ware zur Verfügung stellen. Ich habe das früher schon gemacht. Ein Skript mit hundert Seiten zum Thema Typografie und ein Skript mit etwa 150 Seiten zu InDesign CS2 (gibt es hier noch immer zum Download). Wer wollte, konnte für die Unterlagen via Paypal etwas spenden. Die Unterlagen wurden Tausendfach geladen, aber hängen geblieben sind in mehreren Jahren kaum 100 Euro. Ernüchternd!

Mal sehen, was aus den Skripten zu D7000 und G12/S95 wird. Wäre schade, wenn die Dokumente auf meinem Rechner ungelesen vergammeln würden.

Bereits 2008 bin ich den Weg zu Aperture zurück gegangen und habe den Schritt nie bereut. Fast nie: Apple ließ seine Kunde lange auf Aperture 3 warten – wie immer ohne irgendwas zu verraten, wie der Stand der Dinge ist; ob es noch einmal eine weitere Version von Aperture gibt.

Ich habe immer behauptet, es sei reine Geschmacksache, ob man Aperture oder Lightroom nutzt. Naja, es ist natürlich auch eine Frage des Betriebssystems. Wer keinen Mac hat, kommt nicht in die Versuchung Aperture zu testen.

Schon lange habe ich den Eindruck, dass ich in Aperture schneller zu besseren Ergebnissen gekommen bin, als in Lightroom. Aber das mag subjektiv sein. Dachte ich.

Nachdem ich nun mehrere Wochen parallel in Aperture und Lightroom gearbeitet habe, muss mich meine Ansicht revidieren. Aperture ist objektiv das bessere Programm.

Es mag vieles geben, was Geschmacksache ist. Der Umgang von Lightroom 2 mit Farbräumen war nicht nachvollziehbar. Ich habe nie rausgefunden, wie ich den Softproof für den Bildschirm einstellen kann. In Aperture ist das ganz einfach und das Farbmanagement funktioniert ziemlich transparent. Aber das meiste vom Rest sind Details und Peanuts.

Was für mich aber kein Detail oder Peanut ist, ist das Handling unter- und überbelichteter Bereiche. Aperture kommt damit einfach mit Abstand besser zurecht, als Lightroom.

Dazu ein Beispiel:

Das Bild ist eine Gegenlichtaufnahme. Das Motiv gefiel mir. Der kleine Teich, das (riesige) Kreuz, die Spiegelung. Aber das Gegenlicht sorgte dafür, dass der Himmel über, die Landschaft unterbelichtet ausfiel. Vielleicht hätte ich etwas weiter unterbelichten sollen. Dann wäre der Himmel nicht so ausgebrochen. Aber vielleicht hätte das auch zu Problemen in den tiefen Bildbereichen geführt.

In Aperture ließ sich der Himmel so wieder herstellen:

In Camera Raw sieht das Ergebnis so aus:

Der Himmel ist völlig tot. Ohne massive, selektive Nachbearbeitung ginge hier gar nichts.

Soweit ich weiß, arbeitet Adobe Photoshop Lightroom mit der selben Entwicklungs-Engine, wie Adobe Camera Raw. Deshalb gehe ich davon aus, dass Lightroom keine besseren Ergebnisse liefern würde, als Camera Raw.

Natürlich sind das krasse Beispiele. Aber ich denke sie zeigen, dass Aperture im Bereich der Tiefen und Lichter einfach bessere Arbeit leistet, als die Software aus dem Hause Adobe.

Ich habe dieses Bild übrigens auch spontan mit Capture One getestet und das Resultat ist nicht wirklich überzeugender, als jense von Camera Raw. Natürlich gibt es noch viele andere Produkte auf dem Markt. Vielleicht hat Capture One Vorzüge, die ich beim kurzen, schnellen Test nicht mitbekommen habe. Aber wenn die Frage lautet: Aperture oder Lightroom? Dann weiß ich heute fix, was ich zu antworten habe (nach der Frage: Hast du einen Mac?)

Und das Beste daran: Apple Apterure gehört im Mitbewerberfeld mit 199 Euro zu den Schnäppchen.

Eine Speicherkarte mit der man Bilder kabellos auf den Computer übertragen kann? Gute Idee. Vielleicht kann ich mich dann dazu bewegen neue Fotos immer gleich in meine Bildersammlung zu übertragen. Dachte ich mir und bestellte das kleinste Modell bei Amazon.

Wie üblich prompt geliefert und gleich ausprobiert. Software installiert. Karte erkennt den Mac auch gleich. Mit einer Zusatzsoftware lassen sich Bilder, wenn auch indirekt, in Aperture importieren. Dass dabei drei Programme laufen müssen – Aperture, Eye-Fi und das Zusatzprogramm, das die Bilder nach Aperture importiert – ist etwas bitter. Es taucht die Frage auf ob da der Anschluss eines USB-Kartenlesers wirklich umständlicher ausfällt als drei Programme am Computer zu starten und nach dem Import nach Aperture die Bilder wieder im Eye-Fi-Ordner von der Festplatte zu löschen. Nettes Gimmik, aber gemischte Gefühle. Bisher.

Seltsam: Eye-Fi scheint JPEG-Bilder von der Speicherkarte zu übertragen, aber RAW-Bilder zu ignorieren. Kann das sein? Ich suche in der Hilfe und auf der Site des Eye-Fi-Herstellers, aber kein Hinweis, dass RAW nicht unterstützt wird. Kann es daran liegen, dass die RAW-Files meiner Canon S95 zu neu sind um von Eye-Fi erkannt zu werden?

Ich schreibe an den Kunden-Support von Eye-Fi und bekomme die Antwort, dass meine Karte RAW-Download nicht unterstütze und das Angebot die Eye-Fi Pro X2 Karte zu kaufen – um knappe, aber satte 130 Euro. Sie hat zwar 8GB Speicherplatz, aber – he! – um 130 Euro kaufen andere eine Kamera!

In einem Antwortmail an den Eye-Fi Support habe ich meinen Unmut darüber geäußert, wie ein Kunde auf die Idee kommen solle, dass die SD-Karte aus dem Hause Eye-Fi keinen Download von RAW-Dateien unterstütze. Darauf habe ich die etwas patzige Antwort bekommen, dass man Amazon nicht vorschreiben könne, was an Produktbeschreibung beim Online-Händler angegeben wird und auf der Eye-Fi-Website sei das klar angegeben.

Ich habe mir dann die Produktseite von Eye-Fi Connect X2 4GB+Wifi noch einmal angesehen und konnte keinen Hinweis entdecken, dass RAW nicht übertragen wird. Dabei glaube ich, dass ein so wichtiges Detail in großen, roten Lettern angegeben sein müsste. Ich glaube, damit ist doch wirklich nicht zu rechnen. Und wer ambitioniert fotografiert, verwendet RAW. Ich bin mit diesem Format also kein Exot.

Nun sind meine Gefühle nicht mehr gemischt, sondern klar: Die Karte habe ich an Amazon zurück geschickt und das Experiment Eye-Fi ist für mich damit beendet.

Die G12 hat für bedeutend mehr Rauschen im Blätterwald der Fachpresse gesorgt, als die kompakte S95. Natürlich! Stellt sie doch das Flaggschiff in Canons Kompaktkamera-Armada dar. Dabei unterscheiden sich die ungleichen Schwestern G12 und S95 in der Praxis geringer, als man es von der Form her vermuten würde.

Vergleicht man die beiden Kameras nach dem Datenblatt, dürften beide denselben Bildsensor mit 10 Megapixel beinhalten und denselben Verarbeitungsprozessor. Zumindest verarbeiten beide RAW schnell genug, dass praktisch keine Wartezeiten entstehen. Auch in der Bildqualität kann ich bisher keine Unterschiede erkennen.

Am kurzen Ende der Brennweite ist die S95 etwas lichtstärker, am langen Ende – also da, wo’s drauf an kommt – hat die G12 die Nase form. Darüber hinaus hat die G12 insgesamt die längere Brennweite; während die S95 bis 105mm reicht (umgerechnet auf Kleinbild), reicht die G12 bis 135mm. Letztere liefert also etwas mehr Potenzial zum Freistellen von Motiven.

Dank der längeren Brennweite der G12 sind mit 135mm Freisteller (Subjekt der Aufnahme scharf, Hintergrund unscharf) nicht allzu großer Objekte möglich, die mit den 105mm der S95 nicht möglich sind.

Generell will Freistellen mit einer Kamera mit kleinem Bildsensor – wie G12 und S95 – aber mit Vorbehalten betrachtet werden. Kann man kleine Objekte bei langer Brennweite und möglichst offener Blende zumindest noch ein bisschen freistellen, ist es schon bei Portraits praktisch zu vergessen. So lange die Sensoren bei Kompaktkameras so klein bleiben, wie sie bisher sind, werden sie nicht annähernd an die Freistellerqualitäten einer SLR heranreichen. Hatte ich von der Lichtstärke ƒ2.8 noch etwas zusätzliches Freistellungspotenzial erwartet, hat sich schon bei den ersten Bildern herausgestellt, dass diese Hoffnung etwas naiv war. Bei der kurzen Brennweite von 28mm bringt Blende ƒ2.8 nicht viel, und am langen Ende von 135mm ist dann ƒ4.5 auch nicht alle Welt.

Auch die generelle Möglichkeit die Bildwirkung von Aufnahmen großartig beeinflussen zu können, kann man sich weitgehend abschminken. Auf der langen Seite der Brennweite spielt sich der kreative Spielraum zwischen ƒ4.5 und ƒ8.0 ab. Bei der ohnehin schon extrem weiten Schärfentiefe der kleinen Sensoren kann man da eigentlich gar nicht mehr von kreativem Gestaltungsspielraum sprechen. Im Grunde ist der rasche Zugriff auf die Belichtungskorrektur bei G12 wie S95 bedeutsamer, als die Manipulation der Blende.

Dafür lassen sich über die manuelle Steuerung von Blende, Belichtung und Empfindlichkeit jedoch schon Aufnahmen umsetzen, hinter denen man zunächst wohl eher eine SLR vermuten würde, wie verwischtes, fließendes Wasser oder Mitzieher.

Mitzieher haben mir der G12 überraschend gut geklappt.

Auch ›fließend Wasser‹ ist für die G12 eigentlich keine Herausforderung.

Augenscheinlichster Unterschied zwischen den Kameras: während die S95, wie für Kompaktkameras üblich, mit einer überschaubaren Anzahl an Dreh- und Drückknöpfen ausgestattet ist, macht die G12 hier einen bedeutend üppigeren Eindruck. Was einen besonderen Reiz auf mich ausgeübt hat: Es gibt einen Hardware-Drehregler für Belichtungskorrektur, und einen für ISO-Werte. Ein Segen, in einer Zeit, in der Kompaktkameras vor allem dadurch ›glänzen‹, dass man sich zum Gros der Funktionen über Menüs hanteln muss. Für einen geübten Fotografen ist das eher hinderlich und verzögert den Einstellungsprozess.

Das wirkt sich in der Praxis auch tatsächlich wie erwartet aus: Das anpassen des ISO-Wertes geht an der G12 bedeutend flotter, als an der S95, wo man dazu ins Menü muss.

Unterm Strich ist es allerdings nicht so hinderlich, da man den ISO-Wert ohnehin nicht laufend ändert.

In der praktischen Anwendung hat die S95 die Nase fast etwas vorne – jedenfalls, wenn es um die Steuerung der Belichtung geht. Der wichtigste Modus für die Belichtungsautomatik stellt für mich – wie wohl für die meisten Fotografen – die Blendenvorwahl (Av) dar. An der S95 stelle ich das am Rad um das Objektiv ein, die G12 hat dazu (im Unterschied zur G11) ein Einstellungsrad unterhalb des Auslösers, wie man es von Spiegelreflexkameras kennt.

Nach dem Auslösen checke ich die Belichtung einer Aufnahme in der Regel anhand des Histogramms am Display. Zeigt das Histogramm eine Unter- oder Überbelichtung an, muss über die Belichtungskorrektur eingegriffen und neuerlich belichtet werden. Bei beiden Kameras geht das flott, allerdings bei der S95 etwas flotter, wenn man die Belichtungskorrektur auf dem hinteren Einstellungsrad liegen hat – der Blick bleibt bei der Veränderung der Einstellung am Display. Bei der G12 muss man umgreifen, um das obere Einstellrad bedienen zu können, und wird auch den Blick vom Display nehmen, um auf das Einstellrad schauen zu können. Allerdings ist das jetzt Erbsenzählerei – die G12 ist nicht wirklich umständlicher zu bedienen als die S95.

Professionelle Bildvorschau nach der Aufnahme: Histogramme sind wichtiger, als die Anzeige des Bildes selbst. Die G12 kann sogar für Rot, Grün und Blaukanäle separate Histogramme anzeigen.

Unterm Strich lassen sich beide Kameras intuitiv und effizient bedienen und behindern den Fotografen in keinem Moment in der Arbeit.

Professionelle Einstellmöglichkeiten: Programme für Zeit- und Blendenvorwahl und eine manuelle Belichtungseinstellung. Die Empfindlichkeit lässt sich per Wahlrad einstellen, die Belichtungskorrektur ebenso.

Sehen wir uns weitere Unterschiede von der G12 zur S95 an.

Die G12 hat einen Sucher, der mir – bevor ich die Kamera in der Hand hatte – sehr verlockend erschien. Aber als Nikon-SLR-Fotograf bin ich große und helle Sucher gewöhnt und habe den Sucher sofort wieder ad Akta gelegt. Ich kann damit nicht arbeiten.

Anders das Schwenkdisplay. Wenn es etwas gibt, was für mich ein bitterer Abstrich an der S95 ist, dann ist es das Fehlen eine Schwenkdisplays.

Für solche Perspektiven ist eine Leiter erforderlich – oder ein Schwenkdisplay.

Ein weiterer Unterschied: Auf der Oberseite der G12 wartet ein Blitzschuh auf einen externen Blitz. Wenn man – wie ich – versucht das Blitzen von einem Blitz, der fix mit der Kamera verbunden ist, nach Möglichkeit tunlichst zu vermeiden, dann kann einen diese Erweiterungsmöglichkeit kaum reizen. Für Unternehmen jedoch, die eine Kamera brauchen um beispielsweise auf Veranstaltungen Fotos machen zu können, und nicht gleich eine Spiegelreflex-Kamera nutzen wollen, stellt das aufsetzen eines zusätzlichen Blitzgeräts einen absoluten Vorteil dar. Erstens sitzt – auch beim direkten Blitzen – der Blitz weiter vom Objektiv entfernt. Zweitens haben externe Blitze mehr Power. Und drittens, lässt sich mit Aufsteckblitzen auch indirekt blitzen, was in der Regel zu deutlich besseren Aufnahmen führt, als wenn der Blitz direkt in Richtung Motiv feuert.

Deutliche Vorteile finden Makrofotografen in der G12 gegenüber der S95 – die G12 fokussiert noch auf einen Mindestabstand von 1cm, die S95 benötigt 5cm.

Mein Fazit | Die G12 ist eine tolle Kamera, die dem ambitionierten Fotografen alle Möglichkeiten bietet, die er auch von einer Spiegelreflexkamera erwarten würde, mit der Einschränkung, dass ein so kleiner Sensor mit den kreativen Möglichkeiten einer SLR mit mittlerem oder großem Sensor einfach nicht mithalten kann.

Als kompakter Begleiter und Zweitkamera zur SLR würde ich in jedem Fall die S95 vorziehen – die G12 ist doch schon relativ groß und alles andere als leicht. Wer jedoch unterhalb einer SLR nach einer Kompaktkamera mit einem Maximum an Möglichkeiten sucht, der sollte schon einen Blick auf die G12 werfen.

Weitere, überwiegend unbearbeitete Aufnahme-Beispiele der G12 habe ich in einer mobileMe-Galerie zusammengestellt.

Witzige Szene auf einem Marktplatz am Lago Maggiore. Wir wissen, dass sie nicht miteinander telefonieren (na ja, vermutlich jedenfalls), aber doch stellt unser Gehirn diese Verbindung her. Streetphotograpy ist für mich eines der spannendsten fotografischen Genres.

Das Problem an Spiegelreflexkameras mit langen Brennweiten ist daneben auch, dass lichtstarke Boliden – Kameras mit langen Rohren – den Eindruck eines Paparazzos vermitteln und sich viele Leute davon bedroht fühlen. Bei meinen Streifzügen durch Orte habe ich – mit einer D700 und einem langen 300mm-Objektiv vor Augen – immer wieder sehr skeptische – fast schon böse – Blicke von Leuten geerntet, in deren Richtung ich fokussierte. Ich kann das auch verstehen.

Bei mir entstand der Wunsch nach einer unauffälligeren Kamera für unterwegs. Nachdem ich das iPhone 4 bekommen hatte, war eine kleine Kamera für ›immer-dabei‹ eine Zeit lang gar kein Thema mehr. Für Schnappschüsse bietet das iPhone eine hervorragende Qualität. Aber natürlich reicht es nicht in die Qualität einer brauchbaren Kompaktkamera heran und bietet schon gar nicht deren Einstellungsmöglichkeit.

Als ich begann nach potenziellen Kameras für meine Ansprüche umzusehen, konnte ich vier potenzielle Kandidaten ausmachen:

• Eine Olympus Pen
• Eine Panasonic DMC-LX3 oder -LX5 (wer gibt eigentlich schicken Kameras so kryptische, unpersönliche Namen?)
• Und das ungleiche Geschwisterpaar G12 und S95.

Erfreulicherweise konnte ich »Point of Sale« dafür gewinnen über die G12/S95 ein Buch zu schreiben. Seit einigen Tage habe ich die Kameras nun da und bereits ausgiebig getestet. Dabei ist mir die S95 bisher mehr ans Herz gewachsen.

Ich würde es vielleicht anders sehen, wenn ich nicht in der Hauptsache mit Spiegelreflex fotografieren würde, sondern eine Kompaktkamera als Hauptkamera bräuchte. Vor allem das klapp- und schwenkbare Display der G12 hat Vorteile und erlaubt Perspektiven, die mit Kameras ohne Schwenkdisplay fast nicht möglich sind.

Aber als kleine Alternative zur Spiegelreflex-Ausrüstung hat für mich die S95 die Nase klar vorne. In der Bedienung schenken sich die beiden Kameras, trotz deutlich weniger Knöpfen und Reglern bei der S95, kaum etwas. Ich finde sogar, dass die Einstellungen von Blende und Belichtungskorrektur an der S95 leichter und flotter von der Hand geht.

Blickt man von oben auf die S95 findet der ambitionierte Fotograf alles, was sein Herz begehrt, und zwar in Form eines Drehschalters, der es erlaubt einen Programmmodus (P), eine Zeitvorwahl (Tv), eine Blendenvorwahl (Av) und einen komplett manuellen Modus (M) zu wählen. Was braucht man mehr?

Programmmodus, Zeitvorwahl, Blendenvorwahl und manueller Modus – alles, was der ambitionierte Fotograf von einer Kamera erwartet. Der gerippte Ring um das Objektiv lässt sich drehen und mit Funktionen belegen – im (meist genutzten) Modus Blendenvorwahl liegt bei mir darauf die Blendeneinstellung.

Der gerippte Ring um das Objektiv ist kein Designelement, sondern lässt sich drehen und mit Funktionen belegen. Über die Taste ›Ring Func.‹ auf der Kamera lässt sich diesem Ring für jeden Modus (P, Tv, Av, M) eine eigene Funktion zuweisen. Ich nutze die S95 vorwiegend in der Blendenvorwahl (Av) und habe auf den Ring die Blendeneinstellung gelegt.

Der Rücken der Kamera ist klar und übersichtlich gestaltet. Der Einstellring um die Taste ›Func. Set‹ lässt sich einerseits nach oben, rechts, unten und links kippen, wodurch man die Belichtungskorrektur aufrufen kann, den Blitz einstellen, den Selbstauslöser aktivieren und auf Makro (Blume) und manuellen Fokus (MF) umstellen kann. Auch hier also alle wichtigen Funktionen schnell und ohne klicken durch Menüs aufrufbar.

Der gerippte Ring außen um den Kippschalter herum kann, ebenso wie der Ring um das Objektiv an der Front, mit einer Funktion belegt werden. Ich habe darauf die Belichtungskorrektur gelegt. Die S95 lässt sich also bedienen wie eine Spiegelreflexkamera mit zwei Wahlrädern. So könnte man beispielsweise im manuellen Modus die Blende auf den vorderen und die Zeit auf den hinteren Ring legen. Das Bedienkonzept ist wirklich clever und wenn man so eine Arbeitsweise gewöhnt ist, kommt man damit sofort zurecht.

Der Ring um ›Func. Set‹ ist vielseitig und erschließt sich doch gleich einmal intuitiv. Canon hat bei der Bedienung hervorragende Arbeit geleistet.

Die Einstellungen sind im Grunde auf zwei Menüs aufgeteilt: Über ›Func. Set‹ erreicht der Fotograf die wichtigsten erweiterten Einstellmöglichkeit für das aufnehmen von Bildern, wie den Weißabgleich, die Auflösung, das Bildformat und so weiter. Über ›Menu‹ lassen sich die Grundeinstellungen der Kamera verändern, wobei man sogar ein eigenes Menü mit den wichtigsten Einstellungspunkten zusammenstellen kann – auf Knopfdruck landet man dann zuerst in diesem ›Custom Menu‹.

Die Taste ›S‹ Links oberhalb des Einstellungsrings lässt sich wieder mit einer eigenen Funktion belegen. Bei mir liegt darauf die Belichtungsspeicherung. Auch hier steht die kleine S95 also einer SLR nicht nach. Es mag echt zu begeistern, wie benutzerfreundlich Canon eine Unmenge an Anwendungsmöglichkeit an dieser kleinen, übersichtlichen Kamera anbieten.

Selbstverständlich bietet die S95 auch die Möglichkeit nach der Aufnahme ein Histogramm samt Überbelichtungswarnung anzeigen zu lassen, so dass man im Falle einer Überbelichtung eine Belichtungskorrektur vornehmen und noch einmal auslösen kann. Auch hier also auf Augenhöhe mit SLR.

Blickt man von vorne auf die S95, hat man ein ausgesprochen cooles, reduziert gestaltetes und unauffälliges Kameragehäuse vor sich. Schicker kann eine Kompakte wohl kaum sein. Dabei stimmt nicht nur die Form. Auch die Haptik ist vom Feinsten. Keine Spur von billigem Plastikfeeling, sondern ein solides Gehäuse, das weder zu schwer noch zu leicht wirkt. Design hat hier ganz offensichtlich nicht bei der Formgebung aufgehört. Sehr gut.

Die S95 ist nicht nur funktional gut ausgestattet, sondern auch ausgesprochen cool und ansprechend gestaltet.

Und die sonstigen Werte? Ein richtiges Weitwinkel war etwas, was lange Zeit bei kaum einer Kompakten zu finden war. Ich würde jedoch nie wieder eine Kamera kaufen, die keine kürzere Brennweite als 35mm erlaubt. 28mm ist keine besonders weite Brennweite, doch es genügt weite Landschaften einzufangen, in engen Räumen mehr als einen kleinen Ausschnitt ablichten zu können, und auch einmal etwas spektakulär mit der Perspektive zu spielen.

Lichtstärke 2.0 klingt beachtlicher, als es sich in der Praxis auswirkt. Bei reduziertem Umgebungslicht am langen Ende der Brennweite (Tele) – wo mehr Lichtstärke ja wichtiges ist, als im Weitwinkelbereich – ist man bei Lichtstärke 4.9 und das ist nicht mehr so berauschend. Und mit dem kleinen Sensor der Kamera lässt sich die große Offenblende auch nicht so zur Steuerung der Schärfentiefe nützen, wie man es von einer SLR mit mittlerem oder großem Sensor gewohnt ist. Anders gesagt: Kurze Schärfentiefe zum Freistellen portraitierter Personen oder von Objekte ist zu vergessen.

Freistellen von Objekten durch geringe Schärfentiefe ist nur für kleine Objekte auf kurze Distanz möglich. Die S95 teilt ihr Schicksal mit fast allen Kompaktkameras, dass sie aufgrund des kleinen Sensors als Portraitkamera praktisch ungeeignet ist. Wer mit einer Kompakten portraitieren will muss auf Apparate mit mittlerem oder Kleinbild-Sensor warten. Das kann aber noch dauern.

Was für mich im Übrigen Kompaktkameras endlich wieder attraktiv gemacht hat, ist, dass sie heute schnell genug und in der Lage sind RAW-Dateien aufzunehmen. Ich muss gestehen, dass ich nach Jahren reinen SLR-Fotografierens im RAW-Dateiformat zunächst etwas enttäuscht von den Resultaten der S95 war. Derzeit kann ich die RAW-Dateien noch nicht entwickeln, da weder Aperture, noch Adobe Camera Raw noch Adobes RAW-Converter das Dateiformat der neuen Kamera unterstützt. Ich fotografiere deshalb im Moment parallel in RAW ›und‹ JPEG. Die Spannung steigt, was ich aus den gemachten Aufnahmen später noch herauskitzeln werde können. Auf jeden Fall geht auch das parallele Fotografieren und Speichern von RAW+JPEG ohne nennenswerte Wartezeit von statten. Das hat bei Kommpaktkameras vor ein paar Jahren noch anders ausgesehen.

Die S95 ist eine sehr sympathische, schicke Kompaktkamera mit allen Einstellmöglichkeiten, die sich ein ambitionierter Fotograf von einer Kamera erwartet und dabei intuitiv und flott zu bedienen. Auch wenn ich noch kein abschließendes Resümee ziehen kann, weil mir noch die Möglichkeit der Entwicklung der RAW-Dateien fehlt, glaube ich doch, dass ich sie absolut empfehlen und jedem ans Herz legen kann, der eine kompakte Zweitkamera zur SLR sucht – auch wenn er, wie ich, sonst eher mit Nikon unterwegs ist.

Ansprechende Landschaftsaufnahmen sind auch mit Kompaktkameras möglich.

Weitere Bilder aus der S95 habe ich (weitgehend unbearbeitet) in einer mobileMe-Gallerie online gestellt.

Im Moment überlege ich mir noch Themen für diese Artikel-Serie. Wenn ihr diesbezüglich Themen und Fragen diesbezüglich habt, dann lasst mir doch eure Anliegen und Fragen als Kommentar, oder via Mail an blog09@markuswaeger.com zukommen. Wenn ihr dazu auch gleich noch Bildmaterial habt, wo ihr vor diesen Problemen steht – umso besser.

Street Photography: Documenting the Human Condition – Part One of Three from Chris Weeks on Vimeo.

Tolle Dokumentation die irre Lust auf Street Photography macht. Leider bin ich zu schüchtern, um Leute auf der Straße anzuquatschen und Sie um eine Aufnahme zu bitten. Und aus dem Hintergrund zu schießen, ohne zu fragen, ohne um Erlaubnis zu bitten – da habe ich Skrupel. Ich empfinde es, als würde ich den Abgelichteten damit einen Teil ihrer Privatsphäre und damit ihrer Seele stehlen. Und hier ist auch nicht New York, wo die Leute dem fotografiert werden gegenüber gleichgültig bleiben.

Teil 2

Street Photography: Documenting the Human Condition – Part Two of Three from Chris Weeks on Vimeo.

Teil 3

Street Photography: Documenting the Human Condition – Part Three of Three from Chris Weeks on Vimeo.

Vor einiger Zeit (zwei, oder drei Wochen, oder gar vier?) habe mir zwei freundliche Herren von einem Lieferservice ein längliches Paket gebracht. Pakete? Das hat für mich immer etwas wie Weihnachten. Also das Ding gleich einmal aufgerissen und schauen was drin ist.

Herausgekommen ist ein Print des Bildes oben, circa 75 oder 80 Zentimeter im Quadrat. Ich habe es vor ein paar Monaten bei Flickr gepostet.

Und wie komme ich dazu? Clevere Marketer bei clickandprint.de haben sich wohl einige etwas bekanntere Blogger herausgesucht, die auch auf Flickr vertreten sind und mit Gestaltung und Fotografie zu tun haben, ein nettes Bild aus dem Fotostream gefischt, das Foto geprintet und mit einem Schreiben versehen versendet.

Hey, zunächst einmal gratulation für die tolle Marketing-Idee! Hättet ihr mir einen Gutscheind zugeschickt, der das fünffache des Prints wert gewesen wäre, ich hätte ihn prompt im Mülleimer versenkt, weil ich Werbesendungen eigentlich nicht mag. Aber das Poster hat mich echt gefreut.

Die Qualität der Prints scheint abolut in Ordnung zu sein und bestätigt mich einmal mehr, dass man keine 300ppi für ein Poster braucht – hier waren es mit Sicherheit deutlich weniger als 72ppi.

Checken könnt ihr das Angebot von clickandprint bei clickandprint.de.

The Sandpit from Sam O’Hare on Vimeo.

Das Video hier wurde mit einem so genannten Tilt-Shift-Objektiv aufgenommen. Bei diesen Objektiven lässt sich der Winkel der Linsen kippen und verschieben, wodurch sich eine sehr ungewohnte Optik erzeugen lässt. Die Welt in diesem Video ist keine Spielzeug-Miniaturwelt, sondern unsere reale, auch wenn es aussieht, als spielten sich alle Szenen in einer winzig kleinen Modellwelt ab. Der Eindruck entsteht dadurch, dass nur ein kurzer Bereich der Szenen scharf ist, während sowohl der Hintergrund alsbald in Unschärfe verläuft, wie auch der Vordergrund. Unsere Wahrnehmung hat gelernt, dass das typisch für Aufnahmen kleiner Objekte ist, Landschaften hingegen lassen sich mit normalen Objektiven so nie aufnehmen, nur eben mit diesen speziellen Objektiven. Da wir kurze Schärfentiefe nur von Miniaturen her kennen, interpretiert unser Gehirn Aufnahmen mit solcher grundsätzlich als Miniatur.

Quelle | http://designcove.blogspot.com

Schwarz, bitte. Nichts anderes. Also fast nur Schwarz. Finde ich einmal mehr sehr ansprechend, diese Aufnahme von Dustin Diaz. Ich gehe mal davon aus, dass auch sie mit entfesselten Blitzen entstanden ist. Diesmal zeigt der Fotograf aber keine Aufnahme des Lichtsettings.

Was mir gefallen hätte, wäre ein bisschen Licht, das die Form der Kanne »formt«.

Day Two Hundred Eighty Two, ursprünglich hochgeladen von Dustin Diaz

© Jeannette Oerlemans

Quelle: http://1x.com

© deskounlmtd

Quelle: http://1x.com

Tolle Afrika-Tierbilder von beindruckender Nähe bei mymodernmet.

© Nick Brandt

Quelle: http://www.mymodernmet.com

© Iain Crawford

Quelle: http://www.fubiz.net

© Gary McParland

Quelle: http://1x.com

© Jens Herrndorff

Quelle: http://designyoutrust.com

© Shlomi Nissim

Quelle: http://1x.com

Wie gemalt.

© latoday

Quelle: http://1x.com

Raw ist kein offenes Standardformat (wie Tiff für Bilder, oder TXT und RTF für Text) und auch kein Format eines Herstellers, das sich zum Quasi-Standard entwickelt hat und von den meisten Programmen in ihrer Programmklasse unterstützt wird (wie PSD für Photoshop-Bilder und DOC für Word-Dokumente).

Raw besagt zunächst einmal, dass eine entsprechende Bild­datei die Daten roh und unbearbeitet so beinhaltet, wie sie vom Sensor aufgenommen wurden, ohne jegliche Bearbeitung, wie sie im Falle eines JPEG-Bildes immer vorgenommen wird. Ein solches Rohbild können Sie nicht ansehen, zumindest kennen wir kein Programm, das das erlauben würde. Es hätte auch keinen Sinn, das, was der Sensor aufgenommen hat, zu betrachten. Der Sensor sieht nur jeweils zwei Pixel grün, ein Pixel rot und ein Pixel blau im Quadrat und das Millionenfach über die Sensorfläche verteilt. Aus diesen Roh­informationen muss immer erst ein Bild in der entsprechenden Auflösung und der entsprechenden Farb- wie Tonwertverteilung berechnet werden. Es ist im Grunde genommen wie mit einem Fotonegativ-Film: Der Film muss erst entwickelt werden, damit wir ein weitgehend natürliches Bild betrachten können.

Was bei JPEG durch die Kamera vorgenommen wird, ist bei Raw die Aufgabe des Raw-Konverters. Ein solcher Raw-Konverter ist Teil Ihrer Software, mit der Sie die Raw-Bilder bearbeiten möchten. Bei Photoshop ist das Adobe Camera Raw. In Nikon ViewNX, Capture NX2, Lightroom, Aperture usw. ist ein solcher Konverter integriert. Er liest die Rohdaten ein und entwickelt sie zu etwas, was am Bildschirm dargestellt wird, bei Lightroom und Aperture sind das jeweils Vorschau-JPEGs, die in der Programmdatenbank gesichert werden. Diese Vorschau-JPEGs sind auch ein großer Vorteil dieser Programme: Die Bildschirmansicht muss nicht bei jedem Ansehen neu aus den Originaldaten gerechnet werden, sondern liegt schon fertig in der Datenbank. Das macht solche Programme flott.

Man könnte einen solchen Raw-Konverter auch als Raw-Interpreter bezeichnen, denn im Grunde ist es immer eine Inter­pretation des Rohmaterials, das der Raw-Konverter entwickelt. Irgendwo, in den Programmierstuben von Nikon, Canon, Olympus, Adobe und Apple sitzen Programmierer, die definieren, wie die neuesten Raw-Formate der Kamerahersteller beim ersten Öffnen in Capture, Lightroom oder Aperture entwickelt werden sollen. Jedes dieser Entwicklerteams wird etwas andere Vorgaben und Vorlieben haben, wie eine gut ent­wickelte Raw-Datei auszusehen hat. Dementsprechend wird die­selbe Raw-Datei in verschiedenen Raw-Programmen anders aussehen.

Beim JPEG, das ja von der Kamera fertig entwickelt auf den Computer kommt, darf das nicht der Fall sein. Ein JPEG-Bild, das mit identischen Farbmanagement-Einstellungen in verschiedenen Programmen betrachtet wird, muss auch identisch dargestellt werden. Das Raw wird jedoch eben erst vom Konverter entwickelt und deshalb wird es auch in jedem Programm zur Raw-Entwicklung anders aus­sehen.

Die Erstentwicklung, die ein Programm wie Lightroom, ­Aperture oder Capture NX2 erstellt, mag ein erster Eindruck sein, der einem ein solches Programm sympathisch oder unsympathisch machen kann. So wie der eine auf Analogfilm von Kodak ge­schworen haben mag, während der andere einen bestimmten Fujifilm vorzog, so kann der Eine vielleicht eher von der Erstentwicklung bei Capture angetan sein, der Zweite mag lieber das Erstergebnis bei Lightroom und der Dritte schwört auf Aperture. Ausschlag­gebend für die Entscheidung für oder gegen eines dieser ­Programme sollte jedoch nicht die Erstentwicklung sein, sondern die Effizienz mit der man die eigentliche Individual­entwicklung vorantreiben kann. Schließlich bieten diese Programme die Möglichkeit, bestimmte Einstellungen auf Massen von Bildern anzuwenden, in Lightroom geht das sogar schon ganz einfach beim Importieren – somit entscheiden Sie, wie diese Basis­entwicklung aussehen soll, und nicht mehr der Programmierer in Tokyo oder Kalifornien.

Wie zuvor beschrieben, ist Raw kein eigentliches Dateiformat, bei dem Kamera- und Programmhersteller gefordert sind, gewisse Standards einzuhalten, damit unterschiedliche Applikationen in der Lage sind, eine Datei zu öffnen, so wie es bei JPEG und Tiff der Fall ist. Vielmehr ist Raw ein Überbegriff für alle Dateiformate, in denen das Rohmaterial des Sensors einer Kamera unverarbeitet ge­speichert ist. Jeder Hersteller kocht dabei sein eigenes Raw-Süppchen. Neben dem Nikon-NEF gibt es CRW und CR2 bei Canon und ORF bei Olympus. Diese Dateiformate sind untereinander in­kompatibel. Es ist sogar so, dass die Kamerahersteller die Informationen über Funktionsweise und Aufbau solcher Datei­formate geheim halten, um es den Mitbewerbern nicht zu einfach zu machen, für ihre eigene Software zum Umgang mit Raw-Dateien (bei Nikon Capture NX2) Alternativprodukte zu schreiben.

Das Spiel geht sogar soweit, dass die Kamerahersteller mit jeder neuen Kamera ein neues eigenes Raw-Format heraus­bringen, das auch von Software aus dem eigenen Haus erst nach einem Update gelesen werden kann. So haben wir unsere D700 bereits ein paar Tage, bevor Sie auf dem Markt erhältlich war, testen können. Bis wir allerdings die Aufnahmen in unseren Programmen zur Raw-Entwicklung – Lightroom und Aperture – betrachten konnten, vergingen Monate. In dieser Zeit war Nikon Capture NX2 die einzige Möglichkeit für uns, die Raw-Dateien zu entwickeln.

Allerdings unterstellen wir nicht, dass diese permanente Veränderung aus reiner Boshaftigkeit heraus geschieht. Etwas Marketing-Kalkül wird schon mit dabei sein, doch eine Vorwärtsentwicklung bedingt eine Veränderung – auch bei Dateiformaten. Wenn die Technik neue Möglichkeiten eröffnet, die es zuvor nicht gab, dann wird sich daraus wohl zwangsläufig ergeben, dass diese neuen Funktionen zu veränderten Dateiformaten führen und somit nicht mehr rückwärtskompatibel sind, sondern eine Anpassung der Konvertierungssoftware erfordern.

Das alles mag jetzt schrecklich kompliziert klingen und schwer zu handhaben, doch in der Praxis gehen Sie mit einer Raw-Datei nicht anders um, als mit einem JPEG – Sie haben nur mehr ­Möglichkeiten mit ihr. Das Hereinladen der Raws funktioniert so einfach, wie bei JPEGs. Kamera an den Computer anschließen, Programm starten, meist wird bei angeschlossener Kamera automatisch der Import-Dialog geöffnet, Sie wählen die Bilder aus, die Sie auf Ihren Rechner übertragen möchten und klicken dann auf ­Importieren. Der Import läuft und parallel werden die Bilder auch gleich vom Konverter interpretiert. Schon nach Sekunden können Sie in der Regel die ersten Aufnahmen betrachten und Ihren Vor­stellungen entsprechend anpassen.
Das Rohdatenmaterial des Senors bleibt bei Raw-Daten gewöhnlich bei jeder Form der Bearbeitung in jedem Fall unver­ändert, egal mit welchem Programm Sie sie bearbeiten. Sie können also Bilder beliebig bearbeiten, ohne dass die ur­sprüngliche Basis jemals verändert und eventuell verschlechtert wird. Bei einer Raw-Datei verändern Sie nicht die Datei selbst, sondern lediglich ihr Aussehen, in dem Programm, indem Sie es gerade bearbeiten.

Ein großer Vorteil von Raw-Dateien ist vor allem, dass das Material weitgehend ohne Entwicklungseingriffe vom Sensor kommt. So wird beispielsweise der Weißabgleich bei einem JPEG schon bei der Entwicklung in der Kamera auf das Bild ange­wendet. Hat der automatische Weißabbleich der Kamera dabei einmal voll ­daneben gelegen, sind in diesem Dateiformat nur mehr recht eingeschränkte Korrekturen möglich. Bei einer Raw-Datei wird der Weißabgleich nicht auf die Aufnahme angewendet. Damit können Sie in der digitalen Dunkelkammer den Weißabgleich in vollem Umfang und ohne qualitative Einschränkungen am Computer vornehmen.

Ein weiterer großer Vorteil von Raw gegenüber JPEG ist, dass Raw nicht nur 8 Bit unterstützt, sondern auch höhere Bit-Werte. Standard am DSLR-Markt sind derzeit 12 Bit. Während Sie mit 8 Bit 256 Abstufungen je Kanal zur Verfügung haben, sind es bei 12 Bit 4096 Abstufungen je Kanal ( 212 = 4096 ). Damit lassen sich weitaus drastischere Tonwertkorrekturen vornehmen, als es die 256 Stufen bei 8 Bit erlauben. Außerdem ist der Tonwertumfang bei einer 12-Bit-Datei breiter, als bei einer 8-Bit-.

Bei der Aufnahme dieses Fohlens hatten wir die Belichtungsein­stellungen nicht im Auge und das Bild völlig unterbelichtet.

Hätten wir dieses Bild als JPEG aufgenommen, dann wäre es nicht mehr möglich, das Bild in der digitalen Dunkelkammer zu ver­bessern. Der überwiegende Teil des Fells besteht aus reinem Schwarz ohne jegliche Zeichnung. Durch Anheben der Gradation wird zwar das Umfeld heller und ein paar Lichtreflexe werden mehr betont, doch schwarz bleibt auch nach der Bildbearbeitung schwarz.

Bearbeiten wir das Raw-Original mit 12 Bit in Apple Aperture nach, kommt sowohl die Räumlichkeit des Pferdekörpers, wie auch die Struktur des Pelzes zum Vorschein. Das Bild ist zwar ein extremer Fall und wird durch die Korrektur nicht gerade zum Meisterwerk, es demonstriert jedoch umso ­deutlicher, wie groß der Spielraum sein kann, wenn man den höheren Kontrast- und Tonwertumfang des Raw-Formates nützt.

Gekürzter und leicht adaptierter Auszug aus dem Buch »Nikon D700 – Das Buch zur Kamera«. Diese Auszüge sind auf dem Blog veröffentlicht:

• Die Brennweite
• Belichtung und Zonensystem
• RAW
• Das Sensorformat

Kamera, Einstellungen und Equipment:

Canon EOS 400D
ƒ11, 2.5sec, ISO 100, 27mm (43mm KB)

Fotografiert mit Stativ Manfrotto 190XProB

Spiegelvorauslösung und Fernauslöser

Wie lange für den Schimmelpilz?

Wasser fliesst und bewegt sich – Wasser lebt!. Um diese Bewegung zu visualisieren reichen schon wenige Zehntelsekunden, abhängig von der Fliessgeschwindigkeit. Bei einem flachen Bach wie diesem, kann man die Belichtungszeit schon mal etwas nach oben drehen. Je länge belichtet wird, desto drastischer wird der »Schimmelpilzeffekt«. Es sollten auch hier ein paar Aufnahmen gemacht werden, um die ideale Belichtungszeit zu eruieren. Versuche können bei einem kleinen Wasserfall bereits ab einer halben Sekunde beginnen.

Mittlere Abblendung für optimale Schärfe

Die Schärfentiefe ist abhängig von der Blendenöffnung. Jo grösser die Öffnung, also je kleiner die Blendzahl, desto geringer ist die Schärfentiefe. Bei Landschaftsaufnahmen empfiehlt es sich deshalb, die Blende etwas zu schliessen. Aber Achtung: die meisten Objektive arbeiten im mittleren Blendenbereich am Besten. Ein Objektiv auf Blende ƒ22 einzustellen ist oftmals Kontraproduktiv. Deshalb mit Blende ƒ8 – 11 arbeiten. Wenn man dann noch im Weitwinkel und Normalbereich (Brennweite 50mm und kleiner) arbeitet, hat man mit der Schärfentiefe keine Probleme.

Auf die Knie!

Der Standpunkt ist ein wichtiges Kriterium für gelungene Aufnahmen. Ein Stativ aufstellen um auf Normalhöhe fotografieren zu können wirkt je nach Aufnahme ziemlich langweilig. Generell gilt: je ungewöhnlicher der Standpunkt, desto interessanter das Bild, da es sich von unserem gewohnten Sehen abhebt. Bei diesem Bild hat sich der Fotograf ganz tief runter gewagt um möglichst Nahe am geschehen zu sein. Durch den tiefen Standpunkt und der fehlenden Live-View Kontrolle ist das Bild auch ein wenig in Schieflage geraten. Solche Fehler lassen sich am Computer problemlos korrigieren.

Farbe ist dein Freund

Keine Aufnahmen in Schwarzweiss mit Digitalkameras. Zwar sind viele Kameras mit diversen Softwarefiltern ausgerüstet, doch Farbe die einmal weg ist, kann man nie wieder  zurück holen! Deshalb die Schwarzweissumwandlung in einem Bildbearbeitungsprogramm vornehmen und mit den Farbfiltern experimentieren. Mit der Zeit versteht man die Einflüsse von Rot- Grün- und Blaufilter und kann viel mehr aus den Farbausnahmen heraus holen!

Morgenstund hat Gold im Mund

Das Wetter sollte nicht ausser acht gelassen werden. Strahlender Sonnenschein ist nicht umbedingt des Fotografen Lieblingswetter. Zu hart sind die Schatten und Kontraste. Ideal ist ein freundlicher Tag mit grossen Wolken, welche sich wie riesige Softboxen über dem Himmel ausbreiten. Dann ist genügend Licht vorhanden und die Schatten sind schön weich. Wer den harten Schatten am Tag aus dem Weg gehen möchte, sollte früh morgens zur goldenen Stunde oder spät abends, zur blauen Stunde auf Tour gehen. Diese Aufnahme entstand in einem Waldstück im Hochsommermorgens um 07.00 Uhr. Wäre es an diesem Tag nicht leicht bewölkt gewesen, würden die Schatten deutlich stärker auftreten. Für tolle Aufnahmen muss man sich also schon mal morgens um fünf aus dem Bett quälen.

Übrigens hat auch Markus ein äusserst gelungens Bild zu diesem Thema in seinem Flickrprofil gepostet unter dem Titel «Hast & Ruh»

Kamera, Einstellungen und Equipment:

Canon EOS 400D
ƒ5.6, 30sec, ISO 100, 50mm (80mm KB)

Fotografiert mit Stativ Manfrotto 190XProB

Spiegelvorauslösung und Fernauslöser

1. Ohne Stativ geht nichts

Langzeitbelichtungen erfordern immer ein Stativ oder eine geeignete Unterlage auf der die Kamera platziert werden kann. Schon ab Belichtungszeiten kleiner dem Kehrwert der Brennweite (also bei Brennweite 50mm Beispielsweise 1/50sec) sind scharfe Freihandaufnahmen nur mit äusserst ruhiger Hand möglich und dann spricht man kaum mehr von Langzeitbelichtung. Billigstative für ein paar Euro taugen relativ wenig, da sie instabil sind und sich die Kamera oftmals nicht wie gewünscht positionieren lässt. Wer etwas kleines und kompaktes für Unterwegs benötigt, ist mit einem Gorillapod sehr gut bedient. Für ernsthafte Fotografie lohnt sich die Anschaffung eines guten Stativs mit Kopf und Schnellwechselplatte.

2. Finger Weg!

Bei der Aufnahme auf dem Stativ empfiehlt sich der Einsatz eines Fernauslösers und das Zuschalten der Spiegelvorauslösung bei Spiegelreflexkameras. Denn durch das Hochklappen des Schwingspiegels wird die Kamera in Schwingung versetzt, was zu unscharfen Aufnahmen führen kann. Durch die Vorauslösung wird als erstes der Spiegel hoch geklappt und erst 2 Sekunden später das Bild aufgenommen. Dies ist etwa die Zeit, welche die Kamera benötigt um Schwingungen abzubauen wenn die Mittelsäule des Stativs eingefahren ist. Sollte kein Fernauslöser zur Hand sein, kann auch mit dem Selbstauslöser gearbeitet werden, welcher oftmals auf 2sec eingestellt werden kann.

3. Raw, Raw, Raw

Eigentlich spielt es keine Rolle, welche Art von Aufnahmen man erstellen will, nutzt , wenn die Kamera die Funktion bietet, das RAW Aufnahmeformat. Wie ihr bei dieser Aufnahme seht, wird das Bild mit automatischem Weissabgleich sehr gelbstichtig. Schuld ist die Wolfram-Strassenbeleuchtung welche eine Farbtemperatur von ca. 2800K besitzt. Der automatische Weissabgleich vieler Kameras arbeitet aber gerade mal bis 3500K. Ein manueller Eingriff ist je nach Kameramodell bis 2500K möglich. Die Beurteilung des »richtigen« Weissabgleichs ist am Kameramonitor nicht ganz so einfach. Mit dem RAW Format lässt sich der Weissabgleich bequem im nachhinein am Computer einstellen und erzielen deutlich bessere Resultate. Auch das aufhellen von dunklen Stellen oder das reduzieren von Spitzlichtern ist mit RAW möglich. Im Allgemeinen spricht man von einer halben Blendenstufe die korrigiert werden kann. Im JPG ist das nicht mehr möglich. Weiss bleibt weiss und schwarz bleibt schwarz.

4. Langzeit kommt vor ISO

Die Aufnahme wurde mit ISO 100 erstellt und das bei 30 Sekunden. Nun könnte man den ISO Wert hochschrauben um die Belichtungszeit zu verkürzen. Bei ISO 200 hätte man gerade noch 15 Sekunden, bei ISO 400 noch 7.5 sec belichten müssen. Allerdings steigt mit Erhöhung des ISO Wertes auch das Bildrauschen an. Der Praxisvergleich zeigt, dass die Langzeitbelichtung der Erhöhung des ISO Werts vorzuziehen ist. Allerdings kann bei extrem langen Belichtungszeiten ebenfalls ein Rauschen zu Tage treten. Da durch die lange Belichtungszeit der Sensor sich zu erwärmen beginnt, kann wie bei der Signalverstärkung (Erhöhung des ISO-Werts) ein Rauschen festgestellt werden. 30 Sekunden stellen aber noch keine Probleme dar.

5.  Konzentration auf die Details

Grundsätzlich sollte schon bei der Bildaufteilung darauf geachtet werden, dass keine störenden Gegenstände im Bild sind. Bei dieser Aufnahme konnte das parkierte Auto leider nicht verschoben werden. Eine Verschiebung des Fotografen nach links hätte von der Bildaufteilung nicht mehr gepasst und die Lichtquelle wäre nicht mehr so schön zur Geltung gekommen. Da sich das Auto aber in einem dunklen Bereich befindet, lässt sich dieses mühelos in einem Bildbearbeitungsprogramm entfernen.

6. Ändere den Blickwinkel

Wer ein Motiv entdeckt hat, das einen fasziniert und gefällt sollte immer mehrere Aufnahmen machen. Vom gleichen Standpunkt mit verschiedenen Einstellungen und auch von etwas versetzten Standpunkten. So ist die Wahrscheinlichkeit grösser, das dann wirklich DAS Bild dabei raus kommt, welches man an Ort und Stelle gesehen hat. Oftmals sind es eben Kleinigkeiten, welche einem erst zu Hause am Bildschirm ins Auge springen.

Gute Fotografie besteht aus drei Komponenten:

1. Inhalt
2. Gestaltung
3. Technik

Nur eine gute Bildidee oder ein wirklich interessantes Motiv führen zu einem beachtenswerten Resultat. Der Bildinhalt muss allerdings außergewöhnlich spektakulär sein, um auch ohne eine gute Bildgestaltung noch etwas rüber zu bringen. Das heißt ein gutes Motiv will in der Regel auch gut in Szene gesetzt werden. Einen Ausschnitt und seine Gewichtung und Proportionen zu komponieren, ist von größter Bedeutung für die Bildwirkung und braucht Erfahrung. Der aktuelle Trend banale Alltagsmotive in ungewöhnlichem Licht oder Perspektive neu zu erschließen, zeigt, wie viel mit guter Bildgestaltung möglich ist – da entstehen durchaus immer wieder beeindruckende Ansichten, bei Motiven die eigentlich absolut keine inhaltlichen Qualitäten zu haben scheinen.

Bildinhalt und Gestaltung haben etwa zwei Drittel Anteil an einem gelungenen Foto. Wer das ignoriert, wird niemals wirklich gute Aufnahmen machen. Doch die Bedeutung der Technik zu ignorieren, wäre ein fataler Fehler. Ich habe lange Zeit in intensiver Auseinandersetzung, vor allem mit der Gestaltung von Aufnahmen, mit einem relativen Low-Budget-Equitment gearbeitet: Mit einer Nikon D80 und einem 18–200mm Zoomobjektiv. Relativ Low-Budget bedeutet, dass dafür noch immer circa 1.500 Euro über den Ladentisch gegangen sind.

Absolut: Auch mit den Konstruktionsbedingten Mängeln dieses Allround-Objektivs lassen sich beeindruckende Aufnahmen erzielen, wenn man sich mit Inhalt und Gestaltung auskennt und auseinandersetzt. Dennoch konnte die Qualität meiner Aufnahmen praktisch niemals an jene heranreichen, die ich an den Bildern professioneller Fotografen bewundere. Bilder, wie man sie in Büchern, Zeitschriften und Magazinen abgebildet findet. Das ist natürlich auch frustrierend, weil man das Gefühlt hat, es sei mangelndes Können und Wissen, weshalb man diesen Grad professioneller Abbildungsqualität nicht erreicht.

Seit mir aber der Auftrag zum Schreiben eines Buches über eine professionelle Kamera die Möglichkeit eröffnet hat mit professionellem Equipment zu fotografieren, ist mir bewusst geworden, welche Bedeutung gute Geräte und Optiken für das letzte Quäntchen Abbildungsqualität professioneller Aufnahmen haben. Ein einziges Bild, aufgenommen mit einer Festbrennweite die preislich in der Region von 4.000 Euro liegt, hat mir den Unterschied zwischen der Abbildungsqualität von Amateur-Optiken und professionellen Systemen überdeutlich vor Augen geführt.

Damit möchte ich euch nicht aufrufen, all eure preiswerten Objektive im Altglaskontainer zu versenken. Ganz im Gegenteil: Setzt euch mit Bildgestaltung und Bildinhalt auseinander. Ein Fotograf, der mit diesen beiden Komponenten der Fotografie virtuos umzugehen versteht, wird auch mit der billigsten Kompaktkamera bessere Ergebnisser erzielen, als ein Knipser, der davon keine Ahnung hat mit dem teuersten Equipment. Seid euch aber bewusst, dass das letzte Drittel Qualität professioneller Aufnahmen an der professionellen Ausrüstung liegt. Wenn ihr trotz intensiver Auseinandersetzung mit Fotografie nicht an die Qualität der Profis ran kommt, dann liegt es wahrscheinlich weniger an euren mangelnden Fähigkeiten, als vielmehr an der Einsteiger-Fotoausrüstung.

Am Samstag war das Wetter in Köln gar nicht so schlecht. Ein leichter Dunstschleier lag über der Stadt, es war bitterkalt aber soweit eigentlich ganz heiter. Da ich überhaupt noch nie in Köln war und auch Marike »erst« seit einem Jahr in Köln studiert, gingen wir gemeinsam auf Entdeckungsreise. Der Dom musste natürlich fotografiert werden, doch versuche ich stets Dinge die schon zig mal fotografiert wurden, neu zu fotorafieren. Dies ist nicht immer so einfach. Einen Trick den man anwenden kann, ist das eigentliche Subjekt, als Nebendarsteller mit auf Bild zu holen.

Als wir am anderen Rheinufer spazieren gingen, sind mir die Kandelaver aufgefallen, welche nahe am Ufer standen. Durch ein wenig Bewegung und Blick durch den Sucher, habe ich dann eine Position gefunden, bei der sich der Dom zwar so richtig wichtig in die Mitte drängt, er doch aber durch die Laternen deutlich an Bedeutung verliert. Die Laternen stehen ganz klar im Vordergrund und ziehen als erstes die Aufmerksamkeit auf uns. Durch die Anordnung im Bild ergibt sich ein Dreieck, welches den Blick umher wandern lässt. Der Kölner Dom in der Mitte agiert dann wieder als Blickfang welche trotz der ziemlich zentralen Anordung, alles andere als langweilig wirkt.

Natürlich durfte auch der Besuch im Dom nicht fehlen. Der Dom ist eine überaus beeindruckende Sehenwürdigkeit. So hoch er von Aussen scheint, das wahre Volumen wird erst im inneren sichtbar. Furchteinflössend und aufregend zugleich, ein gewaltiges Bauwerk mit viel Liebe zum Detail.

Wie schon erwähnt hatten wir am Samstag noch einigermassen gutes Wetter und zwischen durch zeigte sich auch mal die Sonne. Ich habe es meienr aufmerksamen Begleitung zu verdanken, dass ich nebenstehendes Foto machen konnte. Durch das Südfenster, welches aus lauter farbigen Punkten bestehet, viel kräftiges Sonnenlicht ein und die sonst so bider und kalt wirkende Innenwand war plötzlich mit wunderschönen Lichtpunkten versehen. Ein Lichtspektakel das sich Abseits der sonst so berühmten Figuren, Säulen, etc. abgespielt hat. Es lohnt sich halt immer Augen im Hinterkopf zu haben und seien es die der wachsamen Begleiterin

Vom Dom aus, welcher direkt beim Hauptbahnhof ist, führ die Eisenbahnbrücke über den Rhein welche auch zu Fuss überquert werden kann. Auch eine kleine Touristenattraktion, denn auf der Brücke sind am Geländer lauter Vorhängeschlösser befestigt, auf denen Name und Datum verliebter Paare eingraviert ist.

Oft habe ich Touristen gesehen, die Schlösser abknipsen. Ich habe mich dann mal dazu gestellt und so einen Schnappschuss nachgestellt. Der zeigt zwar schön um was es hier geht, nämlich Schlösser an einem Zaun auf einer Brücke auf welcher Züge fahren, doch ist das Foto alles andere als interessant.

Nun gibt es auch hier verschiedenste Varianten wie man ein Bild visuell ansprechender Gestalten könnte. Nachfolgend einfach mal ein paar Ideen kurz beschrieben.

Anstelle alles einfangen zu wollen, kann man sich auf einen Ausschnitt beschränken. Die schönen vorhanden Linien kann man nutzen. Man begibt sich dafür einfach ein wenig in die Hocke, auf Augenhöhe des Objekts (sowieso eine gute Möglichkeit ein Bild interessanter zu gestalten, wenn man sich auf Augenhöhe mit dem Objekt befindet). E voila, das Bild wirkt schon deutlich interessanter auch wenn noch nicht ganz überzeugend. Es gibt aber etwas zu entdecken, das Bild erzählt eine Geschichte, denn plötzlich wird man neugierig und man fragt sich vielleicht: Sind Verna und Micha 3 Jahre später wohl noch immer glücklich zusammen?

Eine weiter Möglichkeit ist die Beschränkung auf ein Detail. Mit grosser Brennweite und möglichst geringem Abstand habe ich mich einem farblich ansprechenden Schloss angenähert. Durch die grosse Brennweite und der grossen Blendenöffnung, verschwindet trotz des kleineren Sensors der Fuji S100FS, der Hintergrund in der Unschärfe. Der Blick wird auf das Wesentliche gelenkt. Durch die Nahe Distanz und der Grösse sieht man das Schloss im Detail und das ziemlich gross. Der unscharfe Hintergrund mit den riesigen Lichtpunkten bilden einen schönen Gegenpol zum mächtig wirkenden Schloss.

Wenn man es noch weiter treiben möchte, kann man ganz radikal werden und alles in der Unschärfe verschwinden lassen. Dieses Bild eignet sich vielleicht nicht als Erinnerungsfoto an gesehenes oder für eine Präsentation, hat aber durch die verzogene in pastell Farben gehaltene Struktur einen malerischen Charakter und könnte gut seine Wirkung grossformatig an einer Wand verbreiten.

Nachdem ich mich um die Schlösser gekümmert hatte, gingen wir noch zum berühmten Melatenfriedhof. Den Tipp habe ich mir beim Photospion in seinem Artikel »Auf Motivsuche« abgeholt. Der Friedhof ist wirklich eine Augenweide und es ist schade, dass es schon dämmerte und das Wetter so trist war. Nicht dass dies nicht zu einem Friedhof passen würde, doch uns war kalt und der Friedhof wurde dann auch um 17.00 Uhr geschlossen. Schade auch, dass das Wetter am Sonntag und Montag sich nicht mehr besserte. Ich werde dem Melatenfriedhof bei meinem nächsten Kölnaufenthalt aber bestimmt wieder einen Besuch abstatten.

Am Montag fuhr ich dann mit dem ICE Richtung Frankfurt. Dort war das Wetter noch grausliger als in Köln. Nichts desto trotz habe ich mich am Nachmittag auf die Socken gemacht und bin die Innenstadt von Frankfurt, sowie das Museumsufer etwas abgelaufen. Wenn man dem garstigen Wetter etwas postives abgewinnen kann, dann das sich Bilder erstellen lassen, welche sich vom Kitsch (blauer wolkenloser Himmel zum Beispiel abheben). So tauchen die Wolkenkratzer der Frankfurter Innenstadt bei genügend Abstand in die Nebeldecke ein. Das obere Ende ist nicht mehr zu sehen, was die Wolkenkratzer noch bedrohlicher und grösser erscheinen lässt. Wegen des trüben Wetters, habe ich das Bild mittels Photoshop in ein Schwarzweissbild konvertiert.

In der Nacht wirkt dies durch die Lichter von Häuseren, Strassenlaternen, Autos etc noch viel stärker. Wie bei diesem Panorama, aufgenommen mit 8 Einzelaufnahmen von der Aussichtsplattform des neuen Kaufhauses.

Wegen des schlechten Wetters habe ich aber deutlich weniger Bilder gemacht als ich eigentlich wollte. Trotzdem bin ich mit der Ausbeute schlussendlich ganz zufrieden und finde, ich habe das Beste aus der Situation gemacht

Früher fand ich den Gedanken an solche Boliden auch Geil. Mit beinahe 700mm Brennweite, da müsste man doch in der Lage sein die Schuhbändel vom Mann im Mond zu fotografieren. Wer aber wirklich einmal versucht hat mit langer Brennweite eine Vogel in ein paar Dutzend Meter Entfernung auf den Sensor zu bannen, wird wissen, wie schnell ein paar Meter Abstand ein paar Millimeter Brennweite überfordern können – auch wenn es 700mm sind. Gerade wer darauf aus ist, mit langen Rohren kleine Objekte zu jagen, wird seine Brennweitenträume schnell von der banalen Wirklichkeit eingeholt sehen. Aber eigentlich ist die Relativität von Brennweite noch das kleinere Problem an solchen Zoomgiganten. Das Problem ist vielmehr, dass sich mit Kompaktkameras mit langen Brennweiten nur selten gute Aufnahmen erzielen lassen. Das hat mit Atmosphäre und Licht zu tun.

Da ist einmal das Problem, dass man, je länger die Brennweite, desto mehr Licht benötigt. Leider lässt ein Objektiv desto weniger Licht zum Sensor, je länger die Brennweite ist. Das Resultat: Bei den extremen Verlängerungen mit Zoomriesen lassen sich nur unter äußerst hellen Lichtbedingungen einigermaßen unverwackelte Aufnahmen erzielen. Am besten bei strahlenden Sonnenschein. Leider ist strahlender Sonnenschein aufgrund harter Licht-Schatten-Kontraste nicht unbedingt der Freund gelungener Aufnahmen.
Der zweite Feind guter Aufnahmen auf weite Distanzen ist die Atmosphäre. Je größer die Distanz, desto mehr sorgt die Atmosphäre dafür, dass Aufnahmen milchig, flau und kontrastarm werden.

Es gibt sicher Aufnahmesituationen, in denen eine Kompaktkamera mit langer Brennweite gute Ergebnisse erzielen kann. Ich vermute aber, dass hinter dem Trend zu Kameras mit superlanger Brennweite in erster Linie die volkstümliche Weisheit »Viel hilft viel« steckt. Und darüber hinaus Unwissenheit.

Ich vermute, dass viele Käufer von Superzoomkameras von den Resultaten der Geräte enttäuscht sein werden und die Lust am Fotografieren verlieren.

Entgegen dem Trend zum langen Telezoom scheint es aber auch einen Trend zum Weitwinkel bei Kompaktkameras zu geben – eine Entwicklung, der ich viel mehr abgewinnen kann. Weitwinkel werfen viele Probleme von Superzooms gar nicht auf. Man ist oft in der Lage auch mit günstigen Modellen beeindruckende Landschafts- und Städteaufnahmen zu machen, und man bekommt vor allem dort mehr Action aufs Bild, wo Kompaktkameras vor allem daheim sind: Auf Partys und überall wo Leute zusammen kommen.

Ich habe schon mal ausführlich darüber berichtet mit den vier Artikeln »RAW – Was interessiert mich der Weissabgleich?«, »RAW – Verdecktes sichtbar machen«, »RAW – Schwarzweiss mit Farbe« und »RAW – Etwas HDR muss sein«. Dennoch möchte ich hier nochmal ein Extrembeispiel aufführen.

Letzten Samstag fand in St.Gallen die Ferienmesse statt. Mein Freund und Autor Amor Ben Hamida hatte die Ehre auf der Bühne eine Lesung halten zu dürfen zu seinen Büchern »Mit arabischen Grüssen« und »Der träumende Kameltreiber«. Das Lichtverhältnisse waren alles andere als einfach. Neben der relativ geringen Bühnebeleuchtung war es auch nicht weisses Kunstlicht sondern ein Mix aus gelbem und rotem Schweinwerferlicht. Eine echter Herausforderungen für den automatischen Weissabgleich. Den Test hat er leider nicht bestanden, was sich aber wie folgt erklären lässt: Der automatische Weissabgleich der D700 – welche mir Markus freundlicherweise geliehen hat und ich nur ungern wieder zurück gebe – arbeitet in einem Farbtemperaturbereich von 3500K bis 8000K.

Das gelb-rötliche Licht der Bühnenbeleuchtung kam aber deutlich kälter daher.  Daher fiel das aufgenommene Ergebnis deutlich gelbstichig ja schon fast rotstichig aus. Der Kopf wirkt sogar schon fast feurig rot. Obwohl dies die tatsächlich vorhandene Lichtstimmung wiederspiegelt, ist die Aufnahme wenig schmeichelhaft für den Autor. Im Hemd ergeben sich zudem sehr unschöne gelbe Flecken die auf ein ausbrechen der Farbe hinweisen. Zeichnung versucht man in diesen Stellen vergeblich.

Nun hätte ich die Möglichkeit gehabt, den Weissabgleich der D700 manuell einzustellen. Der tiefste zu erreichende Wert liegt bei der D700 bei 2500K, was für diese Aufnahme aber immernoch zu warm ist.

Ich habe das in Adobe Photoshop Lightroom mal simuliert, wie das Ergebnis bei manueller Einstellung etwas ausgesehen hätte. Das Ergebnis ist wesentlich besser. Das Hemd wirkt schon deutlich natürlicher und auch die Hautfarbe wirkt deutlich reduzierter. Nur aber weil wir oben ein Vergleicbhild haben, die gelbrötlichen Farben sind noch deutlich auszumachen.

Nun, glücklicherweise habe ich im RAW Format fotografiert und konnte mit der Pipette einen neutralen Graupunkt im Bild anwählen. Ich habe hier das Hemd genommen, welches ein ziemlich gutes Ergenis geliefert hat (war also neu oder mit weisser Riese gewaschen worden ). Gemäss Lightroom liegt der Weissablgeich nun auf der tiefsten einzustellenden Temperatur von 2000K. Noch eine leichte Verschiebung ins Grün um dem Rotstich entgegen zu wirken. Das Ergebnis wirkt beinahe lichtneutral und deutlich angenehmer.

Nun hätte ich das erste Bild in JPG aufnommen, wären die Möglichkeiten relativ stark eingeschränkt gewesen. Ich habe ebenfalls mit Lightroom versucht das JPEG Bild zu korrigieren. Das Ergebnis ist aber nicht zufriedenstellend. Das Hemd bekommt man im Farbton noch einigermassen weiss hin, aber die unschönen ausgebrochenen Stellen bleiben und sehen furchtbar aus. Auch der Kopf wurde trotz reduktion der Rot und Gelbtöne in der Sättigung nicht verbessert. Das Ergebnis ist schlicht unbrauchbar!

Wie Anfangs erwähnt ist dies eine Extremsituation und die automatischen Weissablgleiche der Kamera funktionieren inzwischen bei normalen Lichtbedingungen relativ zuverlässig. Trotzdem gibt man einiges aus der Hand, wenn man sich auf JPEG bei der Aufnahme beschränkt.

Ich wurde bereits im Vorfeld informiert, das ein weiterer Fotograf (engagiert von dem Ensemble) anwesend sein wird. Ich habe mir nichts weiter dabei gedacht, denn oftmals tauchen dann »Knipser« auf mit einer kleinen Kompakten. Als ich aber schon den Raum betrat blitze mir die D3 und das Nikkor 70-200mm 2.8 ins Auge. Aufgeschnallt war ebenfalls das Nikkkor 24-70mm wie auf meiner Kamera. Der Unterschied machte der SB-900 auf dem Boliden. Nunja ich war etwas überraschat ab dem Profiequipment und dachte mir: »Hola, heute hast du mal Konkurenz«.

Doch ich durfte auch heute erfahren, dass gutes Equipment alleine noch keinen guten Fotografen macht. Dabei meine ich jetzt nicht die fotografische Qualität, denn ich habe keines seiner Bilder gesehen. Wer zu leisen Tönen einer Geige und einem Akordeon welches von einer lieblichen und leisen Stimme begleitet wird den Fingern nicht vom Abzug bringt und mit dem Blitzlicht und dem klappernden Spiegel die Stimmung ruiniert, darf sich wohl nicht Fotograf schimpfen. Mir ist solches (Fehl-)Verhalten bei Fotografen übrigens schon des öftern aufgefallen. Zu gross ist die Gier nach DEM perfekten Bild, so dass die Umgebung dabei völlig vernachlässigt wird.

Ein guter Fotograf sollte bei solchen Anlässen stets im Hintergrund agieren, die Dinge passieren lassen und als Beobachter fungieren. Lieber auf einige Motive verzichten und dafür die Gunst des Publikums gewinnen als böse Blicke zu ernten.

So, das musste mal gesagt werden

Nun einen Kabelauslöser kaufen würde Abhilfe schaffen, aber es geht auch anders. Für ein Maximum an Schärfe ist sowieso noch ein weiterer Schritt notwendig, denn es soll jegliche Erschütterung vermieden werden. Ein Problem beim Auslösen einer (D)SLR ist das hochklappen des Schwingspiegels. Die Beschleunigung und das abrupte abbremsen dieser Bewegung lässt die ganze Kamera erzittern. Die Bewegungen sind nur sehr geringfügig und mit blossem Auge nicht zu erkennen. Da wir aber wissen, dass ein Pixel bei der EOS 400D gerade mal 0.005mm gross ist, leuchted auch ein, dass schon sehr feine Bewegungen zu einer Unschärfe führen können.

Da dies eine bekannte Problematik ist, haben uns die Ingenieure von Canon eine Funktion zur Verfügung gestellt bei welcher der Schwingspiegel schon vor der eigentlichen Aufnahme hochklappt. Im Einstellungs-Menü 2 findet man bei den Individualfunktionen und Punkt 07 die »Spiegelverriegelung«. Der Name ist etwas unglücklich, da es eigentlich keine Verriegelung sondern eine Auslösung ist. Andere Hersteller nutzen den Begriff »Spiegelvorauslösung« was auch mir wesentlich sympathischer ist. Aber ja Hauptsache wir finden den richtigen Menüpunkt.

Stellen wir diesen Menüpunkt auf 01, also eingeschaltet, so wird nun beim ersten Drück des Auslösers der Schwingspiegel hochgeklappt. Erst durch erneutes Drücken wird das Bild aufgenommen.

Es macht natürlich keinen Sinn diese Funktion zu aktivieren, wenn man weiterhin von Hand auslöst. Die Funktion ist gedacht sie mit einem Kabelauslöser zu bedienen. So bleibt die Kamera unberührt und absolut ruhig. Sie funktioniert aber auch in Kombination mit dem Selbstauslöser und hier kommt nun die Überraschung. Im Gegensatz zum normalen Selbstauslöser von 10sec reduziert er sich in Kombination mit der Spiegelvorauslösung auf 2sec. Das Erklärt sich damit, dass die Kamera nach 2sec alle Schwingungen abgebaut hat und wieder ruhig dasteht. Diese Variante ist durchaus eine Alternative zum Kabelauslöser auch wenn er diesen bei gewissen Situationen nicht ersetzten kann.