Street Photography: Documenting the Human Condition – Part One of Three from Chris Weeks on Vimeo.

Tolle Dokumentation die irre Lust auf Street Photography macht. Leider bin ich zu schüchtern, um Leute auf der Straße anzuquatschen und Sie um eine Aufnahme zu bitten. Und aus dem Hintergrund zu schießen, ohne zu fragen, ohne um Erlaubnis zu bitten – da habe ich Skrupel. Ich empfinde es, als würde ich den Abgelichteten damit einen Teil ihrer Privatsphäre und damit ihrer Seele stehlen. Und hier ist auch nicht New York, wo die Leute dem fotografiert werden gegenüber gleichgültig bleiben.

Teil 2

Street Photography: Documenting the Human Condition – Part Two of Three from Chris Weeks on Vimeo.

Teil 3

Street Photography: Documenting the Human Condition – Part Three of Three from Chris Weeks on Vimeo.

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Vor einiger Zeit (zwei, oder drei Wochen, oder gar vier?) habe mir zwei freundliche Herren von einem Lieferservice ein längliches Paket gebracht. Pakete? Das hat für mich immer etwas wie Weihnachten. Also das Ding gleich einmal aufgerissen und schauen was drin ist.

Herausgekommen ist ein Print des Bildes oben, circa 75 oder 80 Zentimeter im Quadrat. Ich habe es vor ein paar Monaten bei Flickr gepostet.

Und wie komme ich dazu? Clevere Marketer bei clickandprint.de haben sich wohl einige etwas bekanntere Blogger herausgesucht, die auch auf Flickr vertreten sind und mit Gestaltung und Fotografie zu tun haben, ein nettes Bild aus dem Fotostream gefischt, das Foto geprintet und mit einem Schreiben versehen versendet.

Hey, zunächst einmal gratulation für die tolle Marketing-Idee! Hättet ihr mir einen Gutscheind zugeschickt, der das fünffache des Prints wert gewesen wäre, ich hätte ihn prompt im Mülleimer versenkt, weil ich Werbesendungen eigentlich nicht mag. Aber das Poster hat mich echt gefreut.

Die Qualität der Prints scheint abolut in Ordnung zu sein und bestätigt mich einmal mehr, dass man keine 300ppi für ein Poster braucht – hier waren es mit Sicherheit deutlich weniger als 72ppi.

Checken könnt ihr das Angebot von clickandprint bei clickandprint.de.

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In diesem kurzen Screencast zeige ich wie man den Shortcut dafür individualisieren kann. Ich nutze zum Beispiel den eigens eingestellten Shortcut ctrl+Leertaste zum Aufrufen der Spotlight-Suche (⌘+Leertaste werden in InDesign, Photoshop und Illustrator für die Lupe genutzt und es nervt, wenn dann immer auch Spotlihgt aufgeht). Für die Hilfe habe ich einen ähnlichen Shortcut, ctrl+alt+Leertaste eingestellt.

Im Screencast demonstriere ich die Arbeitsweise in Safari, Mail und MarsEdit. In den Adobe Programmen fuktioniert der Trick leider nicht – in Photoshop wurde die Hilfe von Adobe sogar ganz raus operiert. Danke, Adobe.

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Erfahrene MacUser wissen auch, dass sich das Eingabefeld für Spotlight auch über ⌘+Leertaste aufrufen lässt – schneller lässt sich eine Rechenaufgabe die zu schwer für den Kopf ist kaum mehr lösen.

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Nikons 24–70mm Objektiv, mit durchgehender Lichtstärke ƒ2.8, dürfte wohl zur unverzichtbaren Standardausrüstung vieler Nikon-Fotografen zählen. Im Trio mit dem Nikon 14–24mm ƒ2.8 und dem 70–200mm ƒ2.8 erreicht der investitionsfreudige Fotograf einen Brennweitenbereich von 14–200mm bei durchgehender Lichtstärke 2.8 und exzellenter Bildqualität.

Seit ich vor ein paar Monaten das 14–24mm bekommen habe, fotografiere ich viel und gerne damit. Doch das 24–70mm bietet natürlich einen viel weiteren Einsatzbereich. Von der Landschaftsaufnahme bis zum Portrait – dieser Brennweitenbereich ist mit dieser Lichtstärke ziemlich universal einsetzbar. Deshalb ist es auch das Objektiv, das ich bei Fotosafaris und Shootings am häufigsten vor meiner großen Kamera habe.

Natürlich ist das Objektiv weder leicht noch billig. Gutes Glas hat seinen Preis und sein Gewicht. Aber die Abbildungsqualität die sich dadurch erzielen lässt hat schon etwas für sich. Zwar leben gute Aufnahmen vor allem vom Motiv, von der Bildidee und von Komposition und Bildaufteilung. Doch wenn diese Paramater stimmen, dann ist es vor allem das Material und die gekonnt eingesetzte Technik die einer Aufnahme den letzte Schliff verleiht. Mit dem Nikon AF-S 24–70mm ƒ2.8 ist dieser Schliff besonders fein.

Weitere Bilder mit dem Nikon AF-S 24–70 ƒ2.8

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In meiner Serie über meine Objektivausrüstung möchte ich heute das Nikon AF-S DX 35mm ƒ1.8 vorstellen.

Einmal eine kurze Erklärung das die Buchstabenkürzel zu bedeuten haben: AF steht für Autofocus. Das S heißt, dass ich nach dem automatischen Einstellen die Fokussierung von Hand verstellen kann, ohne, dass das AF-Getriebe Gefahr läuft Schaden zu nehmen. Bei älteren Objektiven ohne diesen S-Zusatz ist das nicht zu empfehlen. Dort sollte man es tunlichst unterlassen am Fokusring zu drehen, nachdem die Kamera fokussiert hat – also so lange man den Auslöser halb durchgedrückt hat.

DX bedeutet, dass das Objektiv für Kameras mit kleinem APS-Sensor ausgelegt ist und auf Kameras mit Kleinbildsensor (der Volksmund spricht vom Vollformatsensor – Nikon nennt es FX)nur einen recht kleinen Bildbereich abdeckt.

Meine Arbeitskamera ist die D700, ihres Zeichens eine FX-Kamera mit Kleinbildsensor, weshalb ich dieses Objektiv daran auch nicht verwende.

Meine immer-dabei-Kamera jedoch ist eine D80 und die hat den kleineren DX-Sensor und auf dieser Kamera ist das 35mm 1.8 mein liebster Begleiter. Zur immer-dabei-D80 also das immer-dabei-35mm. Grandkoses Gespann!

Das obere Bild entstand in dunkelster Nacht aus freier Hand mit der D80. Bei einer Lichtstärke von 1.8, 35mm und ISO800 lässt sich das machen.

Vor dem AF-S 35mm 1.8 war das AF 50mm 1.8 mein ständiger Begleiter. Ein etwas betagtes Objektiv, das aber noch immer einen sehr guten Ruf genießt, vor allem da es schon ab etwa 100 Euro zu haben ist. Allerdings entsprechen die 50mm dieses Objektivs an der D80 einer Brennweite von 75mm und das ist praktisch ein Tele. Immer mit Tele fotografieren ist schon eine arge Einschränkung. Also habe ich mich entschieden es mit dem neuen 35mm-Objektiv zu versuchen und ich habe es nicht bereut.

Neben der Brennweite war das alte AF 50mm mein einziges Objektiv, das mir nicht erlaubt manuell nachzufokussieren. Das ist lästig, wenn man die Nachfokussiererei erst einmal gewöhnt ist.

Das AF-S 35mm 1.8 bildet schön scharf ab, bei der großen maximalen Blendenöffnung kann man aber auch sehr schöne Unschärfen erzielen und die Schärfentiefe kurz halten, auf was ich halt stehe. Die 35mm Brennweite entsprechen auf Kleinbild umgerechnet knapp der Normalbrennweite von 50mm und das soll so ungefähr der menschlichen Wahrnehmung am nächsten kommen.

Ich kann das Objektiv nur jedem empfehlen, der eine Nikon mit kleinerem Sonsor hat und nach einem guten, Lichtstarken Objektiv mit Festbrennweite Ausschau hält. Und eine Festbrennweite kann ich ohnehin jedem Fotografen empfehlen.

Ein paar Alltagsschnappschüsse, die mit dem AF-S 35mm entstanden sind, habe ich in einer mobileMe-Galerie zusammengestellt.

Richtigstellung: Ein Besucher hat mich in einem Kommentar darauf hingewiesen, dass nicht bei jedem S-Nikkor (also nicht jedes AF-S) manuell nachfokussiert werden kann.

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Sagte ich nicht einmal das Objektiv müsse besser als die Kamera sein? Was macht denn eine 500-Euro-Scheben an meiner D700? Antwort: Die Ausnahme der Regel bestätigen.

Das Nikon AF-S 70–300mm ƒ4.5–5.6 ist zwar kein Killerobjektiv in Sachen Lichtstärke, aber es liefert eine für seinen Preis absolut beeindruckende Abbildungsleistung. Neben dem 70–300 besitze ich auch das 70–200mm ƒ2.8 – ein lichtstarkes, überall gepriesenes Ungetüm, mit dem man Passanten unheimlich beeindrucken kann und das in der Tat eine geniale Abbildungsleistung schafft. Es liegt preislich in einer Region von etwa 2000 Euro und kostet damit praktisch das vierfache des 70–300.

Trotz des immensen Preisunterschieds ertappe ich mich immer wieder, dass ich beim Stöbern in meiner Bilddatenbank auf Aufnahmen stoße, bei denen ich mir denke »Wow! Mein teures 70–200 ist einfach ein Hammerobjektiv« und wenn ich dann einen Blick auf die Metadaten zum Bild werfe, dann steht da ganz unverschämt AF-S 70–300!

Nicht umsonst habe ich letzten Urlaub das schwere 70–200mm ƒ2.8 zuhause gelassen und statt dessen das 70–300 eingepackt. Es ist (viel) leichter und handlicher, bietet 100mm mehr Brennweite und ein bisschen der geringeren Lichtstärke kann man durch die ausgezeichnete Verwackelungsreduzierung wieder wett machen. Darüber hinaus ist das 70–300 eines der preiswertesten FX-Objektive von Nikon, ist also mit Kleinbildsensor kompatibel.

Selbst der Autofokus lässt nichts zu wünschen übrig und arbeitet leise und außerordentlich schnell. Damit habe ich auch schon flotte Flieger auf der Adlerwarte in Bregenz gut ablichten können.

Lange Rede, kurzer Sinn: Das Nikon AF-S 70–300mm ƒ4.5–5.6 ist für mich einer der heißesten Tipps für alle Nikon-Fotografen, nicht nur für die Preisbewussten und nicht nur für die Besitzer einer Kamera mit Kleinbildsensor.

Mehr Aufnahmen mit dem 70–300mm habe ich in einer mobileMe-Gallerie zusammengestellt und veröffentlicht.

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Vierzehn Monate sind ins Land gezogen, seit mein Buch über die Nikon D700 veröffentlicht wurde. Schon während ich am Buch schrieb habe ich mir vorgenommen anschließend Artikel über Objektive im Blog zu posten. Dazu gekommen ist es bisher nicht. Zu sehr haben andere Projekte meine Zeit in Beschlag genommen. Aber was lange währt wird endlich gut: Mein erster (völlig subjektiver Blick) auf ein Objektiv.

Subjektiv ist mein Blick allemal, da ich seit jeher mit Nikon fotografiere und mir so der direkte Vergleich zu den Produkten anderer Hersteller fehlt. Da ich kein Händler oder Tester bin ist meine einzige Möglichkeit Objektive zu testen ohnehin meist sie zu kaufen. Subjektiv auch deshalb, weil ich nicht zu den Anwendern gehöre, der seine Objektive anspruchsvollen Labortests unterzieht. Mich interessieren die Resultate in Form von Fotos.

Mit den Resultaten des Nikon AF-S 14—24mm ƒ2.8 (Abbildung oben mit freundlicher Genehmigung durch Nikon Deutschland) bin ich vollauf zufrieden. Ein hervorragendes Objektiv, wie das ganze Nikon-Lineup vom 14—24mm über das 24—70mm bis zum 70—200mmm. Dabei ist der extreme Weitwinkelbereich eines 14—24mm extrem schwer zu beherrschen.

Erstens hat man in meiner direkten Umgebung kaum einmal die Möglichkeit Landschaft zu fotografieren, ohne dass irgendwo störende Objekte wie eine Hochspannungsleitung oder ein hässliches Gebäude das Bild verschandelt. Zweitens sind die meisten Verzerrungen, die durch den extrem weiten Winkel entstehen alles andere als schön und man muss schon sehr bewusst komponieren, damit ein Bild nicht schlicht und einfach hässlich verzerrt wirkt. Wenn man aber die Komposition gemeistert und die Linienführung eines Motivs bewusst und gekonnt in Szene gesetzt hat, dann entwickeln Weitwinkelfotos eine Spannung und Dynamik, die mit anderen Brennweitenbereichen nicht zu erreichen ist.

Das Nikon 14–24mm ist ein schweres Teil dessen Glas am weitwinkligen Ende (also bei 14mm) schon fast aus der fix verbauten Streulichtblende herausragt. Mehr Blende geht aber aufgrund des weiten Bildwinkels nicht. Der bei manchen Fotografen beliebte UV-Filter um die Frontlinse zu schützen geht auch nicht — ein Gewinde gibt es nicht.

Das somit recht schutzlose Glas des teuren Objektivs, das mit einem Listenpreis von über 2.000 Euro notiert und bei Amazon im Moment ab etwa 1.600 Euro zu haben ist, und das Gewicht von einem Kilo, machen es zu einem etwas umständlichen Begleiter — ich behelfe mir zum Schutz der Frontlinse damit, dass ich das Objektiv wieder auf den 24mm-Anschlag zurückschraube, sobald ich eine Aufnahme gemacht habe, um dadurch das Glas der Frontlinse soweit als möglich hinter der Streulichtblende zu versenken.

Vor ein paar Wochen konnte ich zehn Tage Urlaub auf Madeira verbringen. Bei Reisen gehöre ich zu den Fotografen, die immer fettes Equipment mit schleppen. Diesmal habe ich mich zusammengerissen und beschränkt: D700, 24—70mm ƒ2.8 (wohl meine Lieblingsobjektiv), 70—300mm ƒ4.5—5.6 (nicht besonders Lichtstark, aber bomben Abbildungsqualität — in meinen Augen ein absoluter Preis/Leistungs-Hammer — und deutlich weitere Brennweite als das schwere 70—200mm ƒ2.8) und eben 14—24mm, über das ich heute hier schreiben.

Weil ich ja weiß, wie schwer der Weitwinkelbereich zu beherrschen ist, war ich etwas zerrissen, ob es sinnvoll sei, das schwere Objektiv in die Reisetasche zu packen. Klar: Für ein paar tolle Landschaftsaufnahmen wäre es sicher gut — da macht bei entsprechender Landschaft dem Weitwinkel kein anderer Brennweitenbereich etwas vor. Aber stünde es dafür, das Ding ständig mit sich rum zu schleppen nur um ein paar klassische Postkartenkitsch-Landschaftsaufnahmen einzufangen?

Ich habe es nicht bereut das Objektiv mit zu schleppen. Ich war sogar äußerst überrascht wie viel Spaß es macht damit zu arbeiten und wie toll, ungewohnt und andersartig die Resultate ausfallen — keineswegs nur bei Landschaft oder besser gesagt, gerade Abseits der Landschaftsfotografie. Man braucht halt den Willen zum Experimentieren und muss sich etwas anstrengen — dann wird ein 14—24mm zu einem phantastischen Arbeitsgerät.

Ein Objektiv mit einem Brennweitenbereich das etwa dem 14—24mm entspricht ist nicht die erste Wahl die man jemandem empfiehlt, der in die Fotografie einsteigt. Zu schwierig im Einsatz und bei der Bildkomposition. Zu extrem und eingeschränkt in der Anwendung. Ab 24mm wird es bedeutend einfacher zu handhaben. Darüber hinaus ist ein Preis von weit über 1.000 Euro ohnehin für die meisten Einsteiger kein Thema.

Ambitionierte Fotografen sollten aber auf die Möglichkeiten des weiten Winkels nicht verzichten und für das AF-S 14—24mm ƒ2.8 dürfte es für Nikons kaum eine Alternative geben. Damit und mit den beiden Geschwistern 24—70mm ƒ2.8 und 70—200mm ƒ2.8 erhält der ambitionierte und investitionsfreudige Fotograf einen Brennweitenbereich von 14—200mm mit erstklassiger Abbildungsqualität und durchgehender Lichtstärke 2.8.

Das ist mein Dreamteam der rundum glücklich und ultimative Qualität Zooms für Nikon-Kameras. Mehr braucht eigentlich nur noch, wer spezielle Anforderungen hat (Makro, Architektur, Tierfotografie, Available Light bei sehr wenig Licht oder Fisheye) oder einfach nicht weiß wohin mit der Kohle.

Ein paar Bilder mehr habe in in eine mobileMe-Gallerie gestellt, damit ihr nicht nur lesen müsst, was ich meine, sondern euch auch einen eigenen Eindruck der Resultate des 14—24mm ƒ2.8 machen könnt.

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The Sandpit from Sam O’Hare on Vimeo.

Das Video hier wurde mit einem so genannten Tilt-Shift-Objektiv aufgenommen. Bei diesen Objektiven lässt sich der Winkel der Linsen kippen und verschieben, wodurch sich eine sehr ungewohnte Optik erzeugen lässt. Die Welt in diesem Video ist keine Spielzeug-Miniaturwelt, sondern unsere reale, auch wenn es aussieht, als spielten sich alle Szenen in einer winzig kleinen Modellwelt ab. Der Eindruck entsteht dadurch, dass nur ein kurzer Bereich der Szenen scharf ist, während sowohl der Hintergrund alsbald in Unschärfe verläuft, wie auch der Vordergrund. Unsere Wahrnehmung hat gelernt, dass das typisch für Aufnahmen kleiner Objekte ist, Landschaften hingegen lassen sich mit normalen Objektiven so nie aufnehmen, nur eben mit diesen speziellen Objektiven. Da wir kurze Schärfentiefe nur von Miniaturen her kennen, interpretiert unser Gehirn Aufnahmen mit solcher grundsätzlich als Miniatur.

Quelle | http://designcove.blogspot.com

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© Jeannette Oerlemans

Quelle: http://1x.com

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© deskounlmtd

Quelle: http://1x.com

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Tolle Afrika-Tierbilder von beindruckender Nähe bei mymodernmet.

© Nick Brandt

Quelle: http://www.mymodernmet.com

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© Iain Crawford

Quelle: http://www.fubiz.net

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© Gary McParland

Quelle: http://1x.com

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© Jens Herrndorff

Quelle: http://designyoutrust.com

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© Shlomi Nissim

Quelle: http://1x.com

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Wie gemalt.

© latoday

Quelle: http://1x.com

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Olympus hat mit einigen Partnern den Four Thirds Standard aus der Taufe gehoben und kann damit einen entscheidenden Vorteil für sich verbuchen: Olympus und seine Partner bauen die derzeit kompaktesten Systemkameras. Dabei nagen diese Kameras jedoch bislang am Problem auf den kleineren Sensoren weniger Auflösung unterzubringen als die Konkurrenz und bereits bei geringeren ISO -Empfindlichkeiten zu mehr Rauschen zu neigen. Ob aber Auflösung und Rauschen die allein selig machenden Argumente beim Kauf einer Kamera sind, darf in Frage gestellt werden. Gerade Leute, die auf kompakte Kameras setzen, mögen mit einem solchen Gerät besser bedient sein als mit großen Kleinbildboliden. Durch den im Herbst 2008 eingeführten Micro Four Thirds Standard werden Kameras mit Wechselobjektiven nicht nur noch kompakter. Durch das Wegfallen des Spiegels bei den ersten Modellen dieses Systems (Panasonic G1) sollen sie auch praktisch geräuschlos sein. Langfristig läge in diesem System sicher vor allem für Fotografen, die gerne mit langen Brennweiten fotografieren ein großer Vorteil: Sie müssten nicht mehr mehrere Kilo schwere, klobige Superteles mit sich herumschleppen, sondern erhalten vergleichbare Brennweiten mit wesentlich weniger Glas. Ob der Markt das System jedoch annehmen wird muss sich erst herausstellen.

Betrachten wir einmal ein paar Vor- und Nachteile der Systeme und stellen Sie einander gegenüber:

Schärfentiefe: Mit der Größe des Sensors in unmittelbarem Zusammenhang steht die Schärfentiefe, die bei einer bestimmten Blende zu erreichen ist. Bei »normalen« Aufnahmen von Landschaft oder Architektur mögen sich diese Unterschiede nicht weiter dramatisch auswirken. Bei Makroaufnahmen jedoch fällt dieser Unterschied oft sehr eklatant ins Gewicht.

Makroaufnahme mit der APS-C-Kamera Nikon D80 – trotz Blende ƒ 32 ist die Schärfentiefe äußerst gering. Mit einer Kamera mit Vollformat-Sensor wäre sie noch einmal geringer!

Die Sensorgröße ist also der Grund, weshalb Sie mit preiswerten Kompaktkameras oft Makroaufnahmen erzielen können, die mit großen teuren Spiegelreflexkameras – wenn überhaupt – nur mit viel Aufwand zu erreichen sind. Für Makrofotografen kann der größere Sensor also durchaus ein Nachteil sein, wenn Sie die Tiefe des scharf abgebildeten Bereiches nicht auf ein Minimum reduzieren möchten.

Nahaufnahme mit der Kompakt­kamera Canon PowerShot A620 – trotz Blende ƒ4 ist die Schärfentiefe im Vergleich zur vorange­gangen Aufnahme der Blüten enorm! Der Grund dafür ist der deutlich kleinere Sensor.

Doch kein Vorteil ohne sein Gegenstück: Den Nachteil. Den Nachteil dieser enorm hohen Schärfentiefe bei kleinen Sensoren erfahren Sie, wenn Sie mit einer kompakten Knipse Menschen vor unruhigem Hintergrund fotografieren. Mit dem großen Sensor und der damit einhergehenden kleineren Schärfentiefe ist es ein leichtes den Hintergrund unscharf zu halten, wodurch das eigentliche Subjekt von ihm getrennt wird. Bei Kompakten ist das oft ein unlösbares Problem.

Schnappschuss mit einer Kompaktkamera: Die hohe Schärfentiefe der Kompaktkamera, mit der dieses Bild aufgenommen wurde, zeichnet den Hintergrund viel zu scharf. Wegweiser und Strukturen machen sich wichtig und lenken vom eigentlichen Motiv ab. Mit dem großen Sensor einer DSLR wäre es ein Leichtes gewesen, trotz großer Nähe mit weit offener Blende den Hintergrund zum »unscharfen Etwas« verfließen zu lassen.

Objektiv-Bildfeld-Abdeckungsverhältnis: Objektive erreichen ihre beste Abbildungsqualität zur Mitte hin. Kameras mit APS-C-Sensor nutzen zwar zum Teil dieselben Objektive wie sie auch für Kleinbildformat-Kameras eingesetzt werden. Sie nutzen aber nur einen Teil der Objektivöffnung. Jene Bereiche, in denen sich die Abbildungsqualität meist verschlechtert – was durch Vignettierung, Verzerrungen und deutliche Unschärfe zu Tage treten kann – werden von ihnen meist gar nicht mit abgebildet. APS-C-Kameras schneiden sich sozusagen das Sahneteil aus dem Objektivtörtchen.

Brennweiten und Brennweitenverlängerung: Das ist auch wieder ein Thema für Sparefrohs. An einer Kamera mit APS-C-Sensor wird aus einem 200 mm Objektiv quasi ein 300 mm Objektiv (bei Nikon; bei Canon ist der Umrechnungsfaktor nicht 1,5, sondern je nach Modell 1,3 oder 1,6). Natürlich verlängert sich die Brennweite des Objektivs um keinen Millimeter, wenn Sie sie von einer Vollformatkamera auf eine mit APS-C-Sensor schrauben. Doch wie eben erwähnt, schneidet sich der kleine Sensor aus dem Bildfeld nur einen kleineren Bereich heraus. Der Effekt ist also nicht viel anders, als würden Sie ein Bild mit der Vollformatkamera und einem 200 mm Objektiv aufnehmen, und das dann in Photoshop auf einen Bereich freistellen, welcher der Größe des kleineren Sensors entspricht. Deshalb dürfen Sie für Portraits auch nicht einfach ein 50mm-Objektiv auf 75mm hochrechnen. Die perspektivische Wirkung ist bei einem 50mm-Objektiv immer gleich, egal ob es an einer APS-C- oder einer Vollformatkamera montiert ist – und die täte den Gesichtsproportionen bei einer Portrait-Nahaufnahme nicht unbedingt gut. Das heißt für Portraits bleibt es auch mit kleineren Sensoren bei 85–120mm als optimale Brennweite.

Diese Aufnahme entstand mit Kleinbildsensor bei einer Brennweite von 40 mm und Blende ƒ 2,8.

Im Vergleich dazu 40 mm aus der­selben Distanz und Perspektive mit einem APS-C-Sensor, ebenfalls bei Blende ƒ 2,8. Der »Ausschnitt« entspricht einer 60 mm Brennweite.

Hier haben wir einen Ausschnitt der 40mm-APS-C-Aufnahme (dunkler und rund angeschnitten) über das erste 40mm-Kleinbildformat-Bild montiert – ­Perspektive und Ausschnitt sind deckungsgleich!

Aus der vermeintlichen und praktisch durchaus spürbaren Brennweitenverlängerung jedoch gleich den Schluss zu ziehen mehr Brennweitenverlängerung = besser, würde außer Acht lassen, dass Sie im Weitwinkelbereich Weite verlieren.

Empfindlichkeit: Größere Sensoren mit größeren Aufnahmepunkten haben in Bezug auf die Empfindlichkeit die Nase vorne – das ist landläufig bekannt.

Sucher: Die Größe des Suchers hängt vor allem auch von der Größe des Sensors ab. Nehmen wir an eine Kamera stellt das Sucherbild 1:1 dar (normalerweise wird das Sucherbild verkleinert dargestellt: Nikon D3 0,7-fach; Canon EOS-1Ds Mark III 0,76-fach), dann ergibt das natürlich mit einem Kleinbildsensor größeres Kino, als bei einem 1,5- oder 2-fach kleineren Sensor.

Wie Sie sehen, wird Kleinbildformat (oft auch als Vollformat bezeichnet) = besser der Wirklichkeit nicht gerecht. Die Wahrheit liegt einmal mehr im »Es kommt drauf an«.

Sensorformate: 1) Eines von vielen möglichen Großformaten;
2) Eines von mehreren möglichen Mittelformaten;
3) Kleinbildformat (35mm);
4) APS-C mit Faktor 1,5 im Verhältnis zu Kleinbild;
5) Four Thirds

Gekürzter und leicht adaptierter Auszug aus dem Buch »Nikon D700 – Das Buch zur Kamera«. Diese Auszüge sind auf dem Blog veröffentlicht:

• Die Brennweite
• Belichtung und Zonensystem
• RAW
• Das Sensorformat

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Raw ist kein offenes Standardformat (wie Tiff für Bilder, oder TXT und RTF für Text) und auch kein Format eines Herstellers, das sich zum Quasi-Standard entwickelt hat und von den meisten Programmen in ihrer Programmklasse unterstützt wird (wie PSD für Photoshop-Bilder und DOC für Word-Dokumente).

Raw besagt zunächst einmal, dass eine entsprechende Bild­datei die Daten roh und unbearbeitet so beinhaltet, wie sie vom Sensor aufgenommen wurden, ohne jegliche Bearbeitung, wie sie im Falle eines JPEG-Bildes immer vorgenommen wird. Ein solches Rohbild können Sie nicht ansehen, zumindest kennen wir kein Programm, das das erlauben würde. Es hätte auch keinen Sinn, das, was der Sensor aufgenommen hat, zu betrachten. Der Sensor sieht nur jeweils zwei Pixel grün, ein Pixel rot und ein Pixel blau im Quadrat und das Millionenfach über die Sensorfläche verteilt. Aus diesen Roh­informationen muss immer erst ein Bild in der entsprechenden Auflösung und der entsprechenden Farb- wie Tonwertverteilung berechnet werden. Es ist im Grunde genommen wie mit einem Fotonegativ-Film: Der Film muss erst entwickelt werden, damit wir ein weitgehend natürliches Bild betrachten können.

Was bei JPEG durch die Kamera vorgenommen wird, ist bei Raw die Aufgabe des Raw-Konverters. Ein solcher Raw-Konverter ist Teil Ihrer Software, mit der Sie die Raw-Bilder bearbeiten möchten. Bei Photoshop ist das Adobe Camera Raw. In Nikon ViewNX, Capture NX2, Lightroom, Aperture usw. ist ein solcher Konverter integriert. Er liest die Rohdaten ein und entwickelt sie zu etwas, was am Bildschirm dargestellt wird, bei Lightroom und Aperture sind das jeweils Vorschau-JPEGs, die in der Programmdatenbank gesichert werden. Diese Vorschau-JPEGs sind auch ein großer Vorteil dieser Programme: Die Bildschirmansicht muss nicht bei jedem Ansehen neu aus den Originaldaten gerechnet werden, sondern liegt schon fertig in der Datenbank. Das macht solche Programme flott.

Man könnte einen solchen Raw-Konverter auch als Raw-Interpreter bezeichnen, denn im Grunde ist es immer eine Inter­pretation des Rohmaterials, das der Raw-Konverter entwickelt. Irgendwo, in den Programmierstuben von Nikon, Canon, Olympus, Adobe und Apple sitzen Programmierer, die definieren, wie die neuesten Raw-Formate der Kamerahersteller beim ersten Öffnen in Capture, Lightroom oder Aperture entwickelt werden sollen. Jedes dieser Entwicklerteams wird etwas andere Vorgaben und Vorlieben haben, wie eine gut ent­wickelte Raw-Datei auszusehen hat. Dementsprechend wird die­selbe Raw-Datei in verschiedenen Raw-Programmen anders aussehen.

Beim JPEG, das ja von der Kamera fertig entwickelt auf den Computer kommt, darf das nicht der Fall sein. Ein JPEG-Bild, das mit identischen Farbmanagement-Einstellungen in verschiedenen Programmen betrachtet wird, muss auch identisch dargestellt werden. Das Raw wird jedoch eben erst vom Konverter entwickelt und deshalb wird es auch in jedem Programm zur Raw-Entwicklung anders aus­sehen.

Die Erstentwicklung, die ein Programm wie Lightroom, ­Aperture oder Capture NX2 erstellt, mag ein erster Eindruck sein, der einem ein solches Programm sympathisch oder unsympathisch machen kann. So wie der eine auf Analogfilm von Kodak ge­schworen haben mag, während der andere einen bestimmten Fujifilm vorzog, so kann der Eine vielleicht eher von der Erstentwicklung bei Capture angetan sein, der Zweite mag lieber das Erstergebnis bei Lightroom und der Dritte schwört auf Aperture. Ausschlag­gebend für die Entscheidung für oder gegen eines dieser ­Programme sollte jedoch nicht die Erstentwicklung sein, sondern die Effizienz mit der man die eigentliche Individual­entwicklung vorantreiben kann. Schließlich bieten diese Programme die Möglichkeit, bestimmte Einstellungen auf Massen von Bildern anzuwenden, in Lightroom geht das sogar schon ganz einfach beim Importieren – somit entscheiden Sie, wie diese Basis­entwicklung aussehen soll, und nicht mehr der Programmierer in Tokyo oder Kalifornien.

Wie zuvor beschrieben, ist Raw kein eigentliches Dateiformat, bei dem Kamera- und Programmhersteller gefordert sind, gewisse Standards einzuhalten, damit unterschiedliche Applikationen in der Lage sind, eine Datei zu öffnen, so wie es bei JPEG und Tiff der Fall ist. Vielmehr ist Raw ein Überbegriff für alle Dateiformate, in denen das Rohmaterial des Sensors einer Kamera unverarbeitet ge­speichert ist. Jeder Hersteller kocht dabei sein eigenes Raw-Süppchen. Neben dem Nikon-NEF gibt es CRW und CR2 bei Canon und ORF bei Olympus. Diese Dateiformate sind untereinander in­kompatibel. Es ist sogar so, dass die Kamerahersteller die Informationen über Funktionsweise und Aufbau solcher Datei­formate geheim halten, um es den Mitbewerbern nicht zu einfach zu machen, für ihre eigene Software zum Umgang mit Raw-Dateien (bei Nikon Capture NX2) Alternativprodukte zu schreiben.

Das Spiel geht sogar soweit, dass die Kamerahersteller mit jeder neuen Kamera ein neues eigenes Raw-Format heraus­bringen, das auch von Software aus dem eigenen Haus erst nach einem Update gelesen werden kann. So haben wir unsere D700 bereits ein paar Tage, bevor Sie auf dem Markt erhältlich war, testen können. Bis wir allerdings die Aufnahmen in unseren Programmen zur Raw-Entwicklung – Lightroom und Aperture – betrachten konnten, vergingen Monate. In dieser Zeit war Nikon Capture NX2 die einzige Möglichkeit für uns, die Raw-Dateien zu entwickeln.

Allerdings unterstellen wir nicht, dass diese permanente Veränderung aus reiner Boshaftigkeit heraus geschieht. Etwas Marketing-Kalkül wird schon mit dabei sein, doch eine Vorwärtsentwicklung bedingt eine Veränderung – auch bei Dateiformaten. Wenn die Technik neue Möglichkeiten eröffnet, die es zuvor nicht gab, dann wird sich daraus wohl zwangsläufig ergeben, dass diese neuen Funktionen zu veränderten Dateiformaten führen und somit nicht mehr rückwärtskompatibel sind, sondern eine Anpassung der Konvertierungssoftware erfordern.

Das alles mag jetzt schrecklich kompliziert klingen und schwer zu handhaben, doch in der Praxis gehen Sie mit einer Raw-Datei nicht anders um, als mit einem JPEG – Sie haben nur mehr ­Möglichkeiten mit ihr. Das Hereinladen der Raws funktioniert so einfach, wie bei JPEGs. Kamera an den Computer anschließen, Programm starten, meist wird bei angeschlossener Kamera automatisch der Import-Dialog geöffnet, Sie wählen die Bilder aus, die Sie auf Ihren Rechner übertragen möchten und klicken dann auf ­Importieren. Der Import läuft und parallel werden die Bilder auch gleich vom Konverter interpretiert. Schon nach Sekunden können Sie in der Regel die ersten Aufnahmen betrachten und Ihren Vor­stellungen entsprechend anpassen.
Das Rohdatenmaterial des Senors bleibt bei Raw-Daten gewöhnlich bei jeder Form der Bearbeitung in jedem Fall unver­ändert, egal mit welchem Programm Sie sie bearbeiten. Sie können also Bilder beliebig bearbeiten, ohne dass die ur­sprüngliche Basis jemals verändert und eventuell verschlechtert wird. Bei einer Raw-Datei verändern Sie nicht die Datei selbst, sondern lediglich ihr Aussehen, in dem Programm, indem Sie es gerade bearbeiten.

Ein großer Vorteil von Raw-Dateien ist vor allem, dass das Material weitgehend ohne Entwicklungseingriffe vom Sensor kommt. So wird beispielsweise der Weißabgleich bei einem JPEG schon bei der Entwicklung in der Kamera auf das Bild ange­wendet. Hat der automatische Weißabbleich der Kamera dabei einmal voll ­daneben gelegen, sind in diesem Dateiformat nur mehr recht eingeschränkte Korrekturen möglich. Bei einer Raw-Datei wird der Weißabgleich nicht auf die Aufnahme angewendet. Damit können Sie in der digitalen Dunkelkammer den Weißabgleich in vollem Umfang und ohne qualitative Einschränkungen am Computer vornehmen.

Ein weiterer großer Vorteil von Raw gegenüber JPEG ist, dass Raw nicht nur 8 Bit unterstützt, sondern auch höhere Bit-Werte. Standard am DSLR-Markt sind derzeit 12 Bit. Während Sie mit 8 Bit 256 Abstufungen je Kanal zur Verfügung haben, sind es bei 12 Bit 4096 Abstufungen je Kanal ( 212 = 4096 ). Damit lassen sich weitaus drastischere Tonwertkorrekturen vornehmen, als es die 256 Stufen bei 8 Bit erlauben. Außerdem ist der Tonwertumfang bei einer 12-Bit-Datei breiter, als bei einer 8-Bit-.

Bei der Aufnahme dieses Fohlens hatten wir die Belichtungsein­stellungen nicht im Auge und das Bild völlig unterbelichtet.

Hätten wir dieses Bild als JPEG aufgenommen, dann wäre es nicht mehr möglich, das Bild in der digitalen Dunkelkammer zu ver­bessern. Der überwiegende Teil des Fells besteht aus reinem Schwarz ohne jegliche Zeichnung. Durch Anheben der Gradation wird zwar das Umfeld heller und ein paar Lichtreflexe werden mehr betont, doch schwarz bleibt auch nach der Bildbearbeitung schwarz.

Bearbeiten wir das Raw-Original mit 12 Bit in Apple Aperture nach, kommt sowohl die Räumlichkeit des Pferdekörpers, wie auch die Struktur des Pelzes zum Vorschein. Das Bild ist zwar ein extremer Fall und wird durch die Korrektur nicht gerade zum Meisterwerk, es demonstriert jedoch umso ­deutlicher, wie groß der Spielraum sein kann, wenn man den höheren Kontrast- und Tonwertumfang des Raw-Formates nützt.

Gekürzter und leicht adaptierter Auszug aus dem Buch »Nikon D700 – Das Buch zur Kamera«. Diese Auszüge sind auf dem Blog veröffentlicht:

• Die Brennweite
• Belichtung und Zonensystem
• RAW
• Das Sensorformat

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Im Zonensystem wird der Bereich von absolutem Schwarz bis absolutem Weiss in elf Zonen eingeteilt, und zwar von Zone 0 für Schwarz bis Zone 10 für Weiss. Beschreiben lassen sich diese Zonen in etwa so:

• Zone 0: Absolutes Schwarz, keinerlei Textur – im Ausdruck eine schwarze Fläche;
• Zone I: Beinahe schwarz, kaum Zeichnung – mehr oder weniger noch immer schwarz;
• Zone II: Sehr dunkler Tonwert mir ersten Anzeichen sichtbarer Textur;
• Zone III: Noch immer dunkler Tonwert, dennoch klar er­kennbare Zeichnung – die tiefen Schatten einer Aufnahme, z.B. im Schatten liegende Wälder einer Landschaftsaufnahme;
• Zone IV: Tendenziell dunkler Tonwert mit deutlich sichtbarer Zeichnung und Struktur – die Schatten einer Landschaft liegen meist in dieser Zone;
• Zone V: Mittlerer Tonwert – entspricht einer 18 % Graukarte sowie dem Tonwert der Haut eines Südländers (womit wir also nicht die Haut von Schneewittchen meinen);
• Zone VI: Tendenziell heller Tonwert – entspricht etwa dem Tonwert von Fels und Stein, Sand oder Schatten im Schnee, aber auch der Handinnenfläche aller Menschen – weshalb sich eine korrekte Belichtung auch über die Handinnenfläche messen und die Einstellung an der Kamera dann um einen Lichtwert korrigieren lässt (= Belichtungszeit verdoppeln, Blende um eine ganze Blende weiter öffnen oder Empfindlichkeit verdoppeln);
• Zone VII: Heller Tonwert, der aber nach wie vor sehr deutliche Textur und Zeichnung zeigt – entspricht etwa der Haut von Schneewittchen;
• Zone VIII: Sehr heller Tonwert – wenn Sie eine Winterlandschaft fotografieren und noch einen Rest von Zeichnung im Schnee erkennen wollen, sollte er in dieser Zone liegen;
• Zone IX: Beinahe weiß – praktisch keine Zeichnung mehr zu erkennen – in dieser Zone ist Ihr Bild kurz davor in Spitzlichter auszubrechen;
• Zone X: Absolutes Weiß ohne jegliche Zeichnung – eine Belichtung mit großen Flächen in dieser Zone ist oft kaum mehr zu retten.

Was hilft Ihnen nun dieses Zonensystem? Gibt es an Ihrer Kamera einen Schalter bei dem Sie die richtige Zone einstellen können?

Ja und nein. Zwar findet sich dieser Schalter an keiner Kamera, die uns geläufig wäre, aber dennoch ist es von entscheidender Bedeutung für die Art, wie Ihre Bilder belichtet werden. Wenn Sie die oben stehende Liste noch einmal durchgehen, dann können Sie sich vielleicht vorstellen, dass Ihre Kamera kaum versuchen wird, ein Bild für Zone 0 oder X optimiert zu belichten. Auch Zone II, III, VIII und IX klingen nicht wirklich danach, dass Sie in diesen Bereichen umwerfende Ergebnisse erzielen könnten. Das Optimum liegt wie so oft in der Mitte, der Zone V. In diesem Bereich liegt die ausgewogendste Be­lichtung vor.

Natürlich finden Sie in in fast jedem Motiv Bereiche, die in Zone I liegen, und welche die in Zone X anzusiedeln sind. Der Durchschnitt der Tonwerte in einem durchschnittlichen Bild ergibt aber meist einen mittleren Grauwert. Wenn Sie über Adobe Photoshop verfügen, dann können Sie dazu einen ganz einfachen Test durchführen: Öffnen Sie ein Bild, das man weder als High- noch als Low-key-Bild bezeichnen kann, und wählen Sie im Menü Filter • Weichzeichnungsfilter • Durchschnittsberechnung. Als Ergebnis werden Sie eine mehr oder weniger farbig gesättigte Fläche erhalten, die, auf einige Prozent auf oder ab, einem ­mittleren Tonwert von 50 % entspricht.

Ein Bild mit einer mehr oder ­weniger durchschnittlichen Helligkeitsverteilung. Wir haben darauf in Photoshop den Filter Durchschnittsberechnung angewendet und erhalten eine Fläche mit einem Grauwert von 58 %, also im mittleren Tonwertbereich (unten).

Natürlich können Sie jetzt einwenden, dass das Bild eines Golfballs im Schnee keinen mittleren Grauwert ergeben kann. Doch deshalb haben wir im letzten Absatz ja High-key-Bilder – um was es sich dabei ja handeln würde – und Low-Key-Bilder aus­geschlossen. Doch genau bei dieser Art der Bilder liegt der Hase im Pfeffer!

Solange Ihr Motiv global etwa der Zone V entspricht, arbeitet die Automatik Ihrer Kamera absolut zuverlässig. Wenn Sie aber einen Golfball im Schnee fotografieren wollen, dann versucht die Kamera – obwohl das Motiv selbst absolut high High-key wäre – die Belichtung so zu steuern, dass der Durchschnitt einem mittleren Tonwert, also der Zone V entspricht. Dabei darf man der Kamera natürlich nicht böse sein, denn Sie kann weder mit dem Begriff Golfball, noch mit dem Begriff Schnee etwas anfangen. Amateurkameras haben deshalb oft spezielle Programme für Motive wie Schneelandschaft, mit der Sie sie auf die Szene »seelisch« vorbereiten können. Wenn Sie jedoch nicht mit solchen Motivprogrammen arbeiten wollen, dann erwartet die Kamera von Ihnen, dass Sie die Einstellungen zur optimalen Belichtung vornehmen, wenn Sie High- oder Low-key aufnehmen wollen.

Machen Sie einmal folgenden Test: Legen Sie einen schwarzen, einen grauen und einen weißen Karton auf den Boden, stellen Sie die Kamera auf Zeit- oder Blendenpriorität oder auf Programmautomatik (nicht auf Manuell!). Erstellen Sie dann von jedem Karton je eine Aufnahme, so dass auf dem Bildbereich nur der Karton zu sehen ist – nichts vom Boden drum herum! Sie werden dazu sicher auf manuelle Scharfstellung umstellen müssen, da die Kamera auf den kontrastlosen Karton mit Sicherheit nicht scharf stellen wird. Um die Schärfe brauchen Sie sich bei diesen Aufnahmen aber ohnehin nicht zu kümmern – sie ist für unser Experiment belanglos.

Nachdem Sie die Aufnahmen gemacht haben, betrachten Sie die Bilder von schwarzem, grauem und weissem Karton auf dem Kamera-Display – wenn Sie wollen auch auf Ihrem Bildschirm. Falls Sie den automatischen Weissabgleich aktiviert hatten, werden die drei Bilder vielleicht vom Farbton her leicht abweichen, aber in punkto Helligkeit sollten alle drei kaum zu unterscheiden sein.

Sie brauchen kein Stativ für diesen Test, sondern können locker aus der Hand heraus auf die Kartons abdrücken.

Schwarzer Karton, Blendenpriorität auf Blende ƒ 8 – die Kameraauto­matik hat mit 1/20 Sek. belichtet.

Grauer Karton, Blendenpriorität auf Blende ƒ 8 – die Kameraautomatik hat mit 1/6 Sek. belichtet.

Weißer Karton, Blendenpriorität auf Blende ƒ 8 – die Kameraautomatik hat mit 3/4 Sekunde belichtet.

Wie unser Experiment beweist, ist die Automatik Ihrer Kamera stets bemüht, das Motiv so zu belichten, dass der Durchschnitt einen mittleren Tonwert ergibt.

Nehmen wir unser Experiment einmal aus der reinen Theorie heraus, und machen einen ähnlichen Versuch mit einem Motiv, wie es in der Praxis eher vorkommen kann. Dazu haben wir uns einen schwarzen und einen (fast) weissen Kamm besorgt und versucht, diese beiden jeweils auf einem gleichfarbigen Karton zu belichten. Die Ergenisse sehen Sie in den kleinen Abbildungen auf der gegenüberliegenden Seite.

Unsere beiden Models gemeinsam auf mittelgrauem Karton – damit kommt die Kameraelektronik noch einiger­maßen zurecht.

Schwarz oder Antrazit? Auf jeden Fall Zone V. Die Kamera war auf ein Low-key-Bild im wahrsten Sinne des Wortes nicht eingestellt.

In der digitalen Nachbearbeitung wird der Kamm, und vor allem der Karton dahinter, eher als schwarz identifizierbar.

Auch hier tendiert die Kameraautomatik in den mittleren Bereich – das Bild ist völlig unterbelichtet.

Etwa so, wie hier nach der Bearbeitung mit Apple Aperture und Adobe Photoshop, sollte das Bild aussehen. Auch hier war die Kamera nicht auf die Lichtsituation – diesmal ein High-Key-Bild – eingestellt.

Fazit: Die Automatik Ihrer Kamera ist perfekt in der Lage, ein durchschnittliches Motiv mit einer durchschnittlichen Helligkeitsverteilung optimal zu belichten. Der Durchschnitt der Helligkeitsverteilung in einem durchschnittlichen Motiv ergibt immer einen durchschnittlichen Tonwert von mehr oder weniger 50 %. Da aber das durchschnittliche Motiv in der Praxis so oft vorkommt, wie der deutsche Mann der einer deutschen Durchschnittsgröße von 1,78 entspricht, führen Sie gezielte Kameraeinstellungen fast immer eher zum erwünschten Ziel als wenn Sie sich auf den Autopiloten in der Kamera verlassen.

Gekürzter und leicht adaptierter Auszug aus dem Buch »Nikon D700 – Das Buch zur Kamera«. Diese Auszüge sind auf dem Blog veröffentlicht:

• Die Brennweite
• Belichtung und Zonensystem
• RAW
• Das Sensorformat

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Kamera, Einstellungen und Equipment:

Canon EOS 400D
ƒ11, 2.5sec, ISO 100, 27mm (43mm KB)

Fotografiert mit Stativ Manfrotto 190XProB

Spiegelvorauslösung und Fernauslöser

Wie lange für den Schimmelpilz?

Wasser fliesst und bewegt sich – Wasser lebt!. Um diese Bewegung zu visualisieren reichen schon wenige Zehntelsekunden, abhängig von der Fliessgeschwindigkeit. Bei einem flachen Bach wie diesem, kann man die Belichtungszeit schon mal etwas nach oben drehen. Je länge belichtet wird, desto drastischer wird der »Schimmelpilzeffekt«. Es sollten auch hier ein paar Aufnahmen gemacht werden, um die ideale Belichtungszeit zu eruieren. Versuche können bei einem kleinen Wasserfall bereits ab einer halben Sekunde beginnen.

Mittlere Abblendung für optimale Schärfe

Die Schärfentiefe ist abhängig von der Blendenöffnung. Jo grösser die Öffnung, also je kleiner die Blendzahl, desto geringer ist die Schärfentiefe. Bei Landschaftsaufnahmen empfiehlt es sich deshalb, die Blende etwas zu schliessen. Aber Achtung: die meisten Objektive arbeiten im mittleren Blendenbereich am Besten. Ein Objektiv auf Blende ƒ22 einzustellen ist oftmals Kontraproduktiv. Deshalb mit Blende ƒ8 – 11 arbeiten. Wenn man dann noch im Weitwinkel und Normalbereich (Brennweite 50mm und kleiner) arbeitet, hat man mit der Schärfentiefe keine Probleme.

Auf die Knie!

Der Standpunkt ist ein wichtiges Kriterium für gelungene Aufnahmen. Ein Stativ aufstellen um auf Normalhöhe fotografieren zu können wirkt je nach Aufnahme ziemlich langweilig. Generell gilt: je ungewöhnlicher der Standpunkt, desto interessanter das Bild, da es sich von unserem gewohnten Sehen abhebt. Bei diesem Bild hat sich der Fotograf ganz tief runter gewagt um möglichst Nahe am geschehen zu sein. Durch den tiefen Standpunkt und der fehlenden Live-View Kontrolle ist das Bild auch ein wenig in Schieflage geraten. Solche Fehler lassen sich am Computer problemlos korrigieren.

Farbe ist dein Freund

Keine Aufnahmen in Schwarzweiss mit Digitalkameras. Zwar sind viele Kameras mit diversen Softwarefiltern ausgerüstet, doch Farbe die einmal weg ist, kann man nie wieder  zurück holen! Deshalb die Schwarzweissumwandlung in einem Bildbearbeitungsprogramm vornehmen und mit den Farbfiltern experimentieren. Mit der Zeit versteht man die Einflüsse von Rot- Grün- und Blaufilter und kann viel mehr aus den Farbausnahmen heraus holen!

Morgenstund hat Gold im Mund

Das Wetter sollte nicht ausser acht gelassen werden. Strahlender Sonnenschein ist nicht umbedingt des Fotografen Lieblingswetter. Zu hart sind die Schatten und Kontraste. Ideal ist ein freundlicher Tag mit grossen Wolken, welche sich wie riesige Softboxen über dem Himmel ausbreiten. Dann ist genügend Licht vorhanden und die Schatten sind schön weich. Wer den harten Schatten am Tag aus dem Weg gehen möchte, sollte früh morgens zur goldenen Stunde oder spät abends, zur blauen Stunde auf Tour gehen. Diese Aufnahme entstand in einem Waldstück im Hochsommermorgens um 07.00 Uhr. Wäre es an diesem Tag nicht leicht bewölkt gewesen, würden die Schatten deutlich stärker auftreten. Für tolle Aufnahmen muss man sich also schon mal morgens um fünf aus dem Bett quälen.

Übrigens hat auch Markus ein äusserst gelungens Bild zu diesem Thema in seinem Flickrprofil gepostet unter dem Titel «Hast & Ruh»

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Kamera, Einstellungen und Equipment:

Canon EOS 400D
ƒ5.6, 30sec, ISO 100, 50mm (80mm KB)

Fotografiert mit Stativ Manfrotto 190XProB

Spiegelvorauslösung und Fernauslöser

1. Ohne Stativ geht nichts

Langzeitbelichtungen erfordern immer ein Stativ oder eine geeignete Unterlage auf der die Kamera platziert werden kann. Schon ab Belichtungszeiten kleiner dem Kehrwert der Brennweite (also bei Brennweite 50mm Beispielsweise 1/50sec) sind scharfe Freihandaufnahmen nur mit äusserst ruhiger Hand möglich und dann spricht man kaum mehr von Langzeitbelichtung. Billigstative für ein paar Euro taugen relativ wenig, da sie instabil sind und sich die Kamera oftmals nicht wie gewünscht positionieren lässt. Wer etwas kleines und kompaktes für Unterwegs benötigt, ist mit einem Gorillapod sehr gut bedient. Für ernsthafte Fotografie lohnt sich die Anschaffung eines guten Stativs mit Kopf und Schnellwechselplatte.

2. Finger Weg!

Bei der Aufnahme auf dem Stativ empfiehlt sich der Einsatz eines Fernauslösers und das Zuschalten der Spiegelvorauslösung bei Spiegelreflexkameras. Denn durch das Hochklappen des Schwingspiegels wird die Kamera in Schwingung versetzt, was zu unscharfen Aufnahmen führen kann. Durch die Vorauslösung wird als erstes der Spiegel hoch geklappt und erst 2 Sekunden später das Bild aufgenommen. Dies ist etwa die Zeit, welche die Kamera benötigt um Schwingungen abzubauen wenn die Mittelsäule des Stativs eingefahren ist. Sollte kein Fernauslöser zur Hand sein, kann auch mit dem Selbstauslöser gearbeitet werden, welcher oftmals auf 2sec eingestellt werden kann.

3. Raw, Raw, Raw

Eigentlich spielt es keine Rolle, welche Art von Aufnahmen man erstellen will, nutzt , wenn die Kamera die Funktion bietet, das RAW Aufnahmeformat. Wie ihr bei dieser Aufnahme seht, wird das Bild mit automatischem Weissabgleich sehr gelbstichtig. Schuld ist die Wolfram-Strassenbeleuchtung welche eine Farbtemperatur von ca. 2800K besitzt. Der automatische Weissabgleich vieler Kameras arbeitet aber gerade mal bis 3500K. Ein manueller Eingriff ist je nach Kameramodell bis 2500K möglich. Die Beurteilung des »richtigen« Weissabgleichs ist am Kameramonitor nicht ganz so einfach. Mit dem RAW Format lässt sich der Weissabgleich bequem im nachhinein am Computer einstellen und erzielen deutlich bessere Resultate. Auch das aufhellen von dunklen Stellen oder das reduzieren von Spitzlichtern ist mit RAW möglich. Im Allgemeinen spricht man von einer halben Blendenstufe die korrigiert werden kann. Im JPG ist das nicht mehr möglich. Weiss bleibt weiss und schwarz bleibt schwarz.

4. Langzeit kommt vor ISO

Die Aufnahme wurde mit ISO 100 erstellt und das bei 30 Sekunden. Nun könnte man den ISO Wert hochschrauben um die Belichtungszeit zu verkürzen. Bei ISO 200 hätte man gerade noch 15 Sekunden, bei ISO 400 noch 7.5 sec belichten müssen. Allerdings steigt mit Erhöhung des ISO Wertes auch das Bildrauschen an. Der Praxisvergleich zeigt, dass die Langzeitbelichtung der Erhöhung des ISO Werts vorzuziehen ist. Allerdings kann bei extrem langen Belichtungszeiten ebenfalls ein Rauschen zu Tage treten. Da durch die lange Belichtungszeit der Sensor sich zu erwärmen beginnt, kann wie bei der Signalverstärkung (Erhöhung des ISO-Werts) ein Rauschen festgestellt werden. 30 Sekunden stellen aber noch keine Probleme dar.

5.  Konzentration auf die Details

Grundsätzlich sollte schon bei der Bildaufteilung darauf geachtet werden, dass keine störenden Gegenstände im Bild sind. Bei dieser Aufnahme konnte das parkierte Auto leider nicht verschoben werden. Eine Verschiebung des Fotografen nach links hätte von der Bildaufteilung nicht mehr gepasst und die Lichtquelle wäre nicht mehr so schön zur Geltung gekommen. Da sich das Auto aber in einem dunklen Bereich befindet, lässt sich dieses mühelos in einem Bildbearbeitungsprogramm entfernen.

6. Ändere den Blickwinkel

Wer ein Motiv entdeckt hat, das einen fasziniert und gefällt sollte immer mehrere Aufnahmen machen. Vom gleichen Standpunkt mit verschiedenen Einstellungen und auch von etwas versetzten Standpunkten. So ist die Wahrscheinlichkeit grösser, das dann wirklich DAS Bild dabei raus kommt, welches man an Ort und Stelle gesehen hat. Oftmals sind es eben Kleinigkeiten, welche einem erst zu Hause am Bildschirm ins Auge springen.

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Aber auch die anderen Bilder sind äusserst gelungen. Besonders gefällt mir das Bild mit dem Namen »The Royal Crescent – Bath«  oder die Serie »A day in the life of my mouth« So abstrakt und unnatürlich und trotzdem echt und autentisch, absolut gelungen!

Übrigens: am 26. April 2009 ist wieder mal der »Wolrdwide Pinhole Photography Day«. Weitere Infos auf der Homepage pinholeday.org

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Am Samstag war das Wetter in Köln gar nicht so schlecht. Ein leichter Dunstschleier lag über der Stadt, es war bitterkalt aber soweit eigentlich ganz heiter. Da ich überhaupt noch nie in Köln war und auch Marike »erst« seit einem Jahr in Köln studiert, gingen wir gemeinsam auf Entdeckungsreise. Der Dom musste natürlich fotografiert werden, doch versuche ich stets Dinge die schon zig mal fotografiert wurden, neu zu fotorafieren. Dies ist nicht immer so einfach. Einen Trick den man anwenden kann, ist das eigentliche Subjekt, als Nebendarsteller mit auf Bild zu holen.

Als wir am anderen Rheinufer spazieren gingen, sind mir die Kandelaver aufgefallen, welche nahe am Ufer standen. Durch ein wenig Bewegung und Blick durch den Sucher, habe ich dann eine Position gefunden, bei der sich der Dom zwar so richtig wichtig in die Mitte drängt, er doch aber durch die Laternen deutlich an Bedeutung verliert. Die Laternen stehen ganz klar im Vordergrund und ziehen als erstes die Aufmerksamkeit auf uns. Durch die Anordnung im Bild ergibt sich ein Dreieck, welches den Blick umher wandern lässt. Der Kölner Dom in der Mitte agiert dann wieder als Blickfang welche trotz der ziemlich zentralen Anordung, alles andere als langweilig wirkt.

Natürlich durfte auch der Besuch im Dom nicht fehlen. Der Dom ist eine überaus beeindruckende Sehenwürdigkeit. So hoch er von Aussen scheint, das wahre Volumen wird erst im inneren sichtbar. Furchteinflössend und aufregend zugleich, ein gewaltiges Bauwerk mit viel Liebe zum Detail.

Wie schon erwähnt hatten wir am Samstag noch einigermassen gutes Wetter und zwischen durch zeigte sich auch mal die Sonne. Ich habe es meienr aufmerksamen Begleitung zu verdanken, dass ich nebenstehendes Foto machen konnte. Durch das Südfenster, welches aus lauter farbigen Punkten bestehet, viel kräftiges Sonnenlicht ein und die sonst so bider und kalt wirkende Innenwand war plötzlich mit wunderschönen Lichtpunkten versehen. Ein Lichtspektakel das sich Abseits der sonst so berühmten Figuren, Säulen, etc. abgespielt hat. Es lohnt sich halt immer Augen im Hinterkopf zu haben und seien es die der wachsamen Begleiterin

Vom Dom aus, welcher direkt beim Hauptbahnhof ist, führ die Eisenbahnbrücke über den Rhein welche auch zu Fuss überquert werden kann. Auch eine kleine Touristenattraktion, denn auf der Brücke sind am Geländer lauter Vorhängeschlösser befestigt, auf denen Name und Datum verliebter Paare eingraviert ist.

Oft habe ich Touristen gesehen, die Schlösser abknipsen. Ich habe mich dann mal dazu gestellt und so einen Schnappschuss nachgestellt. Der zeigt zwar schön um was es hier geht, nämlich Schlösser an einem Zaun auf einer Brücke auf welcher Züge fahren, doch ist das Foto alles andere als interessant.

Nun gibt es auch hier verschiedenste Varianten wie man ein Bild visuell ansprechender Gestalten könnte. Nachfolgend einfach mal ein paar Ideen kurz beschrieben.

Anstelle alles einfangen zu wollen, kann man sich auf einen Ausschnitt beschränken. Die schönen vorhanden Linien kann man nutzen. Man begibt sich dafür einfach ein wenig in die Hocke, auf Augenhöhe des Objekts (sowieso eine gute Möglichkeit ein Bild interessanter zu gestalten, wenn man sich auf Augenhöhe mit dem Objekt befindet). E voila, das Bild wirkt schon deutlich interessanter auch wenn noch nicht ganz überzeugend. Es gibt aber etwas zu entdecken, das Bild erzählt eine Geschichte, denn plötzlich wird man neugierig und man fragt sich vielleicht: Sind Verna und Micha 3 Jahre später wohl noch immer glücklich zusammen?

Eine weiter Möglichkeit ist die Beschränkung auf ein Detail. Mit grosser Brennweite und möglichst geringem Abstand habe ich mich einem farblich ansprechenden Schloss angenähert. Durch die grosse Brennweite und der grossen Blendenöffnung, verschwindet trotz des kleineren Sensors der Fuji S100FS, der Hintergrund in der Unschärfe. Der Blick wird auf das Wesentliche gelenkt. Durch die Nahe Distanz und der Grösse sieht man das Schloss im Detail und das ziemlich gross. Der unscharfe Hintergrund mit den riesigen Lichtpunkten bilden einen schönen Gegenpol zum mächtig wirkenden Schloss.

Wenn man es noch weiter treiben möchte, kann man ganz radikal werden und alles in der Unschärfe verschwinden lassen. Dieses Bild eignet sich vielleicht nicht als Erinnerungsfoto an gesehenes oder für eine Präsentation, hat aber durch die verzogene in pastell Farben gehaltene Struktur einen malerischen Charakter und könnte gut seine Wirkung grossformatig an einer Wand verbreiten.

Nachdem ich mich um die Schlösser gekümmert hatte, gingen wir noch zum berühmten Melatenfriedhof. Den Tipp habe ich mir beim Photospion in seinem Artikel »Auf Motivsuche« abgeholt. Der Friedhof ist wirklich eine Augenweide und es ist schade, dass es schon dämmerte und das Wetter so trist war. Nicht dass dies nicht zu einem Friedhof passen würde, doch uns war kalt und der Friedhof wurde dann auch um 17.00 Uhr geschlossen. Schade auch, dass das Wetter am Sonntag und Montag sich nicht mehr besserte. Ich werde dem Melatenfriedhof bei meinem nächsten Kölnaufenthalt aber bestimmt wieder einen Besuch abstatten.

Am Montag fuhr ich dann mit dem ICE Richtung Frankfurt. Dort war das Wetter noch grausliger als in Köln. Nichts desto trotz habe ich mich am Nachmittag auf die Socken gemacht und bin die Innenstadt von Frankfurt, sowie das Museumsufer etwas abgelaufen. Wenn man dem garstigen Wetter etwas postives abgewinnen kann, dann das sich Bilder erstellen lassen, welche sich vom Kitsch (blauer wolkenloser Himmel zum Beispiel abheben). So tauchen die Wolkenkratzer der Frankfurter Innenstadt bei genügend Abstand in die Nebeldecke ein. Das obere Ende ist nicht mehr zu sehen, was die Wolkenkratzer noch bedrohlicher und grösser erscheinen lässt. Wegen des trüben Wetters, habe ich das Bild mittels Photoshop in ein Schwarzweissbild konvertiert.

In der Nacht wirkt dies durch die Lichter von Häuseren, Strassenlaternen, Autos etc noch viel stärker. Wie bei diesem Panorama, aufgenommen mit 8 Einzelaufnahmen von der Aussichtsplattform des neuen Kaufhauses.

Wegen des schlechten Wetters habe ich aber deutlich weniger Bilder gemacht als ich eigentlich wollte. Trotzdem bin ich mit der Ausbeute schlussendlich ganz zufrieden und finde, ich habe das Beste aus der Situation gemacht

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Ich habe schon mal ausführlich darüber berichtet mit den vier Artikeln »RAW – Was interessiert mich der Weissabgleich?«, »RAW – Verdecktes sichtbar machen«, »RAW – Schwarzweiss mit Farbe« und »RAW – Etwas HDR muss sein«. Dennoch möchte ich hier nochmal ein Extrembeispiel aufführen.

Letzten Samstag fand in St.Gallen die Ferienmesse statt. Mein Freund und Autor Amor Ben Hamida hatte die Ehre auf der Bühne eine Lesung halten zu dürfen zu seinen Büchern »Mit arabischen Grüssen« und »Der träumende Kameltreiber«. Das Lichtverhältnisse waren alles andere als einfach. Neben der relativ geringen Bühnebeleuchtung war es auch nicht weisses Kunstlicht sondern ein Mix aus gelbem und rotem Schweinwerferlicht. Eine echter Herausforderungen für den automatischen Weissabgleich. Den Test hat er leider nicht bestanden, was sich aber wie folgt erklären lässt: Der automatische Weissabgleich der D700 – welche mir Markus freundlicherweise geliehen hat und ich nur ungern wieder zurück gebe – arbeitet in einem Farbtemperaturbereich von 3500K bis 8000K.

Das gelb-rötliche Licht der Bühnenbeleuchtung kam aber deutlich kälter daher.  Daher fiel das aufgenommene Ergebnis deutlich gelbstichig ja schon fast rotstichig aus. Der Kopf wirkt sogar schon fast feurig rot. Obwohl dies die tatsächlich vorhandene Lichtstimmung wiederspiegelt, ist die Aufnahme wenig schmeichelhaft für den Autor. Im Hemd ergeben sich zudem sehr unschöne gelbe Flecken die auf ein ausbrechen der Farbe hinweisen. Zeichnung versucht man in diesen Stellen vergeblich.

Nun hätte ich die Möglichkeit gehabt, den Weissabgleich der D700 manuell einzustellen. Der tiefste zu erreichende Wert liegt bei der D700 bei 2500K, was für diese Aufnahme aber immernoch zu warm ist.

Ich habe das in Adobe Photoshop Lightroom mal simuliert, wie das Ergebnis bei manueller Einstellung etwas ausgesehen hätte. Das Ergebnis ist wesentlich besser. Das Hemd wirkt schon deutlich natürlicher und auch die Hautfarbe wirkt deutlich reduzierter. Nur aber weil wir oben ein Vergleicbhild haben, die gelbrötlichen Farben sind noch deutlich auszumachen.

Nun, glücklicherweise habe ich im RAW Format fotografiert und konnte mit der Pipette einen neutralen Graupunkt im Bild anwählen. Ich habe hier das Hemd genommen, welches ein ziemlich gutes Ergenis geliefert hat (war also neu oder mit weisser Riese gewaschen worden ). Gemäss Lightroom liegt der Weissablgeich nun auf der tiefsten einzustellenden Temperatur von 2000K. Noch eine leichte Verschiebung ins Grün um dem Rotstich entgegen zu wirken. Das Ergebnis wirkt beinahe lichtneutral und deutlich angenehmer.

Nun hätte ich das erste Bild in JPG aufnommen, wären die Möglichkeiten relativ stark eingeschränkt gewesen. Ich habe ebenfalls mit Lightroom versucht das JPEG Bild zu korrigieren. Das Ergebnis ist aber nicht zufriedenstellend. Das Hemd bekommt man im Farbton noch einigermassen weiss hin, aber die unschönen ausgebrochenen Stellen bleiben und sehen furchtbar aus. Auch der Kopf wurde trotz reduktion der Rot und Gelbtöne in der Sättigung nicht verbessert. Das Ergebnis ist schlicht unbrauchbar!

Wie Anfangs erwähnt ist dies eine Extremsituation und die automatischen Weissablgleiche der Kamera funktionieren inzwischen bei normalen Lichtbedingungen relativ zuverlässig. Trotzdem gibt man einiges aus der Hand, wenn man sich auf JPEG bei der Aufnahme beschränkt.

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Ich wurde bereits im Vorfeld informiert, das ein weiterer Fotograf (engagiert von dem Ensemble) anwesend sein wird. Ich habe mir nichts weiter dabei gedacht, denn oftmals tauchen dann »Knipser« auf mit einer kleinen Kompakten. Als ich aber schon den Raum betrat blitze mir die D3 und das Nikkor 70-200mm 2.8 ins Auge. Aufgeschnallt war ebenfalls das Nikkkor 24-70mm wie auf meiner Kamera. Der Unterschied machte der SB-900 auf dem Boliden. Nunja ich war etwas überraschat ab dem Profiequipment und dachte mir: »Hola, heute hast du mal Konkurenz«.

Doch ich durfte auch heute erfahren, dass gutes Equipment alleine noch keinen guten Fotografen macht. Dabei meine ich jetzt nicht die fotografische Qualität, denn ich habe keines seiner Bilder gesehen. Wer zu leisen Tönen einer Geige und einem Akordeon welches von einer lieblichen und leisen Stimme begleitet wird den Fingern nicht vom Abzug bringt und mit dem Blitzlicht und dem klappernden Spiegel die Stimmung ruiniert, darf sich wohl nicht Fotograf schimpfen. Mir ist solches (Fehl-)Verhalten bei Fotografen übrigens schon des öftern aufgefallen. Zu gross ist die Gier nach DEM perfekten Bild, so dass die Umgebung dabei völlig vernachlässigt wird.

Ein guter Fotograf sollte bei solchen Anlässen stets im Hintergrund agieren, die Dinge passieren lassen und als Beobachter fungieren. Lieber auf einige Motive verzichten und dafür die Gunst des Publikums gewinnen als böse Blicke zu ernten.

So, das musste mal gesagt werden

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Nun einen Kabelauslöser kaufen würde Abhilfe schaffen, aber es geht auch anders. Für ein Maximum an Schärfe ist sowieso noch ein weiterer Schritt notwendig, denn es soll jegliche Erschütterung vermieden werden. Ein Problem beim Auslösen einer (D)SLR ist das hochklappen des Schwingspiegels. Die Beschleunigung und das abrupte abbremsen dieser Bewegung lässt die ganze Kamera erzittern. Die Bewegungen sind nur sehr geringfügig und mit blossem Auge nicht zu erkennen. Da wir aber wissen, dass ein Pixel bei der EOS 400D gerade mal 0.005mm gross ist, leuchted auch ein, dass schon sehr feine Bewegungen zu einer Unschärfe führen können.

Da dies eine bekannte Problematik ist, haben uns die Ingenieure von Canon eine Funktion zur Verfügung gestellt bei welcher der Schwingspiegel schon vor der eigentlichen Aufnahme hochklappt. Im Einstellungs-Menü 2 findet man bei den Individualfunktionen und Punkt 07 die »Spiegelverriegelung«. Der Name ist etwas unglücklich, da es eigentlich keine Verriegelung sondern eine Auslösung ist. Andere Hersteller nutzen den Begriff »Spiegelvorauslösung« was auch mir wesentlich sympathischer ist. Aber ja Hauptsache wir finden den richtigen Menüpunkt.

Stellen wir diesen Menüpunkt auf 01, also eingeschaltet, so wird nun beim ersten Drück des Auslösers der Schwingspiegel hochgeklappt. Erst durch erneutes Drücken wird das Bild aufgenommen.

Es macht natürlich keinen Sinn diese Funktion zu aktivieren, wenn man weiterhin von Hand auslöst. Die Funktion ist gedacht sie mit einem Kabelauslöser zu bedienen. So bleibt die Kamera unberührt und absolut ruhig. Sie funktioniert aber auch in Kombination mit dem Selbstauslöser und hier kommt nun die Überraschung. Im Gegensatz zum normalen Selbstauslöser von 10sec reduziert er sich in Kombination mit der Spiegelvorauslösung auf 2sec. Das Erklärt sich damit, dass die Kamera nach 2sec alle Schwingungen abgebaut hat und wieder ruhig dasteht. Diese Variante ist durchaus eine Alternative zum Kabelauslöser auch wenn er diesen bei gewissen Situationen nicht ersetzten kann.

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Von Verzeichnung sprechen wir, wenn sich das Bild tonnenförmig oder kissenförmig wölbt. Bei der kissenfömigen Verzeichnung werden die Ränder nach innen gedrückt, bei der tonneförmigen passiert genau das Gegenteil. Das Bild links zeigt eine eindeutig tonneförmige Verzeichnung und ist sehr unschön. Markus hat dieses Bild für sein Photoshop CS3 Buch in Photoshop überarbeitet und die Verzeichnung bestmöglich auskorigiert. Das Resultat seht ihr hier.

Von Verzerrung sprechen wir, wenn an und für sich paralle verlaufende Linien sich plötzlich in einem Winkel zu einander stehen. Besonders fällt das bei Weitwinkelaufnahmen auf oder bei stürzenden Linien eines Hochhauses das man fotografiert hat. Das Gebäude wirkt, als würde es gleich nach hinten umkippen.

Ich glaube wir sind uns einig, dass wir an solchen Bildern oftmals keinen gefallen finden oder wir zumindest stets etwas daran auszusetzten haben. Nun gibt es ja zum Glück Software, welche uns hilft solche Schönheitsfehler zu korrigieren. Wer nun glaubt mit Photoshop die beste Lösung in den Händen zu halten irrt gewaltig. Die Objektivkorrektur von Photoshop (CS3) ist mehr als dürftig, und Photoshop Elements, welches sich eigentlich an Fotografen wendet, bietet diesen Verzerrungsfilter nicht mal an

Sind wir froh, dass es noch Leute gibt welche für wenig Geld wirklich gute Software herstellen. Auch wenn dies bedeuted das Bild in einem externen Programm zu bearbeiten, kann man sich doch einiges an Zeit und Ärger ersparen. Eines dieser Programme möchte ich hier kurz vorstellen da ich von der Funktionalität überzeugt bin. PTLens ist eine kleine Software und sowohl für Mac als auch PC erhältlich. Getreu nach dem Motto »Try before buy« kann man in der Testversion 10 Bilder bearbeiten und das ohne Einschränkung. Das Programm liest RAW-Files und ermittelt aus den EXIF Daten das Kameramodell, das verwendete Objektiv und die Brennweite (auch wenn das bei mir nicht funktioniert hat?). Dabei werden Verzeichnungen bereits eleminiert und man muss sich nur noch um die Verzerrung kümmern.

Kurz den Raster einschalten, diese auf eine sinnvolle Grösse einstellen und die Regler betätigen bis das Ergebnis passt. Das geht im Normfallfall innert Sekunden und führ zu hervorragenden Ergebnissen. In den Einstellungen kann man wählen ob das neue Bild als Jpg oder Tiff gespeichert werden soll. Ich denke vom Bearbeitungsprozess macht es Sinn, diese Korrektur am Ende durchzuführen. So kann ich auch mehrere Varianten anlegen, ohne die einzelnen Bildkorrekturen jedesmal von Neuem erstellen zu müssen.

Die Software kostet 25$ und ist ein wirkliches Schnäppchen. Ein Freund aus meinem M-Art Kurs verbringt Sonntage damit, seine Bilder mit Photoshop gerade zu biegen. Ich denke die 25$ könnte man für dümmeres ausgeben.

Link: http://epaperpress.com/ptlens

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Doch was fasziniert an einer Lochkamera? Ich besuche zurzeit einen Kurs bei der experimentelle Fotografie ein grosses Thema ist. Die Lochkamera ist ein kleines Teilgebiet daraus und fasziniert mich persönlich sehr. Der Kreativität sind kaum Grenzen gesetzt und es lassen sich verschiedene Materialen einsetzen, halt alles was lichtempfindlich ist. Dies macht auch vor digitalen Spiegelreflexkameras keinen halt. Ohne Objektiv kann die Gehäuseöffnung ebenfalls zu einer Lochkamera umfunktioniert werden.

Das Fotografieren ohne Sammelinse und extrem kleiner Blendenöffnung hat den Vorteil einer beinahe unendlichen Schärfentiefe und verzeichnungsfreier Aufnahme. Eine Lochkamera besitzt, abhängig von der Brennweite (also Abstand Loch bis Filmebene) ein Blendenverhältnis zwischen 1/100 bis 1/500. So ist das Loch bei einer Brennweite von Beispielsweise 50mm gerade mal 0.27mm gross für eine ideale Schärfe. Diese Präzisionslöcher können im Fachhandel gekauft werden. Sie sind Rund und in eine dünne Metallfolie gebohrt oder gefräst. Jegliche Verformung oder Grate würden das Bildergebnis negativ beeinflussen.

Doch weshalb das kleine Loch und wie funktioniert so eine Kamera? Alles was wir sehen basiert darauf, das Licht reflektiert wird. Licht das aber beispielsweise diesen Kirchturm trifft, wird ungerdnet in alle Richtungen reflektiert. Die Lochkamera lässt jetzt aber nur einen kleinen Teil dieses reflektierten Lichts passieren und bildet dieses dann spiegel– und seitenverkehrt ab. Je nachdem wie gross nun das Loch einer Lochkamera ist, wir der Punkt auf dem Filmmaterial schärfer oder weniger scharf abgebildet. Man spricht dann vom sogenannten Unschärfekreis welchen wir ab einer Grösse von ca. 0.03mm als unscharf empfinden. Je grösser also das Loch, desto grösser der Unschärfekreis. Damit erklärt sich im übrigen auch das Verhalten der Blende, was ja nicht anderes ist, als eine Öffnung die Licht passieren lässt. Grosse Öffnung = kleine Schärfentiefe, da schnell grosse Unschärfekreise entstehen. Der Unterschied zur Lochkamera liegt lediglich bei der Sammellinse, welche es uns ermöglicht auf eine gewisse Distanz scharf zu stellen. Diese Möglichkeit haben wir bei der Lochkamera nicht, brauchen wir aber auch nicht, da sowieso praktisch alles scharf abgebildet wird.

Durch das kleine Loch sind aber sehr lange Verschlusszeiten notwendig, auch bei guten Lichtbedingungen. Das kann bis zu Stunden dauern. Die richtige Belichtung zu errechnen ist gar nicht so einfach. Ich habe vor einigen Wochen versucht, den Hauptbahnhof in Zürich in einem 180° Panorama abzulichten. Dies ist im übrigen ein weiterer Vorteil der Lochkamera. Das Aufnahmemedium muss nicht stur wie bei einem Negativfilm oder der Digitalkamera flach aufliegen. Im vorliegendenfall habe ich das Fotopapier in meiner Lochkamera (ein präparierter Schuhkarton) einfach als Bogen eingelegt. Dabei habe ich darauf geachtet, dass der Radius vom Loch möglichst gleich geblieben ist.

Mein erster Versuch lag bei 3 Minuten Belichtungszeit. Das Problem liegt auch darin, dass man bei Fotopapier nicht einfach schnell ein neues einlegen kann. Man benötigt eine Dunkelkamera (also einen völlig abgedunkelten Raum) damit die Lichtempfindliche Schicht nicht angegriffen wird. So musste ich nach meinem Versuch mit dem Tram zurück ins Labor und das Bild entwickeln. Das Bild war viel zu hell, also war die Belichtung nicht ausreichend (Mit Fotopapier erstellt man ein Negativ, da das Licht die Photozellen aktiviert und dunkler werden lässt). Ich machte mich auf den Weg um eine zweite Belichtung zu erstellen. Diesmal mit 8 Minuten. Zurück im Labor merkte ich, dass das Fotopapier unzureichend gesichert war und verrutscht war. Kein brauchbares Resultat. Also nächster Versuch mit 12 Minuten. Resultat überbelichtet. So gingen schon mal 4 Stunden ins Land und ich machte einen weiteren, letzten Versuch mit 9 Minuten. Und siehe da, das Resultat passt einigermassen.

Danach habe ich noch weitere Aufnahmen gemacht an der nächsten Tramhaltestelle und im Skaterpark. Die Belichtungen habe ich nun überraschend gut und richtig abgeschätzt. Die Bilder habe ich danach eingescannt und in Photoshop ins Positiv gedreht. Mit dem Ergebnis der 180° Panoramen in Schwarzweiss bin ich eigentlich zufrieden und ich möchte bald weitere Aufnahmen erstellen.

Diese kleine Story soll die fotointeressierten unter euch ermutigen vielleicht ebenfalls mal mit einer Lochkamera auf den Weg zu gehen. Wer kein eigenes Labor hat (habe ich au nicht) kommt evt. bei einem Freund oder einem Fotoklub unter. Ansonsten auch mal ein Fachgeschäft anfragen, ob die einem die Bilder entwickeln oder man das Labor mitbenutzen darf. Eine Erinnerung zum Worldwide Pinhole Day kommt dann nochmals rechtzeitig Anfang April nächstes Jahr.

Ach ja, in der aktuellen Photographie Zeitschrift hat es zwei Artikel über dieses Wunderding der Technik. Der eine beschäftigt sich mit den faszinierenden Lochkamera–Bildern von Volkmar Herre( www.edition-herre.de) und der andere mit der Kamera selbst.

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Die Belichtungsreihe kann nur in den Kreativmodi verwendet werden. Sind die Motivprogramma aktiviert, ist das Menü nicht sichtbar. Es findet sich im zweiten Aufnahmemenü unter dem Kürzel »AEB«. Wählt man diesen Menüpunkt aus, kann mit Hilfe des Wahlrades oder den Cursertasten links und rechts der Abstand der einzelnen Belichtungen eingestellt werden. Die Schritte sind in 1/3 Blendenstufen eingeteilt und reicht bis maximal zwei Blendenstufen. Es können nur drei Belichtungen eingestellt werden (Profikameras lassen bis zu 9 oder noch mehr zu).

Sind die Einstellungen getätigt und mit der Mitteltaste bestätigt worden geht es an die Aufnahme. Ist der »Einzelbild« Modus aktiv, muss für jede der drei Aufnahmen einzeln ausgelöst werden. Ist die Reihenaufnahme eingeschaltet, kann man einfach auf dem Auslöser drauf bleiben und alle drei Aufnahmen werden nacheinander aufgenommen. Das Ganze wird auch auf dem Display visualisiert. Die Belichtungsschritte werden mit schwarzen Balken angezeigt und rechts daneben finden sich drei Rechteckflächen welche übereinander liegen.

Standardmässig geht die Belichtungsreihe von dem »korrekt« belichteten Mittelwert aus. Man kann diesen allerdings auch verschieben, in dem man eine Belichtungskorrektur anbringt. Hält man die AV Taste gedrückt und dreht das Wahlrad, so verschieben sich die Balken nach links oder rechts und mit ihr die Abstände der Belichtungsreihe. So können mit Hilfe eines Stativs auch mehr als drei Aufnahmen von der selben Stelle gemacht werden.

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Beginnen wir rechts mit dem »Deaktivieren des Blitzes« Dies ist eine wichtige Funktion wenn man in einem Museum, einer Kirche oder sonst wo fotografiert, wo Blitzlicht verboten ist. Es gibt im übrigen mehrere Gründe, weshalb Blitzlicht an gewissen Orten verboten ist. Zum einen schadet Licht den Farben und lässt diese Ausbleichen. Zum anderen kann mit gutem Blitzlicht und Stativ (oft ebenfalls verboten) eine relativ gute Kopie des Originals angefertigt werden. Dies hätte wieder Urheberrechtliche Konsequenzen. Und zu guter letzt wäre es ziemlich lästig wen in einem Museum ständig geblitzt würde.

Das Nachtportrait kombiniert eine längere Belichtung mit dem intergrierten Blitz. Dazu sollte die zu fotografierende Person nicht weiter als 5m von der Kamera entfernt sein, das sonst die Leistung des integrierten Blitzes nicht ausreichend ist. Der Vorteil dieser Einstellung im Gegensatz zu einer normalen Blitzaufnahe liegt darin, dass die Lichtstimmung der Umgebung ebenfalls eingefangen wird und das Bild nicht so flau wirkt.

Der Sportmodus setzt auf besonders kurze Verschlusszeiten. Er wird immer eine Blenden- Verschlusszeitkombination vorschlagen mit der Bewegungen bestmöglich eingefroren werden können. Es wird der AF-Servo aktiviert, welcher ständig das Objekt scharf zu stellen versucht und die Serienaufnahe wird aktiviert. So werden durch Drücke und Halten des Auslösers max. 3 Bilder / sec geschossen.

Im Makromodus liegt die Priorität bei der Blende. Die Blende wird versucht möglichst offen zu behalten um das Subjekt mit geringer Schärfentiefe von der Umgebung abzuheben. Der Blitz wird, wenn die Lichtverhältnisse schlecht sind, automatisch zugeschaltet.

Im Landschaftsmodus liegt die Priorität ebenfalls bei der Blende aber hier möglichst abgeblendet, damit die Schärfentiefe möglichst gross ist und das Bild durchgängig scharf wirkt. Zusätzlich werden die Grün- und Blautöne kräftiger und klarer dargestellt. Dies aber lediglich wenn das Aufnahmeformat ein JPEG ist. Sollte die Aufnahme im RAW–Format gemacht werden, was ich generell empfehle, hat dies keine Auswirkung.

Der Portraitmodus gleicht dem Makromodus und versucht mit möglichst offener Blende zu schiessen. Zudem werden Haut und Haar weicher dargestellt, als in anderen Modi. Auch hier gilt das lediglich fürs JPEG Format.

Zu guter letzt noch der Vollautomatikmodus. Hier versucht die Kamera alles was in ihrer Macht steht, die Aufnahmesituation richtig zu interpretieren und den richtigen Modus selber zu wählen.

In allen Modi wird übrigens der ISO–Wert und der Weissabgleich automatisch bestimmt. Ist eines dieser Motivprogramme aktiv kann auch nicht auf das zweite Aufnahmemenü zugegegriffen werden bei dem der Weissabgleich, der Farbraum, der Bildstil oder die Blitzbelichtungskorrektur eingestellt werden. Die Funktionen sind konsequent darauf ausgelegt sie anzuwählen und zu benutzen für schnelle und einfache Aufnahmen, schränken die Kreativität aber deutlich ein.

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Bevor wir uns aber mit den Messmethoden befassen ist es wichtig zu wissen, wie eine Kamera arbeitet. Aus den vorherigen Kapiteln wissen wir, dass eine Kamera immer eine »richtige« Belichtung vorschlägt. Wenn wir zum Beispiel im Av Modus (Blendenvorwahl) arbeiten und die Blende wählen, bestimmt die Kamera automatisch die passende Verschlusszeit für ein »korrekt« belichtetes Bild. Doch was heisst korrekt belichtet, wie kann eine Kamera das wissen?

Nun jede Kamera ist darauf kalibriert, Bilder als richtig belichtet zu erkennen, wenn nach der Reduktion von Farbe und dem Zusammenführen aller Pixel daraus ein 18 prozentiger mittlerer Grauton entsteht. Die Erklärung wie das genau vor sich geht wäre alleine ein ganzer Artikel wert. Ich verzichte hier darauf und behelfe mich mit einem Beispiel. Markus und ich haben mit diversen Kameras Versuche gemacht um zu testen, was es mit dem 18% Grauton auf sich hat. Dabei haben wir drei Kartone in den Farben Weiss, (mittleres) Grau und Schwarz abgelichtet. In unserem Fall haben wir den Kreativmodus Av (Blendenvorwahl) gewählt und die Verschlusszeit der Kamera überlassen.

Das Ergebnis ist sehr interessant: Alle drei Aufnahmen lassen sich nicht voneinander unterscheiden. Der weisse Karton wurde ebenso grau aufgenommen wie der schwarze.

Genau darin liegt das Problem. Die Kamera kann nicht wissen ob wir etwas weisses oder etwas schwarzes fotografieren wollen. Sie »weiss« lediglich dass es ihr Ziel sein muss, alles in einem mittleren Grau zu belichten. Deshalb wird halt ein weisses Blatt grau und auch ein schwarzes Blatt ebenfalls grau dargestellt. Dieser Versuch kann gut zu Hause selber ausprobiert werden. Dafür reicht eine weisses und ein schwarzes T-Shirt, wenn nicht gerade ein Karton herumliegen sollte. Beachtet werden muss noch, dass manuell fokussiert wird. Da das Sujet keinen Kontrast bietet welchen die Kamera messen könnte, wird sie auch nicht fokussieren. Auch eine wichtige Erkenntnis nebenbei!

Nun wissen wir dass die Kamera immer versucht auf diesen 18 prozentigen Grauton zu belichten. Das ganze macht sie natürlich aus einem guten Grund, denn in vielen Fällen passt diese Variante ganz gut. Wir haben selten sehr helle oder sehr dunkle Motive, aber wir haben sie! Es gibt jetzt verschiedene Methoden diesem Effekt bewusst entgegen zu wirken. Hier kommen nun die Messmethoden ins Spiel.

Beginnen möchte ich mit der Selektivmessung da die als Standard gesetzte Mehrfeldmessung etwas anders arbeitet. Bei der Selektivmessung wird die Helligkeit nur auf einem Zentrumsdurchmesser von ca. 1/3 Bildhöhe gemessen. Alles ausserhalb dieses Kreises wird nicht in die Berechnung miteinbezogen. Diese Messmethode hilft und insbesondere bei starken Gegenlichtsituationen. Hier müssen wir eine Entscheidung treffen und uns festlegen, ob das Gegenlicht richtig belichtet werden soll, oder das Subjekt davor.

Ein Beispiel. Auf meiner letzjährigen Australienrundreise waren wir zur späten Stunde bei den Pinnacles in Westaustralien. Pinnacles sind Kalksteine, die wie Termitehügel aus dem Boden ragen. Hier musste ich mich entscheiden ob ich die Pinnacles nur als Silhoutte abbilden möchte und dafür dem dramatisch wirkenden Himmel die Hauptrolle geben möchte, oder ich den Spiess umkehre.

Um dem Himmel richtig belichtet zu haben, fokussierte ich auf diesen und habe mit der Sterntaste die Belichtung gespeichert. Danach habe ich das Bild entsprechend komponiert und abgedrückt. Bei der unteren Aufnahme habe ich zuerst auf den Pinnacle fokussiert und mit der Sterntaste den Belichtungsmesswert gespeichert und danach das Bild erneut komponiert.

Gehen wir über zur Mittenbetonten Messung. Sie ist etwas schwierig zu erklären, da das Messfeld nicht überall gleich misst. Das Zentrum wird stärker gewichtet als die Ränder. Das Feld misst aber nicht ganz bis an den Rand (was eigentlich auch nicht notwendig ist). Sie wird auch in der Anleitung nur erfahrenen Benutzern empfohlen. Ich persönlich verzichte gänzlich auf diese Messung, da sie relativ schwer zu interpretieren ist und oft eine Belichtungskorrektur erfordert.

Nun noch zur Mehrfeldmessung. Nun sie wiederspricht der eigentlichen Theorie vom simplen messen und reduzieren auf den 18% Grauton. Die Mehrfeldmessung ist eine »intelligente« Messung, welche das Bild in Felder aufteilt. Sie analysiert die Geschehnisse und schlägt dann Aufgrund der programmierten »Erfahrungen« eine korrekte Belichtung vor. Dazu ist sie in der Lage, weil im Hintergrund eine Bilddatenbank mit vielen Aufnahmesituationen hinterlegt sind. Die Kamera sucht ein passendes Bild dass der Aufnahesituation ähnelt, entscheidet dann selbstständig welche Bildbereiche mit Priorität behandelt werden sollen und schlägt eine entsprechende Belichtung vor. Was sich nach Willkür anhört, funktioniert eigentlich ganz gut und der Einsteiger wird mit diesere Messmethode im normalfall bestens Leben können. Mit zunehmender Erfahrung überlässt man aber gerne immer weniger den Faktoren Zufall und Automatismus und greift gerne selber ins Geschehen ein. Deshalb wird mit der Zeit die Selektivmessung wohl zum Standard eines jeden engagierten 400D Fotografen werden.

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Natürlich gibt es auch nachvollziehbare Gründe für die höhere Anzahl Pixel. Weit entfernte Objekte sollen auch bei einer Ausschnittsvergrösserung noch gut erkennbar sein. Zudem lässt sich das Bild problemlos stark beschneiden und die Qualität ist immernoch ausreichend für grössere Abzüge. Doch auch hier wieder die Frage, braucht, respektive will der anspruchsvolle Amateur oder Profi dieses Möglichkeiten? Soll das Bild nicht möglichst endnahe aus der Kamera ausgelesen werden? Wir – die Autoren dieses Blogs – glauben, dass man zurzeit mit 10 (max. 15MP) bestens bedient ist, wir sind also Ausnahmsweise mal auf der Seite der Mehrheit

Ich als Canonist stecke nun etwas in der Klemme. Ein Update auf eine Kamera im KB Format wäre demnächst eigentlich fällig. Denn hatte man mal eine semiprofessionelle Kamera in der Hand, erscheint einem die EOS 400D plötzlich klein und mikrig. Ich bin zwar nachwievor davon überzeugt, dass keine Nikon (oder anderere Hersteller) der 400D in diesem Segment den Platz für bestes Preis- Leistungsverhältnis streitig machen kann, doch bei der 5D Mark II sieht das deutlich anders aus. Ich hatte nun eine Woche Zeit die D700 von Nikon zu testen und habe sie auch für ein Schwangerschafts–Shooting eingesetzt. Um es kurz zu halten, die Kamera ist wirklich Klasse. Ich bin mir zwar sicher, dass die EOS 5D Mark II ebenfalls gut ist, aber im Moment sprechen zwei Argumente gegen diese Kamera. 1. Sie hat 21MP, was mir im Moment eigentlich zu viel ist und 2. die EF-S Objektive passen nicht auf die Kamera. Man kann zwar die EF Objektive auf den Kameras mit APS-C Sensoren uneingeschränkt verwenden, leider funktioniert die Aufwärtskompatibiltät aber nicht. Somit wäre der Wechsel auf ein anderes System nicht ganz so schmerzhaft.

Wollen wir aber mal nichts überstürzen und widmen wir uns der nächsten Umfrage Da sich doch wieder über 100 Personen an der letzten Umfrage beteiligt haben, möchten wir als nächstes gerne von euch wissen, welcher Gruppe ihr euch zuordnen würdet. Die Umfrage wie immer rechts in der Seitenleiste.

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Facebook

Trotz allem findet man zwischendurch noch Zeit für Kleinigkeiten. Ich bin schon länger Facebook-Mitglied. Obwohl skeptisch zu Anfang, bin ich nun begeisterter User. Es gibt keine bessere Plattform (zumindest ist mir keine bekannt) um mit seinen Freunden in Kontakt zu bleiben. Sie vereint auch diverse Funktionen, wie z.B. die Statusmeldungen von Twitter, das präsentieren von Bildern wie bei Flickr oder das veröffentlichen von Videos wie bei Youtube. Auch können eigene Gruppen eröffnet werden oder man eröffnet seine eigene Facebook-»Homepage« um seine Arbeiten oder Leistungen zu präsentieren. Ich habe mal eine Seite eröffnet, man weiss ja nie was sich daraus noch ergeben kann Pascal Reis auf Facebook.

Nun aber genug von mir und zum eigentlichen Thema. Die letzten Wochen wurde ich von mehreren Seiten angefragt (meist Freunde von Freunden), welches denn nun die beste Kamera sei. Die Frage konnte ich natürlich nicht so einfach beantworten, da es DIE beste Kamera nicht gibt. Um aber trotzdem ein wenig beratend zur Seite zu stehen, damit jeder seine beste Kamera findet gebe ich gerne folgende Tipps mit auf den weg.

1. Sind bereits Objektive aus analogen Zeiten vorhanden? Wenn ja, und wenn man mit der Qualität und Handhabung (obwohl sich das Bedienkonzept deutlich verändert hat) zufrieden war, sollte man sich umbedingt die Kamerabodys dieses Herstellers genauer ansehen. Aber Achtung: Nur weil bestehende Objektive vorhanden sind, heisst das noch lange nicht, dass sie (uneingeschränkt) auf dem neuen Kameragehäuse funktionieren. Hier umbedingt recherchieren und beim Fachhandel nachfragen.

2. Die wohl wichtigste, wie auch meist unterschätzte, Tatsache ist die, dass man sich mit der Kamera wohl fühlen muss. Dafür empfehle ich den Besuch in einem grossen Discounter (wie z.B. Mediamarkt) welche diverse Kameramodelle von diversen Herstellern ausgestellt haben. Danach einfach auf sein Gefühl vertrauen. Liegt die Kamera angenehm in der Hand? Ist das Gewicht für mich in Ordnung? Sind die Knöpfe da wo ich sie mir intuitiv vorstelle? Finde ich mich im Menü zurecht? Die Kamera mit der man sich am wohlsten fühlt und welche zum Geldbeutel passt, sollte nun die Kamera der Wahl sein.

3. Nun kann man sich noch beim Fachhändler über Zubehör beraten lassen. Denn Ich wage mal die Aussage, dass die ganze Technik für einen Einsteiger, welcher sich so eine Frage wohl am ehesten stellt, zweitrangig ist. Das (gute) Bild macht nämlich nicht die Kamera sondern der Fotograf und dabei ist es wichtig, dass man sich mit der Kamera schnell vertraut macht und nicht ob bei ISO3200 das Rauschverhalten minim besser ist als bei der Konkurenz.

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Die Canon 50D kommt im edlen Magnesiumgehäuse daher wärend die D90 das Aluminiusm-Plastikgehäuse der D80 geerbt hat. Beide trumpfen mit einem 3″ Montior mit 920’000 Bildpunkten auf. Die 50D macht Bilder mit einer Auflösung von bis zu 15.1MP, die D90 verspricht deren 12.3MP. Die ISO Bereiche können bei der D90 auf bis zu ISO 6400 eingestellt werden, Canon sogar 12500. Canon setzt für die 50D neue Mikrolinsen und einen anderen Signalverstärker ein, mit welchen das Rauschen minimiert werden sollte. Man darf gespannt die ersten Testberichte abwarten.

Die 50D überflügelt die D90 noch bei den Serienbildern. Wärend die D90 mit 4.5 Bilder/Sekunde an ihre Grenzen stösst, schafft die 50D deren 6.5. Ansonsten aber schenken sich die beiden Kameras auf den ersten Blick nicht viel.

Allerdings hat Nikon noch ei Ass im Ärmel und überrascht mit der HD–Movie Funktion, welche es erstmals möglich macht, Filme mit einer DSLR aufzunehmen. Die maximale Auflösung für Filmaufnahmen beträgt 1280×720 und das bei 24Bildern pro Sekunde. Die Aufnahmen werden als AVI (Motion-JPEG) gespeichert. Natürlich darf dann ein HDMI Ausgang nicht fehlen. Wie gross die Dateien werden, konnte ich leider nicht in Erfahrung bringen.

Die Preisempfehlung für die D90 liegt um die 1000€, bei der 50D um die 1300€

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Mit dem manuellen Fokus lässt sich die Schärfenebene manuell wählen in dem man den Fokusring am Objektiv dreht. Jeh nach Objektiv muss dazu allerdings zwingen der Schalter auf MF gestellt sein da im AF-Modus der Ring durch den Motor blockiert wird. Ehrlich gesagt, habe ich diese Methode bisher kaum angewendet, da ich der Meinung war, die Kamera kann das sicherlich besser als ich. Dies kann auch passieren, wenn die Dioptrinkorrektur falsch eingestellt ist. Vor kurzem habe ich aber etwas entscheidendes gelernt, was den Einsatz der manuellen Fokusierung erheblich erleichtert.

Wenn man durch den Sucher blickt und auf das gewünschte Motiv fokusiert hat, drückt man den Auslöser halb durch. Ist das Objekt nun tatsächlich scharf, erscheint der grüne Punkt rechts unten in der Sucheranzeige (in diesem Falle neben der 9). Stimmt die Schärfe nicht, erscheint auch der Punkt nicht. So kann kontrolliert werden, ob die eigenen Einstellungen mit den Messmethoden der Kamera übereinstimmen.

Beim Autofokus übernimmt die Kamera das Scharfstellen des Motivs. Dabei wird über ein Ultraschallmotor (die sogenannte USM Bezeichnung auf den Objketiven) der Fokusring in die richtige Position gebracht. Neben dem grünen Punkt erscheint auch noch ein oder mehrere rote Punkte im Sucherfeld auf den 9 Fokusmesspunkten (kleine Rechtecke mit Punkt im oberen Bild). Damit lässt sich kontrollieren auf welcher Ebene das Scharfstellen stattgefunden hat. Gerade bei Motiven mit einer grossen räumlichen Tiefe (Beispielsweise eine Person im Freien) ist es oftmals nicht ganz einfach, dass der Fokus tatsächlich auf dem gewünschten Motiv zu liegen kommt, zumal man Bilder ja interessant gestalten möchte und seine Motive daher vorzugsweise etwas ausserhalb der Mitte platziert.

Um dem Autofokus etwas unter die Arme zu Greifen und seine Messtätigkeiten einzuschränken, lässt sich die Grundeinstellung, welche alle 9 Messpunkte zur Hilfe nimmt, auf einen der neun Messpunkte reduzieren. Dazu drückt man die AF-Messfeld Taste rechts oben auf der Rückseite der Kamera (vorzugsweise wärend dem Fokusieren mit dem rechten Daumen) und dreht dann am Hauptwahlrad (neben dem Auslöser) jeh nach belieben im Uhrzeiger— oder im Gegenuhrzeitersinn. Beim Drehen im Uhrzeigersinn erlöschen nun alle Fokuspunkte ausser der in der Mitte platzierte und danach nach rechts oben einmal rund ums Fessfeld.

Damit lässt sich genau festlegen, in welchem Bildbereich sich das scharfe Motiv befindet. Das Ganze funktioniert übrigens auch im manuellen Modus. Auch dort lässt sich der Messpunkt einschränken und vereinfacht deshalb die Kontrolle beim manuellen Fokus. Übrigens: Neben den roten Punkten im Sucher erscheint die Anzeige auch gross auf dem Display.

Neben den zwei Fokusarten hat man mit dem automatischen Fokus noch weitere Möglichkeiten. Mit der Taste AF auf der Rückseite der Kamera kann man zwischen drei verschiedenen Fokusierhilfen wählen. Da wäre zum einen die »ONE SHOT« Einstellung. Sie ist ideal für stationäre unbewegte Objekte wie Architektur, Landschaft, Portrait, etc. Das Objekt wird durch halbes durchdrücken des Auslösers einmal Fokusiert und behält dann diese Einstellung bis zum Durchdrücken oder Loslassen des Auslösers. Daneben folgt der »AI FOCUS« (AI = Artificial Intelligence = künstliche Intelligenz). Dieser Modus ist ideal für Tieraufnahmen, Kleinkinder und alles was sich spontan und unvorhegesehen bewegt. Beim halben Durchdrücken fokusiert die Automatik genau gleich wie im ersten Modus. Bewegt sich das Objekt nun beginnt die Automatik nachzuschärfen. Somit wären wir dann auch schon beim »AI SERVO« welcher sich für Sportaufnahmen und sonstige Motive mit Bewegung eignen. Die Automatik versucht ständig dem bewegten Objekt zu folgen und es scharf zu halten.

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Durch drücken der Play-Taste wird das letzte aufgenommene Bild auf dem Display angezeigt und alle blau bedruckten Tasten bekommen nun Gültigkeit. Durch drücken der linken (Messfeldsteuerung) oder rechten (AF) Cursertaste kann zwischen den Bilden hin und her gewechselt werden.

Wenn man die Schärfe der Aufnahme kontrollieren möchte, muss man in das Bild hinein »zoomen«, denn eine Schärfebeurteilung ist sonst nicht möglich. Über das + Lupensymbol kann in der Bildausschnitt vergrössert werden. Wer nahe ran will, kann die Taste gedrückt halten. Leider konnte ich keine Informationen finden, wie gross die tatsächliche Vergrösserung ist, sie dürfte aber etwa bei 1:2 liegen. Wenn man nach dem zoomen im Bild verfahren möchte, kann man das über die Cursertasten machen. Auch ein Bildwechsel ist möglich. Dabei dreht man lediglich am Hauptwahlrad und schon wird das nächste Bild eingeblendet.

Um wieder in die eingepasste Ansicht zurück zu kehren, drückt man entweder das – Lupensymbol und hält sie gedrückt, oder man drück einmal die Play-Taste. Wenn man in der eingepassten Anzeige das – Lupensymbol drückt, wird eine Bildübersicht angezeigt mit neun Bildern. Mit dem Curser kann zwischen diesen neun Bildern verfahren werden. Wird das Bild oben links oder unten rechts erreicht und um eine weitere Position zurück oder nach vor gesprungen, werden die nächsten neun Bilder angezeigt.

Das Ganze kann auch noch beschleunigt werden. Durch drücken der »JUMP«-Taste werden alle Bilder durch einen grünen Rahmen ausgewählt. Wird jetzt mit den Cursertasten vor- oder zurück gesprungen, werden immer die nächsten neun Bilder angezeigt. Hat man die Bildgruppe erreicht mit dem gewünschten Bild, wird über ein erneutes drücken der »JUMP«-Taste die Bildgruppe wieder deselektiert und ein einzelnes Bild kann ausgewählt werden.

Die »JUMP«-Funktion kann auch im Einzelbildmodus betätigt werden. Unten rechts im Display errscheint dann die Meldung »Spring 10 Aufn«. Man hat nun sogar die Möglichkeit, diese 10 Aufnahmen durch drücken der Cursertasten oben (ISO) oder unten (WB) auf »Spring 100 Aufn« oder auf »Spring Aufn.Dat« zu ändern. Dies ist sehr nützlich um schnell die gewünschten Fotos zu finden.

All diese Funktionen sind aber reiner Bedienkonfort und helfen uns noch nicht, die Aufnahmen zu verstehen und zu verbessern. Deshalb sind die nächsten beiden Anzeigemodi die wichtigeren.

Wenn man sich nun im Anzeigemodus befindet werden durch ein erneutes drücken der »DISP.«-Taste die wichtigsten Aufnaheparameter angezeigt. Unten links befindet sich zuerst die Verschlusszeit, gefolgt von der Blende. Die anderen Informationen sind für mein Empfinden überflüssig. Ich hätte mir hier anstelle der Bildpositon oder der Dateinummer, den ISO-Wert und die Belichtungskorrektur gewünscht. Deshalb ist die letzte Anzeige, welche durch ein erneutes drücken der »DISP.«-Taste eingeblendet wird, die wichtigste und informativste für uns Fotografen.

Links oben finden wir die Aufnahme und rechts daneben das Histogramm. Zur Erläuterung des Histogrammst komme ich gleich. Unterhalb vom Bild finden wir das Aufnahmedatum sowie die Uhrzeit. Darunter Belichtungszeit, Blende und Belichtungskorrektur. In der untersten Zeile Bildposition, Aufnahmequalität, Speicherplatz auf der Karte und der ISO Wert. Rechts Angaben zum Farbraum, Weissabgleich und welche Messfeldsteuerung eingesetzt wurde. Mit all diesen Werten, welche im Moment wahrscheinlich noch etwas viel ist, lässt sich eine qualitative Beurteilung erstellen.

Wichtig für die qualitative Beurteilung ist in erster Linie die Belichtungszeit, die gewählte Blende und der ISO-Wert! Dabei sollte man sich selbst folgende Frage stellen: »Was will ich mit dem Bild darstellen und stimmen meine Parameter dafür?« Denn wir erinnern uns: Eine kurze Belichtungszeit für Momentaufnahmen, eine lange für Bewegung und Dynamik. Eine offene Blende für eine geringe Schärfentiefe oder eine geschlossene für eine grosse Schärfentiefe und ein möglichst niedriger ISO-Wert wenn es die Lichtbedingungen zulassen. Wer sich diese Frage nach eine Aufnahme stellt, die Ergebnisse anhand der Lupenfunktion und der Parameter kontrolliert, wird viel berechnbarere Ergebnisse erhalten und sehr viel schneller den Umgang und das Zusammenspiel erlernen!

Das Histogramm

Das Histogramm ist neben den Aufnahmeparametern das wichtigste Kontrollorgan für den Fotografen. Mit dem Histogramm, und zwar ausschliesslich mit ihm, lässt sich beurteilen, ob ein Bild richtig belichtet wurde. In diesem wird die Verteilung der Bildpunkte nach Helligkeit sortiert. Ganz links im Histogramm befinden sich die dunklen respektiven schwarzen Bildpunkte. Ganz rechts die hellen, respektive weissen. Ziel einer Aufnahme ist es, eine Verteilung innerhalb dieser Grenzen zu erhalten. Befinden sich die Bildpunkte mehrheitlich auf der linken Seite des Histogramms, ist die Aufnahme zu dunkel und unterbelichtet. Umgekehrtes gilt, wenn die Verteilung zu weit rechts ist. Die Aufnahme ist zu hell und daher überbelichtet. Wer eine ausführlichere Erklärung wünscht kann sich diese auf Wikipedia oder bei Kwerfeldein abholen.

Der grosse Vorteil dieser Grafik ist die Unabhängigkeit von äusseren Einflüssen. Ist es z.B. sehr hell wird das ablesen des Displays sehr schwierig. Auch kann die Display-Beleuchtung falsch eingestellt sein. Das Bild wirkt dann vielleicht auf der Anzeige zu dunkel oder zu hell, ist aber in Tat und Wahrheit richtig belichtet.

Dem aufmerksamen Betrachter dieser Anzeige wird vielleicht aufgefallen sein, dass im Bild gewisse Stellen schwarz aufblinken. Dies sind all jene Stellen, welche so stark überbelichtet sind, dass nur noch reines weiss vorhanden ist und deshalb keine Strukturinformationen mehr vorhanden sind. Generell gilt, dass eine Aufnahme keine ausgebrochenen Stellen aufweisen sollte. Da aber die Kamera nur einen sehr eingeschränken Konstrastumfang abbilden kann (siehe RAW – Ein bisschen HDR muss sein) ist es manchmal unerlässlich, Stellen ausbrechen zu lassen, da ansonsten das ganze Bild zu dunkel würde.

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Damit schnell und einfach auf die bisherigen Artikel zurück gegriffen werden kann, habe ich eine neue Seite mit dem Namen »Virtueller Fotokurs« erstellt. Sie befindet sich oben neben dem Anfahrtsplan und wird laufend ergänzt werden. Zudem plane ich, sämtliche Artikel in einem übersichtlichen Dokument zusammen zu stellen, welches selbstverständlich kostenlos zum Download zur Verfügung stehen wird. Es soll zusammen mit dem letzten Artikel erscheinen. Wann es soweit ist, wird sich zeigen, denn es gibt noch einiges zu erklären

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Eine DSLR (Digital Single Lens Reflex) Kamera, also eine digitale Spiegereflexkamera besteht gründsätzlich aus zwei voneinander trennbaren Komponenten. Da haben wir zum einen das Kameragehäuse welches im Fachjargon kurz als »Body« (Körper) bezeichnet wird. Zum anderen haben wir das Objektiv, dass sich je nach Anwendungsfall wechseln lässt. Dies ist auch der grosse Vorteil gegenüber einer Kompaktkamera, welche ein fix eingebautes Objektiv besitzt und deshalb nicht erweitert werden kann.

Bild der EOS 450D, dem Nachfolger der EOS 400D. Leider gibt es von der EOS 400D keine so tolle Schnittansicht.

Damit wir die kommenden Artikel behandeln können habe ich im nebenstehenden Bild alle Tasten und Kontrolllampen bezeichnet, welche ich in der nächsten Zeit erklären werde. Bei einigen bedarf es einer ausführlichen Erklärung, andere sind so eindeutig, dass diese etwas schneller behandelt werden können.
Beginnen möchte ich mit dem Menü und den Grundeinstellungen, welche vor den ersten Aufnahmen gemacht werden sollten.

Alle Kamerabilder mit freundlicher Genehmigung von Canon

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Hier kommt nun die HDR-Technik zum Einsatz. Das Prinzip ist ebenso einfach wie genial. Man macht vom gleichen Motiv mehrere Aufnahmen mit unterschiedlichen Belichtungszeiten (eine sogenannte Belichtungsreihe) und legt diese dann Softwaremässig übereinander. Dabei kommen sowohl ganz kurze Belichtungszeiten (für die hellen Bildpartien) wie auch ganz lange (für die dunklen Bildpartien) zum Einsatz. Je nach Umgebungskontrast (also hell zu dunkel) sind mehrere Aufnahmen nötig. Diese werden dann mit entsprechender Software, wie z.B. dem bekannten Photomatix Pro (steht kostenlos als Testversion zum Download zur Verfügung) zusammen gefügt und das Programm erkennt automatisch, aus welchen Bildern er welche Informationen pflücken muss. Nun wäre eigentlich ein spezieller Bildschirm nötig, welcher diesen Dynamikumfang direkt darstellen könnte. Da dies aber zurzeit noch nicht dem Stand der Technik entspricht wird mit dem sogenannten Tonemapping der Dynamikumfang auf ein Bild mit normaler Farbtiefe runter gerechnet.

Das Ergebnis sind meist künsterlich surreal wirkende Bilder, die mit der herkömmlichen Fotografie nicht mehr viel gemein zu haben scheinen. Einer der Besten und bekanntesten HDR Fotografen ist bestimmt Dave Hill. Seine Bilder bringen mich auch zur Überleitung, weshalb RAW hier auch wieder die bessere Wahl ist als .jpg.

Wie im 2. Teil berichtet, ist die Nachbelichtung für ein RAW-Format über zwei Blendenstufen meist ohne grossen Qualitätsverlust machbar. Dies ist aber abhänig vom Kameratyp. Die Sony Alpha hat meiner Meinung nach noch den grösseren Spielraum als die EOS 400D. Und gegen oben (also zu den teuren Semi- und Profi Modellen) nimmt dieser ebenfalls noch zu. So ist es möglich, aus einer einzigen RAW-Aufnahme ein HDR Bild zu erzeugen. Hier ein Beispiel des UBS Gebäudes in St.Gallen, welches au einer RAW-Aufnahem entstand. Mit einer .jpg Aufnahme wäre das nicht möglich gewesen. Und wer mal so richtig tolle HDR Aufnahmen sehen möchte, sollte umbedingt der Seite von Dave Hill mal einen Besuch abstatten, es lohnt sich!

Damit wäre nun der kleine Grundkurs über das Basiswissen abgeschlossen. Selbstverständlich war das noch nicht alles, aber es bietet die Grundlage für die nächsten Artikel zur EOS 400D. In diesen werden dann auch noch Themen wie Autofokus, Belichtungsmessmethoden und vieles mehr behandelt.

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Fotografiere ich allerdings im RAW-Format spielt es keine Rolle welche Einstellung ich habe. Das RAW-Format wird immer ungefiltert auf den Computer übertragen. Das Gute allerdings ist, dass ich diese Aufnahmemodi trotzdem nutzen kann. Stelle ich also S/W ein und nehme ein Bild auf, wird das Bild auf der Kamera auch in S/W angezeigt. Dies kann sehr praktisch sein, wenn man Grauabstufungen und Kontraste überprüfen möchte. Die Konvertierung in ein S/W Bild passiert dann später einfach am Computer

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Bei diesem Bild, aus einem kürzlichen Shooting, wurde die Person bewusst seitlich angestrahlt. Es sollte der Effekt erreicht werden, dass sich das Gesicht in der Hälfte teilt. So sieht der betrachter die eine Hälfte des Gesichts und die andere bleibt im dunklen verborgen.

Man erkennt, dass sich um das Auge der ausgeleuchteten Seite ein dunkler Schatten bildet. Im RAW-Format und mit passender Software, kann ich nun das Auge problemlos nachbelichten ohne merklichen Qualitätsverlust. Im .jpg Format ist das nicht möglich, da beim Komprimierungsverfahren solche Informationen gelöscht werden.

Das Ergebnis sieht dann so aus. Man erkennt deutlich, dass die Nachbelichtung beim .jpg auf der rechten Seite völlig daneben ging. Noch deutlicher sieht man das, wenn man sich mal auf das Ganze Portrait konzentriert.

Zwar hat hier die neu aufgehellte Gesichtshälfte ebenfalls an Qualität verloren. Das liegt aber lediglich darin, dass ich zur Veranschaulichung gleich vier Blendenstufen nachbelichtet habe. Dies entspricht im Normalfall aber nicht der Realität.

Gezielt eingesetzt kann die Nachbelichtung also ein nützliches Werkzeug sein. In diesem Falle habe ich das Auge nachträlich noch aufgehellt und dem Bild noch noch einen nostalgischen Touch verliehen. Dies passt gut zum Ausdruck des Gesichts und der Aufnahmeart.

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Licht ist nicht gleich Licht

Das Wichtigste zu diesem Thema: Licht ist nicht gleich Licht. Das Licht der Sonne unterscheidet sich zum Licht das eine Glühbirne abstrahlt. Auch ist das Licht einer Glühbirne anders als das einer Leuchtstoffröhre und es macht einen Unterschied ob es bewölkt ist, bei welcher Tageszeit fotografiert wird und ob ich im Schatten stehe. Das Licht einer Glühbirne wird durch seinen gelblichen Ton als »warm« empfunden, während an einem bewölkten Tag die Bilder bläulich erscheinen und daher eher »kalt« wirken. Mit dem Weissabgleich wird genau dem entgegen gewirkt. Ziel ist es, ein Bild immer natürlich wirken zu lassen. Dem Bild sollte man also im Normalfall nicht ansehen, welche Lichtverhältnisse vorhanden waren (ausser es wird gestalterisch genutzt).

Bei diesem Beispiel kann man gut den Unterschied zwischen der bewölkten Aufnahme (links) und der Aufnahme im Sonnenlicht (rechts) erkennen. Die Bilder sind mit automatischem Weissabgleich aufgenommen und unbearbeitet so von der Kamera übernommen worden.

Automatikmodus oder Manuell?

Für die meisten ist der Weissabgleich aber ein leidiges Thema und wird auch nicht richtig verstanden. Oftmals wird auf automatischen Weissabgleich geschaltet, in der Hoffnung die Kamera mache dann schon das Richtige. Zuhause am Bildschirm ist dann die Entäuschung oftmals gross. Die Bilder decken sich nicht mit den Erinnerungen und haben im schlimmsten Fall auch einen Farbstich, der das ganze Foto ruiniert.Die Fortgeschrittenen unter euch werden den Weissabgleich evt. auch manuel setzen. Dabei ist die Auswahl in den meisten Kameras aber sehr bescheiden gehalten und es lassen sich zwischen 5–7 Lichtsituationen auswählen, einen Automatikmodus und noch der manuelle Weissabgleich. Oft habe ich auch schön gehört, das der Weissabgleich generell auf »bewölkt« eingestellt wird, da dies dem Foto eine warme Note gibt. Auch das ist aber keine zufriedenstellende Lösung für den anspruchsvollen Fotografen.

Deshalb RAW!

Nun die gute Nachricht: Wer im RAW-Format fotografiert muss sich um den Weissabgleich nicht kümmern. Dieser kann bequem nachträglich am Bildschirm angepasst werden und zwar stufenlos! Der Grund ist schnell erklärt. Jedes Bild, dass die Kamera aufnimmt wird als erstes im RAW-Format aufgenommen. Habe ich nun als Standardformat .jpg ausgewählt, durchläuft das Bild Kameraintern einen Komprimierungsprozess. Die Datenmenge wird verringert und (scheinbar) nicht mehr benötigtes gelöscht. Auch der Weissabgleich wird durchgeführt und unwiederruflich in das .jpg Bild integriert. Man hat zwar mit entsprechenden Programmen auch beim .jpg Bild noch Möglichkeiten Farbstiche zu entfernen aber immer auf Kosten der Qualität. Auch wer diese Programme nicht zur Verfügung hat muss mit dem falsch abgeglichenen Bild leben.

RAW bedeuted also nichts anders, als dass die Bilddaten roh und unkomprimiert von der Kamera ausgegeben werden und ich die Möglichkeit habe, mein Bild selber zu entwickeln. So konnte ich auch durch einfaches Anpassen des Weissabgleiches das linke (bläuliche) Bild retten. Hier noch der vorher/nachher Vergleich.

Nachteil von RAW

Das RAW-Format hat zwei Nachteile. Nr. 1, ein RAW-Bild benötigt etwa den 2.5-fachen Speicherplatz eines .jpg Bildes. Bei den heutigen Speichermedien ist dies aber eigentlich kein Thema mehr. Nr. 2, es gibt kein einheitliches RAW-Format. Jeder Kamerahersteller hat sein eigenes Format respektive eigene Formate! Deshalb wird oftmals spezielle Software benötigt welche die Dateien anzeigen können. Da aber jeder Kamerahersteller eine entsprechende Software mitliefert, ist auch dies eigentlich kein Problem.

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Wie schwierig das ist, zeigen die vielen Bilder welche unscharf geworden sind und daher nur eine kurze Daseinsberechtigung auf meiner Festplatte hatten. Diejenigen Bilder, welche aber von der grossen Aufräumaktion verschont blieben, sind teilweise doch ziemlich cool geworden. Das liegt zum einen an dem tollen Effekt der Bewegungsunschärfe, welche dem Bild eine schöne Dynamik verleihen und zum anderen sicherlich auch den ehrwürdigen Automobilen und deren Besitzer

Weiter Bilder findet ihr auf meiner Flickr-Seite.

Für alle die es interessiert, wie man solche Bilder erstellt. Ich habe einige Einstellungen ausprobiert und bei diesen Geschwindigkeiten mit Blende ƒ9 und einer Verschlusszeit von 1/80sec gearbeitet. Dies ist aber stark abhängig von Geschwindigkeit, Brennweite und natürlich auch den Lichtbedingungen. Am Besten einfach mal ausprobieren

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Welche Vor- und Nachteile das mit sich bringt soll im Moment nicht Thema dieses Artikels sein. Was mich interessiert: Wird das Vollformat kommen und die kleineren Formate verdrängen? Ich behaupte: Ja.

Dabei halte ich es für müßig die Frage auf Basis der reinen Vernunft beantworten zu wollen. Der Umstieg von den kleineren Sensoren auf das jetzt als Vollformat bezeichnete Kleinbildformat bedeutet, dass die meisten Objektive die wir in den letzten Jahren für digitale SLR-Kameras gekauft haben, für das größere Format bestenfalls noch suboptimal sind. Für die Kamerahersteller natürlich ein Traum! Sie können uns all die teuren Zoom-, Fixbrennweiten- und Makroobjektive, die wir in den letzten Jahren für die kleinen Sensoren gekauft haben, neuerlich verkaufen – diesmal für das Vollformat. Für uns Konsumenten wird das in erster Linie teurer. Ob die Vorteile, die das größere Format mit sich bringt, diese Investitionen rechtfertigen, mag ich bezweifeln.

Nach vernünftigen Maßstäben mag es also sinnvoll sein, das mit der digitalen Spiegelreflexfotografie eingeführte Format zu behalten (ich betone das »mag«, denn es gibt auch genügend Argumente die für die Rückkehr zum Standard 36x24mm sprechen). Dennoch bin ich mir sicher, dass sich das KB-Format in den nächsten ein bis drei Jahren gegenüber den kleineren Formaten durchsetzen wird.

Das wichtigste Argument, welches die Massen des Marktes hin zum KB-Format bewegen wird lautet nämlich: Viel hilft viel.

Zwar wissen wir, dass das Nonsens ist, aber dennoch funktioniert der Markt genau nach diesen Maßstäben. Das haben wir in den vergangenen zwei Jahren sehr schön bei den digitalen Kompaktkameras gesehen. Der Konsument bewertet die Qualität einer Kamera nach der Anzahl der Megapixel. Mehr Megapixel = bessere Kamera. Stimmt aber absolut nicht! Ganz im Gegenteil. Für die kleinen Sensoren von Kompaktkameras sind mehr als sechs Megapixel Gift (siehe www.6mpixel.org). Das weiß der informierte Leser und das wissen die Kamerahersteller.

Dennoch haben Nikon, Canon, Olympus und Konsorten längst keine Kamera mit sechs Megapixel mehr im Programm, sondern bieten sieben, zehn und zwölf Megapixel-Modelle. Nicht, weil sie es nicht besser wüssten, sondern weil sie auf ihren Modellen mit geringerer Auflösung sitzen bleiben würden. Fuji war der letzte Mohikaner, der noch ein Sechsmegapixelmodell angeboten hat. Aber auch Fuji hatte wohl trotz aller Vorbehalte keine Lust mehr Ladenhüter zu produzieren, und deshalb hat heute auch dieser Hersteller keine Kompaktkamera mit vernünftiger Auflösung mehr im Programm.

Und genau dies wird in den kommenden Monaten auch beim Format der Sensoren passieren. Viel hilft viel. Also sind größere Sensoren auch automatisch besser als weniger große. Noch vor wenigen Wochen (und ich meine wirklich ganz, ganz wenige Wochen) habe ich mit Fachleuten, die im Umfeld von Kameras ihren Lebensunterhalt bestreiten, darüber diskutiert, ob denn das Vollformat nun komme oder nicht. Beide Experten betonten, dass es nicht vernünftig wäre, im Consumer-Bereich (also bei Kameras für Otto-Normalverbraucher) auf KB umzusteigen. Beide meinten, dass das KB-Vollformat eine Domäne der professionellen Boliden bleiben werde.

Das Erscheinen der Nikon D700 straft nun aber diese Ansicht einen Irrtum. Nachdem Canon schon länger mit der 5D eine einigermaßen erschwingliche DSLR mit Vollformat im Programm hat, bedient nun auch der zweite Platzhirsch den Markt mit einer semiprofessionellen Kamera mit Vollbild. Sony wird sicher bald folgen.

Natürlich ist der Einzug des KB-Sensors in der semiprofessionellen Klasse nur der Anfang einer Entwicklung, an dessen Ende »alle« DSLR-Kameras einen Sensor im Format 36x24mm haben werden. Ausnahme könnte am Ende wohl einzig der Four-Thirds-Standard von Olympus und Panasonic sein.

Der Wechsel zurück zum KB-Standard dürfte schmerzhaft werden für alle – mich eingeschlossen –, die in den vergangenen Monaten für das kleinere Format optimierte Objektive gekauft haben. Neue Objektive werden langfristig unumgänglich sein, und für den Bestand der Optiken für die kleineren Sensoren wird der Gebrauchtmarkt wohl keine Spitzenpreise mehr zulassen.

Bleibt zu hoffen, dass sich am Ende wenigstens das KB-Format wieder als Standard über Marken- und Systemgrenzen hinweg etablieren wird, und wir vor allem innerhalb eines Systems wieder Optiken haben, die sowohl auf Einsteiger- wie auch auf Profikameras ihr Bestes geben.

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Was ist aber unter diesen Begriffen zu verstehen? Um schon etwas auf die zukünftigen Artikel über die Canon EOS 400D einzuleiten, die Erläuterung nun anhand dieser Kamera.

Die EOS 400D wird vorwiegend im Paket mit einem EF-S 18-55mm 1:3.5-5.6 Objektiv angeboten. Die Bezeichnung 1:3.5-5.6 steht für die maximale Blendenöffnung bei unterschiedlicher Brennweite. Die 18-55mm bezeichnen den Brennweitenbereich des Objketivs. Dazu ist jetzt ein kleiner Exkurs zum Bildsensor nötig, damit man die Brennweitendefinition richtig versteht.

Die EOS 400D besitzt einen sogenannten CMOS Sensor mit den Abmassen 22.2mm Länge und 14.8mm Breite. Auf dieser Fläche wird unser Bild aufgenommen. Die Brennweite bezieht sich aber immer auf das sogenannte Kleinbildformat. Das Kleinbildformat entspricht einem Negativ in der analogen Fotografie, welches die Abmasse 36mm Länge und 24mm Breite besitzt und somit deutlich grösser ist als unser Sensor.

Das gute beim Wechsel zu einer digitalen Spiegelreflexkamera von Canon ist, dass sämtliche Objektive aus der EF und EF-S Serie weiterhin verwendet werden können und das ohne Einschränkung! Das kreisförmige Bild, welche diese Objketive erzeugen (da eine Linse ja rund ist) decken das Kleinbildformat vollständig ab. Da der Sensor nun kleiner ist als das Kleinbildformat, ergibt sich daraus eine Ausschnittvergrösserung.

Diese Ausschnittvergrösserung kommt einer Brennweitenverlängerung gleich. Denn wir erinnern uns, ein vergrössern der Brennweite verkleinert ebenfalls den Bildausschnitt.

Diese Vergrösserung wird in der Fotografie mit dem sogenannten Crop-Faktor berechnet. Diser Crop-Faktor gibt an, um wieviel sich der Bildausschnitt gegenüber dem Kleinbildformat vergrössert. Bei der EOS 400D beträgt dieser Faktor 1.6. Deshalb entsprechen 50mm Brennweite bei einer EOS 400D eigentlich 80mm im Kleinbildformat.

Profi- und Semiprofikamers wie die Canon 5D, 1D Mark oder auch die Nikon D3 und ganz aktuell die D700 haben bereits sogenannte Vollformatsensoren. Diese Sensoren entsprechen in den Abmassen dem Kleinbildformat. Der Crop-Faktor entfällt deshalb und die Brennweitenbezeichnung der Objektive ist wieder korrekt.

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In der Fotografie wollen wir ja aber nicht die Kamera in Brand setzen, sondern ein Bild schiessen. Was also bewirkt die Brennweite? Die Brennweite definiert uns den Bildausschnitt, welchen wir danach als Foto vor uns sehen. Dabei bewirkt ein vergrössern der Brennweite, also auch ein vergrössern des Abstands von Sensor zum Brennpunkt, ein verkleinern des Bildausschnittes. Umgangssprachlich reden wir hier dann vom »zoomen«

Das Ganze kann man anhand eines Tunnels erklären. Stellt euch vor, ihr steht im Tunnel und schaut nach draussen. Wenn ihr ziemlich nahe am Tunnelausgang steht, ist euer Sichtfeld und somit der Sichtwinkel relativ gross. Ihr seht wahrscheinlich noch den Himmel, sowie was links und rechts vom Tunnelausgang steht. Wenn ihr euch nun rückwärts bewegt, wird der Bildausschnitt den ihr seht, immer kleiner. Das Sichtfeld wird immer stärker eingeschränkt und der Sichtwinkel verkleinert sich zunehmend.

Für das menschliche Auge, ist die zunehmende Distanz ein Problem, da wir die Details nicht mehr erkennen können. Für die Optik im Objektiv und unsere Kamera ist es aber ein Leichtes diesen kleinen Bildausschnitt so darzustellen, also würde man gerade davor stehen. Deshalb können wir mit dem vergrössern der Brennweite, die Dinge scheinbar näher ran holen.

Noch ein Nachtrag zu Blende – Wie scharf hätten Sie’s denn gerne.
Dort habe ich erwähnt, dass die Brennweite ebenfalls einen Einfluss auf die Lichtmenge hat. Dies kann man sich anhand des Tunnels auch wieder gut vorstellen. Jeh weiter ich in den Tunnel hinein gehe, desto schwieriger ist es für das Licht nach hinten zu dringen. Deshalb ist es wichtig, das man bei Teleobjketiven mit grossen Brennweiten, eine möglichst grosse Blendenöffnung hat.

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